EN CLAVE DE JAZZ

Jazz de Acá: ACTIVIDAD LOCAL

2011-09-16T13:53:00.000-03:00

‘‘El jazz, como muchas otras artes se explica a sí mismo, y sólo la experiencia de su audición permite comprenderlo’’.

LAS ACTIVIDADES PASADAS:
Chucho’s Steps. Ya hace un buen tiempo que el pianista cubano Chucho Valdés, se presentó con The Afro Cuban Messengers, en la sala del Sodre pero, tenemos vivo, y muy presente aquella “avalancha” de música y espíritu jazzístico unido a lo caribeño. El maestro Valdés, inmenso…en su presencia y creatividad, director y anfitrión circunspecto y preciso. Chucho Valdés & The Afrocuban Messengers son: Chucho Valdés (piano), Mayra Caridad Valdés (voces), Lázaro Rivero Alarcón (bajo), Juan Carlos Rojas Castro (percusión), Yaroldy Abreu Robles (percusión), Dreiser Durruthy Bombalé (percusión batá y voces), Carlos Manuel Miyares Hernández (saxo tenor) y Reinaldo Melián Alvarez (trompeta). El público felizmente acudió en buena cantidad a las excelentes instalaciones de la Sala Fabini, del Auditorio Nacional Adela Reta (Sodre) y pudo disfrutar de un espectáculo que pocas veces se ha de repetir por estos lares. Nuestro buen amigo y colega Enrique, a la salida, preguntó sobre mi opinión al respecto de lo presenciado y qué puntaje le daría. Tuve que ser sincero con el, pues he visto videos grabados en festivales europeos del mismo espectáculo y debo decir que lo vivido esa noche, fue superior. De los 10 puntos posibles, para Chucho y su gente: 15 puntos y mucho Axé!. Bobby McFerry…También fue uno de los puntos altos de la temporada. Un artista único y con una propuesta igualmente singular. Quienes tomaron la decisión y tuvieron la mejor voluntad de ir a disfrutar de su arte, sin duda, no lo van a olvidar. Solo el artista y el público…en un diálogo ciertamente musical, histriónico y de gran creatividad que por momentos fue interactivo, dejando a los asistentes con ganas de mucho más. (JR)

PROXIMAS OCURRENCIAS (Quién, Dónde, Cuándo?):
El Jazz Tour 2011. Ha cambiado sustancialmente la “grilla” que se venía manejando. Intuimos que las dificultades - que no faltan - han incidido en no poder consolidar la presencia de grandes y representativas figuras del género en nuestra ciudad. 4to. Festival de Jazz Montevideo. Del 1º al 6 de noviembre se realizará la cuarta edición de este importante festival con la participación de reconocidos músicos del exterior y de nuestro país. Richard Galliano. En noviembre el acordeonista franco italiano Richard Galliano, actuará solo, de acuerdo a lo último que hemos sabido. Más información: http://www.jazztour.com.uy/ Sudei: 60 años de Jazz. Festival que hace parte de la conmemoración del 60º aniversario de la fundación de SUDEI (Sociedad uruguaya de intérpretes) La comisión especialmente formada a los efectos, a preparado un encuentro de 2 días en los cuales se presentarán diversas propuestas en diferentes estilos y en formatos que van desde el clásico trío de Jazz a las Big Band. Sala Zitarrosa 14 y 15 de Noviembre.

LA ESPERANZA, ES UN RIESGO QUE TENEMOS QUE CORRER:
La temporada de este año. Como es “normal”, la temporada empezó lenta y tarde con los primeros fríos del año. Fríos que, en lo personal, no me facilitan precisamente las cosas pero, que tampoco logran - del todo - excluirme. Temporada pobre en muchos sentidos, especialmente si analizamos la oferta (sobre-oferta) y la calidad de la misma. Por supuesto que, en lo que atañe al Jazz y sus conexos, estuvo o, más bien, comenzó con mucho ímpetu, con excelentes perspectivas de buen cartel y mejores nombres. Pero, las condiciones de la economía “global”, dirán por ahí, seguramente truncaron muchas de esas expectativas. La “sobre-oferta” en el Jazz, es poco probable que se de. No es una tarea fácil el poder “traer” las figuras que últimamente se han podido apreciar. Tampoco es algo sencillo el “armar” buenas grillas o carteles a partir de las propuestas del patio. Paradójico pero cierto. Los músicos uruguayos reconocidos - en otros lares y circunstancias - por su “ductilidad” por su maleabilidad efectiva e ingenio a la hora de abordar distintos géneros y estilos, en casa son, o se comportan “de entrecasa”. El que por distintas razones, necesidad o hábito, tengan por norma, el tocar de todo un poco (y un poco de todo y con todos) con la proverbial premisa del “más o menos”, “así nomás”, haciendo “parrilla” (cifra y acordes sin notas escritas) termina por jugarles en contra, colocando a todos en la misma bolsa. Sus propuestas, acaban - lamentablemente - por ser un reflejo de esa actitud, una mezcla sin mucho criterio. Muchos quieren cosechar, aún sin haber sembrado. Pero, son tiempos de cambios. Y estos se irán sucediendo. Sabemos de músicos uruguayos, entre tantos y buenos que - justo es reconocer los hay - que van madurando, creciendo y, entendiendo, que deben comprometerse con su propuesta, elegir un camino y tomar riesgos (arreglísticos, compositivos, interpretativos, etc.), apostar a la calidad y al trabajo, como forma de lograr los objetivos. (JR)

En Clave de Jazz-Radio por Magoya 90.5 FM desde Maldonado, Uruguay. En Clave de Jazz-Radio, "El Jazz y, la Nuevas Tendencias", la edición Radio de este Web-magazine, programa creado y conducido por Jorge Rocha, con el apoyo de los comunicadores Walter Álvarez y Carlos Peláez, se transmite, en su 4º año consecutivo, localmente desde Maldonado en Uruguay. Las propuestas, proyectos de una gran cantidad de músicos de las tres Américas (y no solo continentales) nuevos, desconocidos, conocidos, noveles y famosos, todos, reunidos para honrar la música, la diversidad cultural y, ser difundidos y mostrados en un marco de integración y conocimiento. El encuentro es, todos los sábados, de 19:00 a 21:00 horas por Magoya 90.5 FM.

LO DIJO:
Lilian Saba: "El jazz ofrece una sensación potencial de libertad a partir de lo que cada uno "es" desde su propia identidad".
Luc Delannoy / Carambola: "El jazz, por su capacidad incluyente, de hospitalidad, porque está abierto a las fusiones, es un lugar generoso que favorece la eclosión de nuevas identidades".

Foto: Logo “Jazz de Acá” (JR)

Diego Piñera: Reflexiones

2011-09-16T13:40:00.001-03:00

Nace en el año 1981 en Uruguay. Muy joven empieza a tocar la batería y deja con 18 años su tierra natal para estudiar en la Universidad de Arte y Música en la Habana, Cuba. Aquí profundiza sus elementos afrocubanos tocando el drumset y los timbales. Ha tocado con conocidos músicos cubanos como Enrique Pla y Joaquín Pozo. Del 2001 al 2004 estudia en el Berklee College of Music en Boston. Aquí graba el disco "Ongoing Dream" con Edu Tancredi presentando a Antonio Sanchez, Jerry Bergonzi y Miguel Zenon. Desde el año 2004 Diego Piñera vive y trabaja en Berlin donde toca con músicos como Wilson DeOliviera, Dan Freeman, Johannes Haage, Andreas Schmidt, Martin Auer y Christian Grabandt. Dirige dos asambleas en la escuela de música en el centro de Berlin y da clases en distintos instituciones en Alemania. 2005 gana el primer premio del Jazz and Blues Award en Berlín con "Clave Azul".
Diego Piñera ha encontrado entre el jazz, el latín y la música improvisada su propio lenguaje rítmico que fascina con su sensacional técnica y polimetría moderna.
Reflexiones. Segundo CD (en el sello Perro Andalúz) de este talentoso baterista uruguayo radicado en Berlin, nuevamente en formato trío. Aquí repite en el bajo el legendario Popo Romano y en las teclas la participación de Pablo Marichal, otro joven talento uruguayo (actual integrante del cuarteto Sicarios), teniendo además como invitado especial el creativo saxo de Eddy Porchile en dos temas. Y como el título lo indica Piñera nos lleva un paso adelante en su etapa compositiva, así como en la superación constante de su asombrosa técnica, la misma que lo está llevando a numerosas colaboraciones con grandes músicos europeos que lo premian con dedicadas composiciones que aquí están registradas.

João Donato: en total sintonía

2011-09-16T13:32:00.001-03:00

João Donato de Oliveira Neto es un pianista de jazz brasileño y bossa nova, probablemente mejor conocido por sus numerosos álbumes como líder de banda. Primero trabajó con Altamiro Carrilho y llegó a tocar con otros maestros como Tom Jobim, Astrud Gilberto, así como anfitrión de otros.
Nació en Río Branco, la capital del estado de Acre, Brasil, el 17 de agosto de 1934. Su padre, también llamado João Donato, era piloto y en su tiempo libre le gustaba tocar la mandolina en su casa. Su madre cantaba y la hermana mayor, Eneyda, resultó ser pianista también. El más joven, Lisias, se convirtió en el socio principal en las composiciones de su hermano.
En 2007, el escritor americano Allen Thayer escribe, entre las doce páginas que escribió sobre João para Wax Poetics, la revista New York Jazz: "João Donato merece un lugar entre las leyendas de la música brasileña, junto a Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, Dorival Caymmi, Ary Barroso y muchos otros, a pesar de su experimentación (...) con varios géneros de la música que convierte a cualquier intento de clasificar en un reto".
En un texto publicado en Internet, Alexandre Carvalho dos Santos, sugiere la música de Donato como una forma de curación para la depresión: "Recomiendo escuchar a João Donato, no sólo a alguien que esté interesado en la música de primera clase, un pianista impresionante y una selección de composiciones históricas. Se lo recomiendo a cualquiera que necesite un anti-depresivo, una sesión de acupuntura o cualquier otra forma de relajación profunda.
Escucha música las 24 horas: la música que existe y está grabada y aquella que le viene a la mente y que rápidamente, para no olvidar la melodía, trata de anotar en algún papelito o registrar electrónicamente, hasta que pasado un tiempo, comienza a decantar y echa en la basura lo que él considera como tal y salva lo que pueda transmitirle a las personas un buen estado de ánimo, pues no le gusta impregnar sentimientos desagradables, como aquellos que transpone a la composición cuando está deprimido o con el “astral bajo”, como dicen los brasileños.
Para Donato, “la música es una religión”, a la que hay que dedicarse en cuerpo y alma, no es un “vacilón”, que puede dar espacio a otras cosas y pasiones. Hay que estar en total sintonía con ella, pues es algo “sagrado, más espiritual, una diversión sana”. Es “algo sencillo que cala en el corazón, algo infantil...”

Referencias: Ricardo Alvear / lamusicasalsa.net
Antón Vélez Bichkov / esquife.cult.cu

Juan Sebastián Monsalve: rumbos contemporáneos

2011-09-16T13:24:00.000-03:00

Sin lugar a dudas Juan Sebastián Monsalve es uno de los grandes innovadores de las nuevas generaciones de la música colombiana. Desde sus inicios al lado de la agrupación María Sabina, Monsalve se mostró como un compositor que se la jugaba por expresar ideas poco convencionales. Desde el lenguaje del punk, la música clásica del norte de la India, los currulaos, la cumbia, el vallenato y la champeta, el bajista decantó un sonido extraño y sugerente como lo ha sido durante más de diez años Curupira, quizás el proyecto con el que más reconocimiento ha obtenido.
Productor y arreglista de proyectos tan diversos como 1280 Almas, Cabas, Victoria Sur, Kraken y Cuatroespantos, entre otros, este aventajado músico también se involucró en los terrenos del jazz desde muy joven. De hecho en 1993, con la composición "Diez piezas para cuarteto de jazz", ganó la beca "Francisco de Paula Santander" otorgada por Colcultura. Ocho años más tarde, siguiendo las sendas del jazz grabaría Bunde nebuloso, un disco esencial en la breve historia del jazz en Colombia que tiene en Juan Sebastián Monsalve uno de sus creadores más activos.
Paralelo al trabajo con el ensamble electrónico-vocal Comadre Araña -con quienes estrenó disco en 2008-, Monsalve tuvo tiempo para madurar un poderoso trío de jazz junto a la pianista Adriana Vásquez y el baterista Pedro Acosta.
Enfrentados a uno de los formatos más difíciles del género, este trío hace gala de una impecable interpretación que recorre viejas piezas como “Las Plazas” (grabada hace unos años por Victoria Sur) y “Yuma en Guagua”, editada originalmente en Bunde Nebuloso.
Raga que Zumba es un disco que a través del jazz hace un recorrido por músicas insospechadas como las sabaneras (“La turca vallenata”, “La puya rota” y “Lo se las siete sale sol”) y otras provenientes de los llanos colombo-venezolanos como lo es el caso del corte “Raga que zumba”, un genial encuentro que, conducido por la misteriosa voz de Anandita Basu, permite el cruce entre el zumba que zumba (aire tradicional de los llanos) y las ragas indias.
El viaje que propone Monsalve evoca un estilo de jazz alejado de fórmulas trasnochadas y se logra ubicar en su tiempo tal cual lo podemos percibir en “El madrugón”, “El trébol” y “Sombra”; la única licencia clásica que se permite el trío es la sorpresiva versión de “Coqueteos”, composición de Fulgencio García que acá se renueva, toma, en definitiva, rumbos contemporáneos.
Raga que zumba viene a engrosar la discografía de jazz colombiano que día a día crece en forma y estilo.

Eva Cortés: el mestizaje cultural

2011-09-16T13:12:00.002-03:00

Llegó a Sevilla desde su Tegucigalpa natal, previa escala en Madrid, cuando tenía sólo 4 años.
La cantante y compositora, ha incorporado en otros trabajos las cadencias latinoamericanas, que la arrullaron en su infancia. Pero su primera gran pasión musical fue el blues, y luego el jazz, que ha mezclado con ecos andaluces.
Postulada como una de las más firmes promesas del Jazz español, Eva Cortés ha cosechado excelentes críticas. Sin olvidar sus raíces latinas, ni sus años en París, la cantante deslumbra con un repertorio que mezcla frescura y seducción.
Su música refleja las influencias recibidas de su mestizaje cultural, así como de los diferentes géneros musicales desarrollados a lo largo de su trayectoria como cantante.
Eva Cortés nació en Tegucigalpa, Honduras, creció en Sevilla y reside actualmente entre Madrid y París. Su música refleja las influencias recibidas de su mestizaje cultural, así como de los diferentes géneros musicales desarrollados a lo largo de su trayectoria como cantante. Durante su infancia, al crecer en una familia de gran tradición musical, estuvo expuesta a la música tradicional Latinoamericana. Sin embargo escuchamos en sus primeras composiciones a la edad de16 años, una fuerte influencia del blues.
La música es un sin vivir. “Te obliga siempre a cuestionarte. Es un desafío permanente porque te estás midiendo contigo misma todo el tiempo”, concluyó Eva Cortés, que ha sido elogiada por críticos como una de las compositoras y cantantes más interesantes de la escena de jazz en español.
Back 2 The Source. Es la mirada personal de Eva Cortés a lo que ella considera el pilar de su influencia musical, el jazz. Escoge temas standards populares (Henri Mancini, Cole Porter o Rogers & Hammerstein II) y construye sus propios solos vocales, con una nítida influencia del jazz femenino de los cuarenta y levísimas notas flamencas arropadas por la guitarra española. De hecho, en su música siempre hay una relación directa con el jazz, "fundido" con elementos tanto de la música tradicional latinoamericana como andaluza y es que, habiendo nacido en Honduras, creció en Sevilla y, en la actualidad, reside entre París y Madrid.
Interpretado en castellano, inglés y francés, sorprende por sus impecables arreglos (las versiones en castellano son del desaparecido Augusto Algueró), la sólida base instrumental conseguida a base de muy buenos músicos (Pepe Rivero al piano, Toño Miguel al contrabajo, la batería de Marc Miralta y Georvis Pico, y las guitarras de Javier Limón y Mark Whitfield) y la cuidada producción (grabado en Casa Limón), que hacen de Back 2 The Source un disco elegante, medido y exquisito.
Sin duda, este es el álbum que afianza a Eva Cortés como una de las figuras más solidas del panorama del jazz vocal español.

Referencias: latribuna.hn / elperiodic.com / laprensa.hn / lauvaylaparra.blogspot.com

La Polillazzera: Africanismo del Jazz (12)

2011-09-16T13:02:00.001-03:00

El Jazz vocal

2011-09-16T12:48:00.000-03:00

El jazz vocal constituye por si solo una amplia panorámica dentro del extenso universo del jazz. No obstante, son los instrumentistas, quienes han hecho crecer y evolucionar el jazz en los momentos decisivos, y cualquier análisis sobre las grandes voces del jazz, no deben obviar esa realidad. Es muy difícil encontrar cantantes de jazz cuya esencia pertenezcan por completo al jazz: Louis Armstrong, Billie Holiday, Ella Fitzgerald, o Jimmie Rushing, son algunos ejemplos. La gran mayoría son solo cantantes populares que musicalmente hablando, cantan jazz.
En los orígenes del canto jazzistico, está como casi en todo, el blues. Es el blues folklórico y rural, cantado en los campos de algodón y en las plantaciones rurales por los esclavos procedentes del continente africano, en las prisiones y en los caminos, el que se usa para expresar el dolor, el abandono, la adversidad, la desesperación o cualquier otro sentimiento personal y social. A la esclavitud, sucedió la segregación racial, y con ella, la intensa corriente migratoria llevó a la población negra a los ghettos de las grandes ciudades a finales del siglo XIX. El blues viajó con ellos y se hizo urbano. Ese canto se difundió no solo entre tabernas y lupanares, sino que el mundo del vodevil, el cabaret y el teatro se hicieron eco de ese canto llevando el blues a las comedias musicales negras de Harlem y Broadway. Cuando las cantantes negras de la época: Mamie Smith, Gertrude "Ma" Rainey, Bessie Smith, o Ethel Waters se desprendieron del manto opaco del vodevil, pusieron los pilares que sostienen todo el canto jazzistico que hoy conocemos. Luego llegó Louis Armstrong, ya convertido en un genial cornetista, innovador y eje básico del jazz moderno. Su aportación a la música vocal fue adaptar su voz -nada privilegiada por otra parte- a los ritmos que ya había conseguido con su instrumento. La voz quebrada y el registro de su corneta, gozaban de una misma maestría rítmica, un dominio creativo de la tensión y la distensión (el swing), de los acentos, las sincopas y las pausas que es lo que constituye en última instancia la excelencia del cantante de jazz.
Billie Holiday, Ella Fitzgerald y Sarah Vaughan -en este orden- ocupan en términos de prestigio, la cima del jazz vocal femenino. Billie Holiday adoptó el fraseo de Louis Armstrong y el temperamento expresivo de Bessie Smith para convertirse en una cantante inigualable en los tiempos medios, redistribuyendo sus acentos y pausas dentro de los límites de la canción; Sarah Vaughan, utilizó su potente registro vocal para aproximarse a una canción como lo haría un instrumentista de viento; y Ella Fitzgerald, además de ser la cantante que más ha calado entre el gran público, consiguió que el "scat" se convirtiera en una herramienta musical completa y autosuficiente.

Referencia: cadenabazaar.com
Foto: (Ilustración) Sarah Vaughan / Vel Verrept

Aquiles Báez: A mis hermanos...

2011-09-16T11:30:00.000-03:00

Aquiles Báez Trío
A mis hermanos
Guataca
2011

A mis hermanos es el nombre de la nueva producción musical de Aquiles Báez, editada por Guataca Producciones. Composiciones de la autoría del guitarrista que se pasean por diversidad de géneros de la música venezolana con una notable influencia jazzística.
Báez está acompañado por dos músicos que considera formidables, el bajista Roberto Koch y el baterista Adolfo Herrera.
En “A mis hermanos” también participan el mandolinista Jorge Torres, del Ensamble Kapicúa; y las cantantes Mariana Serrano y Ana Isabel Domínguez
Luego de 32 años de trayectoria artística, el maestro Aquiles Báez puede afirmar enfáticamente que la música es una decisión personal y una forma de vida. Bajo esa premisa, critica la cultura de una "única canción favorita" y se vanagloria de tener más de dos mil canciones preferidas.
Recién mudado a Venezuela, luego de años de vivir en Nueva York, Báez considera que en el más hay más posibilidad para crecer como artista y ayudar a otros músicos. Continuará, sin embargo, con sus presentaciones en el extranjero.
En éste, el más reciente trabajo de Aquiles, se mantiene entre otras cosas como la calidad y la poesía compositiva, el criterio general de sus trabajos anteriores en el abordaje de la música venezolana y latinoamericana que, lo distingue y lo hace representativo.
Si tenemos que resumir en tres temas el espíritu general del disco, digamos que la pieza número 1 “A mis hermanos”, la cual además de darle nombre al trabajo, es una de las composiciones más reconocidas e interpretadas de Aquiles. Sigo con el track Nº 5 “A lo lejos”, evocación del gusto por lo brasileño (en lo latinoamericano) y culmino con el tema señalado con el Nº 8, “Paraguaipoa”, con los olores y colores venezolanos totalmente destacados. (JR)

Referencias:
Johanna AlvarezAlvarez / el-carabobeno.com

Claire Daly: El Proyecto de Mary Joyce

2011-09-16T11:23:00.000-03:00

Claire Daly Quintet
Mary Joyce Projects: Nothing to lose
Daly Bread Records
2011

La saxofonista barítono y pianista Steve Daly Hudson ha compuesto música inspirada en el diario del viaje escrito por Mary Joyce. A ella se le unieron, el bajista Mary Ann McSweeney, el baterista Peter Grant, y el extraordinario beat box humano, Napoleón Maddox.
Claire Daly dio a conocer "El Proyecto de Mary Joyce: Nada Que Perder", un homenaje musical a la prima hermana de su padre, Mary Joyce, una pionero que hizo un viaje en trineo de perros desde Juneau hasta Alaska Fairbanks en 1935. Junto con el bajista Mary Ann McSweeny, el baterista Pete Grant y el “beat box” Napoleón Maddox, el proyecto es en honor a esta mujer aventurera, con 11 temas realmente originales. Tal vez es la primera vez que una “caja de ritmos humana”, siempre un elemento básico de los inicios del rap, ha sido utilizado en un ambiente de jazz. En el contexto de jazz, el efecto beat box viene a través de las formas de vocalizar como Al Jarreau o Bobby McFerrin.
Un proyecto muy personal de Daly, los motivos de la inspiración para este disco podrían ser desconocidas y, pasar desapercibidas por el oyente que no sabe nada acerca de la pariente de Daly que rompió todas las reglas en los años 30. Esta historia se explica en cierta forma, en el último tema del disco, titulado: “Epílogo”. Una grabación de espíritu libre, esto es de jazz de primera clase realizado por un grupo de profesionales que entienden la naturaleza personal del proyecto. Claire Daly y el Quinteto de Claire Daly: Un trabajo entretenido e inspirador. En plan de darles una idea del concepto total de la obra, en tres piezas, como es mi “utópica” insistencia, comienzo por separar el tema Nº 2 “Homage to Freedom”, con altas dosis de ingenio en los arreglos e interpretación. Luego voy a indicar el surco número 5, “Complicated love”, una pieza super sencilla pero no por eso menos determinante. Culmino con el track marcado con el 9, “Gotta go”, en el cual se lucen todos los integrantes con la misma dosis de sencillez que se aprecia en todo el disco. (JR)

El Buenos Aires de Polentaitum

2011-09-16T11:14:00.003-03:00

Polentaitum
Milongas de la ribera
Independiente
2009

Polentaitum confirma el rescate permanente de los géneros de nuestra ciudad y la región que nos contiene, el Río de la Plata. En esta búsqueda, atravesada por los colores de nuestro Buenos Aires presente, la propuesta descansa fuertemente en la rítmica, pata fundamental de la conformación del tango como género, extensible a las milongas, candombes y murgas porteñas. La irrupción del género carnavalero en formato de canción de retirada cierra el excelente trabajo, en correspondencia con los nuevos aires de la metrópoli.
Creado hace más de 5 años, Polentaitum viene realizando un profundo trabajo de buceo en las células rítmicas de la negritud porteña negada, que se hallan presentes en el tango aunque, por lo general, camufladas bajo los “yeites” y modos de tocar de los instrumentos armónicos. Aun con escalas distintas de velocidad "la habanera, el tango, la murga porteña y la milonga comparten una misma célula rítmica.
German Pontoriero, su director, deja en claro que no se trata de un trabajo de antropología musical "porque nosotros no pretendemos ser fieles a lo que se tocaba antes sino ser respetuosos de lo que se hacía, tratar de entenderlo y “aggiornarlo” al sonido del Buenos Aires de hoy".
El segundo CD del grupo Polentaitum, Milongas de la Ribera, ha sido declarado de Interés Cultural, por la Secretaría de Cultura de la Nación Argentina.
Este es un trabajo muy singular que nos acerca a la música urbana - de la ciudad de Buenos Aires - en su contexto diario, cotidiano, normal. Un trabajo muy interesante en el que “queriendo y sin querer” todos nos vemos, de alguna manera reflejados, especialmente hablando de la región sur, del continente americano. Lo medular de esta propuesta en tres temas: el Nº 3, “Negra bonita, negra de Buenos Aires”, sencilla y elemental como la gente que describe. Después destaco el track número 9, “Mi Buenos Aires perdido”, que pinta con cierta nostalgia autóctona el interior profundo de los barrios porteños y, finalizo con la pieza Nº 12, “Aquí juega la porteña”, con el desarrollo de la “murga” argentina, tan popular en este país, como desconocida en nuestro continente, donde tiene varias - aunque distintas - hermanas de nombre y forma. (JR)

TAMBIÉN HEMOS RECIBIDO:

2011-09-16T11:00:00.001-03:00

Xan Campos Trío / Orixe Cero
Florencia Ruiz / Luz de la noche
René Marie / Black Lace Freudian Slip
Holli Ross / You'll See
Yamandu Costa - Hamilton de Holanda / Live!
Jovino Santos Neto Quinteto / Current
Mario Adnet / More Jobim Jazz

Discos los cuales, estaremos oportunamente revisando y comentando para Uds., en nuestras próximas ediciones.

Estimados amigos de “En Clave de Jazz”:
En nuestro deseo y afán por contribuir, por colaborar a la mejor difusión, a la mayor promoción de todas las actividades y proyectos que se realizan en el género, les solicitamos tener en cuenta lo siguiente:
Actualizamos periódicamente. A los músicos y profesionales, casas discográficas o productores, que deseen hacernos llegar - con la debida anticipación - sus trabajos y noticias, con mucho gusto las recibiremos y, las incluiremos en las secciones correspondientes.
Reseñas y Notas: Se agradece enviar el texto editado en formato y fuentes usuales; evitando en lo posible el uso de redacción en "sólo Mayúsculas" (excluyente) y, las fotos adjuntas, deben venir adaptadas para su uso en la web.
E-mail: jorgerochac@gmail.com
Eventualmente con copia a: uru_ven@yahoo.com
CD’s, Libros, Otros: Si en lugar de noticias son grabaciones, material de difusión etc., por favor hacerlo a la dirección de correo postal aquí indicada. Recibirán -como siempre- la necesaria y adecuada cobertura en la sección de reseñas discográficas o, donde concierna en "En Clave de Jazz" (Web-magazine y también, en la edición Radio).

Dirección: Arquímedes 1162, El Prado, Montevideo C.P. 11.700, Uruguay.

Muchas gracias
Jorge Rocha

GRACIAS, MUCHAS GRACIAS!

2011-06-16T17:24:00.000-03:00

Es una satisfacción, y también implica un mayor compromiso. Desde que coloqué un “contador de visitas” y a la fecha, van más de 10.700 (diez mil setecientas) visitas. Eso da un promedio de algo más de 1.200 visitas mensuales…lo que creo que no está nada mal. Asumo la responsabilidad que eso conlleva con mucho gusto. Seguiré trabajando…para, con el apoyo de Uds., y el efecto multiplicador que así se genera, seamos cada vez, muchos más los que aquí nos encontramos!

Jazz de Acá: ACTIVIDAD LOCAL

2011-06-16T17:19:00.003-03:00

‘‘El jazz, como muchas otras artes se explica a sí mismo, y sólo la experiencia de su audición permite comprenderlo’’.

LAS ACTIVIDADES PASADAS:
Martirio. Esta consumada y carismática artista, ha realizado un profundo trabajo de investigación musical, fusionando coplas con jazz; boleros y tangos con flamenco: Resultado de carácter único y espectáculo de calidad indiscutible que ha ayudado a renovar los caminos por los que discurre la música en España, así como a abrir nuevas fronteras musicales hasta ahora desconocidas. Mi primer acercamiento a la propuesta - innovadora - de Martirio, fue por el año 1999, y debo decir que el tiempo, le ha dado no solo la razón, sino una madurez natural que, le sienta muy bien. En sus canciones, Martirio es capaz de hacer crónicas del mundo femenino desde el ingenio, el humor y la ternura, todo ello sustentado en una voz dúctil, poderosa y sensual. Esta faceta artística tiene su correlato en la vida cotidiana, al destacar su constante apoyo a causas y colectivos comprometidos con los problemas de la mujer. El espectáculo “25 años en concierto” nos mostró, como siempre, a una artista sofisticada, segura y con un singular histrionismo en su performance, siempre detrás de sus lentes oscuros - para un logrado conjunto estético muy personal y ecléctico - lentes los que, solo por un momento - sobre el final - graciosamente se quitó, para dejar ver uno rostro limpio, cordial y unos ojos celestes increíbles. Acompañada por dos gigantes, Jesús Lavilla al piano y, Raúl Rodríguez en guitarra española, Martirio recorrió con elegidos temas, sus 25 años en los escenarios. Sucedió el 1º de Junio, en el Teatro Solís de Montevideo. El público, que “casi” plenó el Solís, salió satisfecho e impresionado. De un puntaje de 1 a 10: por la organización, por ella, por los músicos, por las luces…por la música…les doy: 12 (JR)

PROXIMAS OCURRENCIAS (Quién, Dónde, Cuándo?):
El Jazz Tour 2011. Continúa el programa preparado para este año, manteniendo – el esfuerzo – el perfil de la diversidad y amplitud de criterios dentro o, cuando no, en los aledaños del género, como lo que ya se ha presentado. Chucho Valdes & The Afro Cuban Messengers. "Chucho’s steps” de Chucho Valdés y Afro-Cuban Mesengers obtuvo el galardón de mejor álbum de jazz, en la pasada entrega de los Grammys. 20 de junio, Auditorio Adela Reta, Sodre. (Ver nota en ediciones anteriores). Bobby McFerrin. Una Noche con Bobby McFerrin, el Jazz Tour y el Centro Cultural de Música, adelantando los festejos por sus 70 años, se unen para este evento. Auditorio Nacional Adela Reta, Sodre. 7 de Agosto. En Setiembre. Para el mes de setiembre se espera la visita de músicos que, ya han estado en nuestro país, tales como el guitarrista John Scofield Quartet (8 de Setiembre, Teatro Solís) y el pianista Yaron Herman Trio. 4to. Festival de Jazz Montevideo. Del 1º al 6 de noviembre se realizará la cuarta edición de este importante festival con la participación de reconocidos músicos del exterior y de nuestro país. Richard Galliano. En noviembre el acordeonista franco italiano Richard Galliano, actuará con su septeto, presentando su trabajo, de Bach a Piazzolla. Más información: http://www.jazztour.com.uy/

LA ESPERANZA, ES UN RIESGO QUE TENEMOS QUE CORRER:
Todo el mundo es música. Serie documental-musical de RTVE (Radio y Televisión Española) dirigida por Patricia Ferreira, dedicada al género llamado internacionalmente "World-music" o, en español, "Músicas del mundo", y a la interacción de este tipo de música con las sociedades en las que nace. Son seis capítulos, dedicados al son cubano, al narcocorrido mexicano, la música garífuna en Honduras, la afroperuana y el chámame argentino. Se habla de música, de la historia de sus intérpretes y de su significado en las sociedades en las que surge: cada música tiene aquí una historia que contar. Todo el mundo es música’ recorre América central y del sur, al ritmo del son en Cuba, de la mano de Elíades Ochoa; del narcocorrido mexicano, con Los Tigres del Norte; de la música garífuna de Honduras y Belice, con Aurelio Martín; del chamamé argentino, con Chango Spasiuk; y de la música afroperuana, una de las más desconocidas de las músicas negras de América, que nos interpreta una de las responsables de su puesta al día: Susana Baca, ganadora de un Grammy. Todos los números musicales han sido grabados, en alta calidad, en escenarios naturales, calles, locales de ensayo, clubes, estudios, conciertos, carnavales, fiestas populares, o en cualquier lugar donde suene música. Y la cámara, nos introduce sin que nos demos cuenta, ya no sólo en sus países, también en sus vidas, haciéndonos convivir con ellos. Y cuando cada capítulo concluye, sabemos más de las culturas a las que pertenecen. Sabemos más de nosotros mismos. Agrego: para vernos en ese espejo (JR)
http://www.rtve.es/noticias/20110327/todo-mundo-musica-expresion-cultural-mas-intima/420016.shtml

En Clave de Jazz-Radio por Magoya 90.5 FM desde Maldonado, Uruguay. En Clave de Jazz-Radio, "El Jazz y, la Nuevas Tendencias", la edición Radio de este Web-magazine, programa creado y conducido por Jorge Rocha, con el apoyo de los comunicadores Walter Álvarez y Carlos Peláez, se transmite, en su 4º año consecutivo, localmente desde Maldonado en Uruguay. Las propuestas, proyectos de una gran cantidad de músicos de las tres Américas (y no solo continentales) nuevos, desconocidos, conocidos, noveles y famosos, todos, reunidos para honrar la música, la diversidad cultural y, ser difundidos y mostrados en un marco de integración y conocimiento. El encuentro es, todos los sábados, de 19:00 a 21:00 horas por Magoya 90.5 FM.

LO DIJO:
Charlie Parker: “Master your instrument, master the music, and then forget all that shit and just play”. "Perfecciónate en tu instrumento, perfecciona tu música, y luego olvida toda esa “mierda” y simplemente toca".
Anónimo: "Tocar una escala rápidamente de arriba para abajo en un solo, es como un camino: tiene que llevar a algún lado. Pero, desgraciadamente, hay quien se pasa todo el tiempo en la carretera sin saber a dónde quiere ir".

Foto: Logo “Jazz de Acá” (JR)

El candombe de Alberto "Mike" Dogliotti

2011-06-16T17:14:00.002-03:00

Alberto Dogliotti nació en Montevideo en 1939, inició sus estudios musicales a los cuatro años de edad. Premiado por dos años consecutivos en el Concurso de Juventudes Musicales de Uruguay obtuvo una beca para estudiar, siendo aún adolescente, en el Conservatorio Nacional de Viena.
Dogliotti, que en aquel momento se ceñía a un repertorio de música culta, aprovechó para hacer giras por varios países de Europa. Ya en los años sesenta el pianista entró en contacto con el jazz a través del Hot Club y la Peña del Jazz: los dos locales uruguayos más importantes que programan este tipo de música.
“Con apenas 17 años realiza su primer viaje a Europa y estudia en el Conservatorio de Viena. A su vez difunde en el viejo continente la música de Fabini y otros autores uruguayos. Su gran cambio de lo clásico a lo popular fue por su vinculación al carnavalero y publicista Carmelo "Lito" Imperio que lo lleva a un programa que tenía en los viejos galpones de Saeta. Ahí conoce a quien sería su gran amigo, el pianista Hebert Escayola que lo ayuda a trabajar profesionalmente en la noche montevideana. Por los años 70 abandona por un tiempo sus continuas giras y es cuando graba algunos discos acompañado por varios amigos que son virtuosos instrumentistas. Son los músicos que conoció cuando tocaba en "La Peña del Jazz" y en el "Hot Club". Talentos como el baterista Galletti, de reciente desaparición, el popular "Bachicha" Lencina, Manolo Guardia, "Pipa" Burgueño, "Finito" Binger, entre otros que lo ayudan en esas primeras grabaciones para el sello Sondor.
Junto a Federico García Vigil, Hugo Jara y Galletti graba el mítico disco "Chicalanga" que tiene el inolvidable tema "Don Pascual". Por 1972 invita a Tito Caballero y a los Hnos. Silva en tamboriles para realizar el disco "Candombe Liso" que tiene surcos como "Cheché", "Ahí va la comparsa" y "Palo y tamboril". (Luis Grene / cualquiercosamenossordo.blogspot.com)
En 1964 fue elegido entre los mejores intérpretes del año y pasó a formar parte del grupo de jazz de Montevideo representando a Uruguay en distintos festivales latinoamericanos. Pero es el nacimiento del movimiento de renovación musical de la música popular uruguaya denominado Candombe el que dota a su música de unas señas de identidad propias. Dogliotti fue hasta 1983, año en que se trasladó a Las Palmas, director artístico de programas musicales televisivos y de diversos hoteles.
El maestro Dogliotti, también conocido como “Mike” o el “Marqués de Montevideo”, desarrolló una importante labor en Gran Canaria enseñando y actuando. Tocó jazz en el Misty Jazz Club de Playa del Inglés y en otros locales de la zona turística del sur de Gran Canaria, participó en el festival Canarias Jazz & Más Heineken’ 99 y realizó numerosos conciertos en el Centro de Iniciativas Culturales de La Caja de Canarias y en varios municipios de esta isla con los músicos Carlos Mompeó y Wolle Aretz.
Dogliotti destacó por sus excelentes dotes técnicas al piano, con un repertorio que supo engarzar los sonidos del jazz clásico con los de la música folclórica y popular latinoamericana y brasileña consiguiendo con todo ello un estilo muy personal.
“El Mike”, falleció el 9 de julio de 2007. Se lo recuerda muy poco. La memoria compañera quiere rendir humilde tributo a quien fuera un hombre de talento y fraterno ser humano. El candombe lo tiene como uno de sus hijos predilectos y el Jazz, lo reconoce como eximio ejecutante.

Conrado Paulino: Brasil con el lenguaje de Jazz

2011-06-16T17:11:00.001-03:00

El estilo del guitarrista, arreglador y compositor Conrado Paulino une con originalidad tres vertientes: la primera surge del repertorio musical brasilero, universo donde se encuentra y se funda su base creadora; la segunda se revela en la influencia jazzística, incorporada especialmente en la sofisticada lectura armónica de sus arreglos y en el amplio espacio para la improvisación y, finalmente, la tercer vertiente, vinculada al manejo de técnicas de guitarra clásica en la ejecución de las composiciones. Vale decir, una excelente combinación de repertorio brasilero, lenguaje jazzístico y técnica clásica.
Conrado realiza un serio trabajo de selección, rescate y re-lectura de temas y autores de la MPB (Música Popular Brasilera), e intercala estas producciones con músicas de su autoría, combinando temas consagrados con inéditos. Presenta dicho trabajo en conciertos, actuando como solista de guitarra o con su grupo, el Conrado Paulino Cuarteto, reuniendo investigación, composición, arreglos e interpretación.
Acompañó varios artistas de expresión de la MPB como Rosa Passos, Alaíde Costa, Johnny Alf y Sueli Costa, y, como instrumentista, toco junto con grandes músicos como el Zimbo Trio, Hector Costita, Paulinho Nogueira, Heraldo do Monte y Luiz Chaves, entre otros.
Escribió varios arreglos para la cantante Alaíde Costa, y, entre sus arreglos más recientes, están los del CD “Apanhado” de la cantante Márcia Mah.
Entre 1987 y 1999 fue jefe de cátedra del departamento de Cuerdas del CLAM, la prestigiosa escuela de música del Zimbo Trio. Fue también el editor musical de la edición brasilera de la revista Guitar Player Magazine.
Ex-profesor de diversos músicos que ganaron notoriedad en el escenario artístico - entre ellos Chico César, Nuno Mindelis, Tomati, Camilo Carrara y Fernando Corrêa - Conrado es actualmente colaborador de la revista Acústico, miembro de la IAJE (International Association for Jazz Education) y profesor de la ULM (Universidade Livre de Música do Estado de São Paulo), donde dicta los cursos de Guitarra, Improvisacion y Técnicas de acompañamiento.
El concepto musical de Conrado Paulino Quartet equilibra “swing” brasilero, lectura armónica moderna y amplia visión para la improvisación, resultando en una óptima combinación del repertorio y los ritmos brasileros con el lenguaje jazzístico.

Tomado de: musicfrombrazil.com.br

Caribe y Jazz

2011-06-16T17:08:00.004-03:00

El Caribe recorre la geografía del Jazz como río impetuoso y diáfano, desde sus mismos orígenes. Pero los ríos son navegables en ambos sentidos. Si es cierto que El Caribe es Jazz, El Jazz es también Caribe. Parece uno de esos silogismos difíciles de entender a menos que sea explicado en el lenguaje musical. Santo Domingo, como parte del Caribe, no ha sido ajeno a ese doble juego de toma y daca. Aunque entre los dominicanos, ha resultado una relación atracción/rechazo. La atracción es perfectamente entendible: en músicas tan cercanas, es difícil no sentir el embrujo. El rechazo es de orden extra-musical, por lo tanto, no es materia de estas hojas.
La música, los géneros musicales, cuales sean, solo existen desde sus protagonistas. De la relación hombre-música, hombre-instrumento. Si hay un Jazz Dominicano, como bien lo creo, proviene de la simbiosis merengue/jazz de larga data. Y de la presencia de hombres y mujeres que lo han hecho posible. Los ritmos, como cualquier otro accionar humano, responden a necesidades específicas y del momento. Es en la necesidad de reunir el saxofón alto con el acordeón, dentro del merengue, donde se encuentran los embriones de un jazz de factura nacional. El Acordeón nos llega a finales del siglo 19, y el saxofón es integrado al merengue cibaeño, de manera constante, a principio del 20. Se destaca, en esa junta, una figura musical de nombre “jaleo”. El jaleo, sin embargo, ya existía en el Caribe desde mucho antes de que surgiera jazz en Nueva Orleans. Y, aplicado al saxofón alto, es ligeramente anterior a las primeras versiones de jazz. El desarrollo de ambos ha sido concomitante. Aunque el jaleo ya existía en el Caribe, tocado en otros instrumentos (bombardino, acordeón…), es en su manejo en el saxofón alto donde se logra mayor desarrollo, y es, posiblemente este, el mayor aporte dominicano a la música del Caribe…y el jazz. Avelino Vázquez, pionero del saxofón alto en el merengue, inventa y perfecciona la figura del jaleo dentro del merengue: combinación de notas dentro de la armonía tonal, que obliga a rapidez y dominio del instrumento. Ya más luego, en sus años de ser parte de la Orquesta de Luis Alberti y, posterior, a la familiar de los Hermanos Vázquez, es cuando liga, de manera consciente, esta figura al jazz de formato Big-Band que nos llegó con las orquestas de las tropas de ocupación en 1916. Es su sobrino Tavito Vázquez, sin embargo, quien logra llevar esta figura y la interpretación del instrumento a niveles superiores, afianzando una escuela que ha servido de base a prácticamente todos los saxofonistas dominicanos. Su dominio de las escalas naturales o cromáticas, ascendentes o descendentes; sus jaleos insuperables y su soberano gobierno del instrumento, lo sitúan como uno de los grandes maestros del merengue…y del jazz. Naturalmente, hay otras formas del jazz nacional que no tienen que ver con el merengue. Y hay otras figuras señeras del saxofón, de lo cual no hablo ni menciono, solo por asunto de espacio. Pero nadie más que Tavito Vázquez simboliza el enunciado de principio de estas notas: El Caribe es jazz y el Jazz es caribe.
“El saxofón es una extensión de mí mismo” me dijo en vida. Su saxofón alto es, ahora en su muerte, una extensión del alma nuestra...y del Jazz.

Cesar Namnum / Artículo escrito para el Centro León, Abril, 2011
Tomado de: Barco de Jazz
Foto: Tavito Vázquez

Laika Fatien: personal expresión

2011-06-16T17:02:00.002-03:00

Nacida en París, hija de padre de Costa de Marfil y madre de Marruecos, Laïka se educó mayormente entre mujeres (madre, abuela y tía) en una familia judía de Marruecos. A través de su madre se introdujo en la cultura sefardí, abierta a diferentes estilos de música mediterránea. A nadie debe de sorprender por tanto que el Jazz -que ha alcanzado la universalidad como lenguaje y como cultura- se convirtiera en el horizonte natural de su curiosa personalidad, con la idea de consolidarse en este estilo.
Su formación (Ariam Ile de France, Cim, IACP), no daría una idea sobre su estilo como cantante: una expresión personal basada en una forma auténtica de vivir el jazz. Por esto tiene un excelente historial de colaboraciones con músicos como Antonio Hart, Roy Hargrove, David Linx...que son en definitiva una escuela de músicos que intentan ser una especie de espejos de sí mismos: Tener una personalidad propia, pero usando el lenguaje establecido por los grandes predecesores -que no solo no son destruidos sino respetados y recuperados con interés-. Billy Holiday, Carmen McRae, Shirley Horn, Nina Simone y Abbey Lincoln son la inspiración de Laïka, no solo modelos a adoptar. Laïka ha sido conocida por sus colaboraciones con la Big Band de Claude Bolling, el grupo Sixun, Julián Lourau, Steve Williams, Antoine Roney, Michael Bowie, David El Malek, Richard Galliano, Toot Thielemans, Robert Glasper, Gregory Hutchinson, Peter Martin, Daryl Hall, Vince Benedetti...
Laïka también se ha subido a otro tipo de escenarios como el del teatro, que se tomó muy en serio estudiando en la E cole du Théâtre de Chaillot con Aziz Kabouch, master clases con Irina Brook en la Cartoucherie, con Philippe Adrien y Jack Garfein de el Actors' Studio. Participó en la comedia musical "A Drum is a Woman", de Orson Welles y Duke Ellington, con Bolling y Jérôme Savary (Palais de Chaillot, 1996) que era una síntesis muy lograda de la música y el teatro.
Desde entonces ha liderado una doble carrera como cantante y actriz: Eva Kaczor's "Oli-Ola", personaje de Oli-Ola en 1999; Jean-Luc Jeener's "Peau d'Ane", en el Théatre du Nord Ouest, protagonista en 1999/2000; Xavier Lacouture's "Variations sur un Thème", personaje del pequeño príncipe en 2000; Antoine Campo's "L'Indien en Smoking", music a de Villa-Lobos, en el Conservatoire de Montreuil, personaje de Yara en 2000; "Los Sobrinos del Capitán Grant", adapt ación de Julio Verne, puesta en escena de Paco Mir en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, personaje de la princesa de Maori e n 2001/2002/2003/2004/2006; "Tectonics Clouds", opera/jazz de José Rivera y Laurent Cugny, escrita por François Rancillac en el Théâtre de la Ville (Paris) y en el Vienne Jazz Festival, papel de Celestina del Sol en 2007.
Como vocalista es líder de su propio quinteto, donde su personal expresión se desarrolla completamente. Cuando la tendencia es el regreso a los clásicos del Jazz, Laïka puede hacerlo con su propia personalidad añadiendo un toque especial, transformado los clásicos en piezas totalmente nuevas.
Su álbum "Misery", publicado en 2008, es un personal homenaje a la figura de Billy Holliday en recuerdo de Thomas Shipp y Abraham Smith.

Fuente: klink.org

La Polillazzera: Africanismo del Jazz (11)

2011-06-16T16:58:00.002-03:00

Con mucha frecuencia, en la bibliografía de distintas publicaciones se observan nombres y autores que, además de repetirse y reiterarse como fuente de información en innumerables ediciones, estas obras – debido a la época en que fueron escritas – están prácticamente “desaparecidas” en nuestros días. Cuando por azar o por una eventualidad se tropieza con uno de estos raros ejemplares, la Polilla Jazzera que uno lleva por dentro, sabe que el “alimento” en estos casos consiste en conservar ese material y, dado la importancia del tratamiento procurado al tema desde la perspectiva histórica, la conveniencia de revisitarlo y compartirlo. De eso se trata. Otra mirada, a partir de aquella mirada. (JR)
Continuación…La improvisación, a la cual nos referimos en capítulo aparte, y que constituye un factor de importancia cardinal en el “jazz” y en la música afro-norteamericana en general, tiene también su sitio en el folklore de todo el mundo, y los compositores “cultos” se han servido de ella con generosidad.
Resulta imposible negar, sin embargo, que se halla con mayor asiduidad y en más alto grado en la música de los negros, sean ellos de Africa o de cualquier parte de América, pues el moreno es un improvisador proverbial. Y no solo en materia musical, sino también en el ámbito literario. La tradición oral ha desempeñado siempre un papel vital en el estilo y la dimensión de sus expresiones artísticas.
Es indudable que el “jazz”, como el arte sonoro folklórico, ha nacido al margen de la música escrita. Ha germinado espontáneamente de la ejecución. (…)
Entre los principales elementos de que se sirve el género musical que nos ocupa, y cuyas fuentes exclusivamente negras no admiten réplica, hay que mentar la “entonación hot”, particularmente característica de los “blues”, cuyo timbre sugiere de inmediato el de las canciones del Africa Occidental.
La entonación “hot” o cálida proviene no solo del empleo de la típica “escala de los blues”, sino también de la característica “voz negra” de los cantantes folklóricos afro-americanos, y se encuentra tanto en la música vocal como en la instrumental, especialmente en la que emplea instrumentos de bronce como la trompeta o corneta y el trombón.
El timbre peculiar que obtienen las orquestas de “jazz” se logra asimismo con una formación instrumental que no tiene precedentes en la música popular o culta de origen europeo, y que ha ejercido una profunda gravitación en los compositores “serios”.
Mencionemos también la polirritmia, considerada por el compositor Aarón Copland como la verdadera contribución del “jazz” a la historia de la música. Esta característica, que asimismo se encuentra en la música negra de Cuba, Haití, Brasil, Trinidad y otras partes de América, no es, por cierto, una invención del arte sincopado de Buddy Bolden, sino que constituye una herencia africana.
John Redfield, ex profesor de la Universidad de Columbia, recuerda que los tamboreros del Dahomey, llevados a los Estados Unidos sin haber tenido contacto alguno con la música occidental, para actuar en la Feria Mundial de Chicago, en 1893, se servían de efectos de polirritmia con habilidad singular.
Los exploradores a través del “continente trágico y pintoresco” nos informan asimismo que los nativos son tan expertos en el empleo de las superposiciones rítmicas, que pueden danzar siguiendo un ritmo con las manos, otro con las piernas y un tercero con la cabeza.
Y ya que aludimos al ritmo del “jazz”, su elemento considerado más “negro” digamos que el “charleston rhythm” o “tangana rhythm” - observado en Cuba, Brasil, las Guayanas, Barbados, las Bahamas y otras regiones de América - es uno de los ritos más meramente africanos filtrados al “jazz”. (Continúa)

Tomado de: “Estética del Jazz” de Néstor R. Ortiz Oderigo / Ricordi Americana, Buenos Aires, Argentina, 1951
Foto: Dahomey, hoy República Popular de Benin

Christian Scott: en busca del nuevo jazz

2011-06-16T16:54:00.001-03:00

Christian Scott es un músico de 26 años que ya ha tocado con grandes como el bajista Marcus Miller o Prince. Su moderna concepción al jazz le acerca a algunos estilistas de finales de los 60, como Miles Davis, Coltrane o Mingus; pero también Jimi Hendrix o Pat Metheny. Y no sólo eso, los especialistas se rinden a su modo de vestir.
En el año 2006 empezó a dar guerra gracias a Rewind That, que en poco tiempo recibió múltiples alabanzas de la prensa especializada (“podría decirse que es el más destacado estreno que ha visto el género en la última década”, dijo la revista Billboard), además de una nominación al Grammy. Se veía en él a otro renovador de la música jazz no falto de ese descaro que muestran muchos intérpretes de nuevo cuño. De hecho fue bautizado por el Jazz Times como el “dios del jazz de estilo joven”.
Después vendría Anthem, un disco más dramático pero también valorado, y en el 2008 un disco en directo Live at Newport, inspirado en el efecto que tuvo el huracán Katrina en su ciudad de origen. Precisamente como el fenómeno meteorológico se llama el modelo de trompeta que la casa Edward Instruments le fabricó en exclusiva, con una forma especial que le ayuda a realizar su particular técnica de soplado. Ésta se basa en la manipulación de la temperatura del aire que insufla y de su articulación, lo que da un sonido parecido al susurro humano.
Su nuevo disco, Yesterday You Said Tomorrow, una colección de diez temas que incluye una versión de The Eraser, de Tom Yorke. El álbum se grabó en el renombrado Van Gelder Studio en Englewood Cliffs (Nueva Jersey), donde el legendario Rudy Van Gelder estuvo involucrado en todo el proceso. Van Gelder, que está reconocido como uno de los más grandes ingenieros de sonido de la historia del jazz por sus trabajos con John Coltrane, Miles Davis y Herbie Hancock, entre otros, afirma del nuevo álbum: “Esta es una de las mejores cosas que he hecho en mucho, mucho tiempo”.
Por su parte, el propio Scott afirma acerca de su nuevo trabajo: “Quería crear un telón de fondo musical que hiciera referencia a todo lo que me gustaba de la música de los años sesenta –el segundo quinteto de Miles Davis, el cuarteto de Coltrane, la banda de Mingus– unido a la música de gente como Bob Dylan y Jimi Hendrix. La música de esa época simplemente tenía más profundidad, ya se tratara de jazz, de rock o de lo que fuera. El clima político y social en la época estaba mucho más cargado y había unos cuantos músicos que no tenían miedo de hacer referencia a ese clima en su trabajo. Los que hicieron eso –y al mismo tiempo cautivaron a las personas de un modo que dejaba constancia de su propia humanidad– fueron los que acabaron durando más tiempo”.

Fuente: M.J.S. Mayo / elconfidencial.com

NOVEDADES y SUGERENCIAS 1

2011-06-16T16:40:00.007-03:00

Silvia Pérez Cruz y Javier Colina Trío
En la imaginación
Producciones ContraBaix
2011
Javier Colina tuvo la oportunidad de escuchar a Silvia ya hace unos años en una visita a Cataluña, del Colina Miralta Sambeat CMS Trio. Ese día Javier empezó a imaginar un repertorio para acompañar la delicada y preciosa voz de Silvia Pérez Cruz. La admiración y respeto por Javier Colina por parte de Silvia viene de muy largo, les une la pasión por las músicas, ritmos y canciones cubanas y latinas en parte del lenguaje jazzístico.
Han mantenido el contacto durante todo este tiempo, incluso han podido compartir alguna colaboración en el escenario y en un disco. Y ya hace un tiempo que persiguen poder sacar adelante un proyecto juntos con el material que les une, clásicos de la canción cubana, música de ritmos latinos, con letras llenas de sentimientos, muchas de ellas oscuras, desgarradas, de amor y de desamor. Por fin sus agendas, implicadas en muchos otros proyectos, han permitido que el proyecto vea la luz, ya partir de ahora podremos disfrutar de esta gran propuesta.
Silvia Pérez Cruz, voz; Javier Colina, contrabajo; Marc Miralta, batería; Albert Sanz, piano y la colaboración del gran saxofonista Perico Sambeat.
Hay que decirlo. Cuando se juntan dos sensibilidades, una con su voz, la otra con su magnífico decir al contrabajo y, éstas, se unen a un seleccionado repertorio donde se pueden lucir a gusto por los matices, por el fraseo de Silvia, por la experiencia y la solvencia de Javier en géneros de las músicas de ida y vuelta, no puede sino resultar en una propuesta de altísima calidad y emotividad interpretativa y musical, donde por si acaso, está el invalorable aporte de Marc Miralta, Sambeat y Albert Sanz…viejos conocidos que, con apenas una mirada, dan el giro, el color necesario y el clima requerido. Todos son uno y, a la vez, cada uno sobresale pero, en absoluto interfieren y, por el contrario hacen de cada arreglo de Colina, una revisión muy personal, de clásicos donde nada falta ni sobra. Este es un disco de esos que, uno debe tener y tener siempre a la mano…suave, exquisito, delicado…un placer.
Pues bien, ahora voy a resumir todo lo anterior en solo 3 temas - de los 10 que propone el CD - (nada sencillo…) y señalo el primer surco, “Debí llorar”, donde podemos intuir la excelencia de todo lo que viene, con la voz de Silvia, aterciopelada, sentida y, el soberbio solo de Colina en el contrabajo. Sin dudar destaco el track Nº 4, “Belen”, en una versión y arreglo impecable y lucido. Termino con la pieza que lleva el Nº 9 “Si te contara”, intimista y veraz el fraseo de Silvia, arropada por el perfecto timing y ritmo de sus compañeros, que contribuyen con sus solos, a un todo irreprochable. (JR)

Referencias: produccionscontrabaix.com

NOVEDADES y SUGERENCIAS 2

2011-06-16T16:40:00.002-03:00

André Vasconcellos
2 (Dos)
Adventure-music Records
2011
André Vasconcellos, quien nos inspira con su armonía y su talento, es hijo de un músico, y está tocando profesionalmente desde los 14 años. Hace seis años se trasladó de Brasilia para Río de Janeiro, por invitación de Djavan. Desde entonces ha estado trabajando en el mercado nacional, destacando su participación en los álbumes y giras "Libre de errores", "Djavan en vivo" y "DVD en vivo" del propio Djavan, y por su trabajo junto a grandes nombres de la música como: Simone, Jorge, Orlando Moraes, Rosa Passos, Leo Gandelman, Montarroyos Marcio, Hamiltom de Holanda, entre otros.
Personalmente, tomo contacto con su trabajo, a partir de su colaboración y participación en las grabaciones de Hamilton de Holanda. Su profesionalismo y calidad interpretativa se pone de manifiesto por la importancia de los artistas que requieren de su arte para acompañarlos en sus espectáculos en vivo o, para grabar.
En este trabajo, 2 (Dos) que marca su debut como solista o líder, Vasconcellos propone un repertorio de temas de su propia autoría (siete de los ocho temas) y se hace acompañar y secundar por conocidos compañeros de ruta, todos con un impresionante background de trabajo y solvencia. Tal es el caso de Allen Pontes en batería, Josue López en el saxo tenor, Marco Vasconcellos en guitarra, David Feidman al piano, Renato Fonseca, también en el piano y, la participación especial de Torcuato Mariano en guitarra.
En 2 (Dos) André, acompañado por esta banda de seis hombres que apoyan su ritmo de inflexiones de jazz con máxima eficacia, ofrece ocho interpretaciones que destacan su capacidad para trascender el género, especialmente la fusión del jazz, el hip-hop o el Chili con influencias brasileñas dándoles formas y colores únicos con su talento.
Para sintetizar la propuesta de Vasconcellos, de su CD, en 3 temas, me inclino por indicar el track Nº 1 “Signal of rain”, con su aire melancólico y reflexivo. Aparece luego la pista Nº 5 “Bullfigth”, donde hombre y bajo, compendian el sentido de ser uno y dos a la vez frente al mundo. Finalizo con el corte Nº 8 “Spiral”, de similares tesituras pero, con un acercamiento a la rítmica del Chili visto desde el Jazz que termina resultando, por como lo resuelven, muy gratificante. (JR)

NOVEDADES y SUGERENCIAS 3

2011-06-16T16:35:00.002-03:00

Agustín Strizzi Grupo
Will
Clinical Archives
2011
La palabra Will, comprende en toda su extensión el espíritu de este disco.
Significados de Will:
1- Conjugación del verbo “Wollen” (Alemán) que significa querer. El Presente Indicativo del verbo es “Ich will”, “Yo quiero”.
2- En inglés, al agregar will, convertimos en futuro al verbo que le sigue.
3- Will se utiliza también para hablar sobre la determinación o la voluntad.
Este disco trata sobre la voluntad musical de una persona. Una búsqueda por los senderos de uno mismo...donde, curiosamente, nunca se encuentra solo.
Este disco es posible - nos cuenta Agustín - gracias al “Willpower” de cada uno de estos grandes músicos, y mejores amigos:
Pablo Etcheverry - Guitarra de Nylon (234567) y Eléctrica (1)
Pablo Elorza - Contrabajo (34678), Bajo (1) y Fretless (2)
Santiago Kurchan - Flauta Traversa (1246) y Saxo Soprano (5)
Javier Zacharías - Saxo Tenor (147)
Agustina Kuntze - Flauta Traversa (358)
Mariana Rivaya - Viola (358)
Tomas Pereyra Lucena - Cello (358)
Alejándose un poco de sus anteriores trabajos y producciones, particularmente las de Gepel, Strizzi parece mirar desde otra perspectiva, desde otro punto de vista, el universo musical que se despliega en su cabeza, en su entorno.
Claro está que, cuando uno se aleja de un punto, se acerca a otros y, se pierde de vista igualmente de terceros. No está mal, experimentar con otras opciones, especialmente si son posibles y viables. En eso consiste la búsqueda. En ese cerrar puertas es que se abren otras.
Como quiera que sea, felizmente en la nueva propuesta de Agustín, ahora con su grupo, coqueteando con sonidos más reconocibles en el llamado, nu-jazz o, particularmente en el free-jazz, no deja de tener ese saborcito local, de barrio…tango, candombe y tradición…a su manera expuestos claro está. Interesante como importante el camino que aborda Agustín Strizzi…vamos a ver a donde lo lleva, a donde se dirige.
Abrevio en 3 temas, la oferta de Will. De entrada, por lo significativo del título además, incluyo el track Nº 1 “El dueño de las mentiras”, parafraseando a tantos que se sienten amos de la verdad. Todo es relativo. Luego me inclino por el corte Nº 5 “Quedes”, con una interesante policromía rítmica y sonora y, concluyo con la pista 7 “Xac”, Variaciones y vericuetos sonoros -fugas - con aires, apenas, evocación de las raíces. (JR)

TAMBIÉN HEMOS RECIBIDO:

2011-06-16T16:34:00.003-03:00

Claire Daly Quintet / Mary Joyce Project / Nothing to lose

Polentaitum / Milongas de la ribera

Aquiles Báez Trío / A mis hermanos

Unidad Orquestal Mínima / Canción de amor
Discos los cuales, estaremos oportunamente revisando y comentando para Uds., en nuestras próximas ediciones.

Estimados amigos de “En Clave de Jazz”:

En nuestro deseo y afán por contribuir, por colaborar a la mejor difusión, a la mayor promoción de todas las actividades y proyectos que se realizan en el género, les solicitamos tener en cuenta lo siguiente:

Actualizamos periódicamente. A los músicos y profesionales, casas discográficas o productores, que deseen hacernos llegar - con la debida anticipación - sus trabajos y noticias, con mucho gusto las recibiremos y, las incluiremos en las secciones correspondientes.

Reseñas y Notas: Se agradece enviar el texto editado en formato y fuentes usuales; evitando en lo posible el uso de redacción en "sólo Mayúsculas" (excluyente) y, las fotos adjuntas, deben venir adaptadas para su uso en la web. E-mail: jorgerochac@gmail.com

Eventualmente con copia a: uru_ven@yahoo.com

CD’s, Libros, Otros: Si en lugar de noticias son grabaciones, material de difusión etc., por favor hacerlo a la dirección de correo postal aquí indicada. Recibirán -como siempre- la necesaria y adecuada cobertura en la sección de reseñas discográficas o, donde concierna en "En Clave de Jazz" (Web-magazine y también, en la edición Radio).

Dirección: Avenida Del Libertador 1708, Apto. 1304, Montevideo 11800, Uruguay.

Muchas gracias
Jorge Rocha

Jazz de Acá: ACTIVIDAD LOCAL

2011-05-09T19:14:00.004-03:00

‘‘El jazz, como muchas otras artes se explica a sí mismo, y sólo la experiencia de su audición permite comprenderlo’’.

LAS ACTIVIDADES PASADAS:
Orquesta de Jazz de Bretagne. Todos los estilos de jazz, de ayer y de hoy, a veces atrevido pero, sin renunciar a las virtudes del swing. Así de escueta era la información que conocíamos a través de la mayoría de los medios. Así de indiferente a estas importantes manifestaciones músico-culturales (que no siempre es posible tener la posibilidad de mostrar a toda la gente, a toda la comunidad) es la actitud de quienes tienen la responsabilidad de informar, de difundir, de promover. La producción del J.T., tuvo la feliz idea de, horas antes del concierto, presentar una avant premiere de la orquesta, al aire libre en plena Plaza Independencia y así el público común pudo conocer en vivo, en directo y, muy brevemente por un canal de TV, de que se trataba esta propuesta. En la noche y, a pocos metros de donde esto sucedía, tuvo lugar la presentación estelar, de lo que un gran segmento de población no tuvo el conocimiento suficiente, ni el incentivo o, motivación para concurrir. Sucedió el 25 de abril, en el Teatro Solís de Montevideo. Club de Latin Jazz: "invitados a retirarse". El cuarteto de Jazz Latino de Juan Prada (piano) con Cristian López (bajo) Martín Cruz (batería) Sergio Tulbovitz (percusión) realizaban encuentros, los domingos sobre las 21:00 hs, en la esquina de Maldonado y Gutiérrez Ruiz. Requerimientos por parte del dueño del lugar los han obligado a tomar la decisión de interrumpir las actividades...."pueden tocar con el piano y el bajo desconectados y la batería con escobas, recibí una llamada de un vecino quejándose del volumen"...Pueden imaginar semejante condición? Después de intentar explicar varias veces que esto era imposible, dadas las características del género, no se los logró entender y enérgicamente se les comunicó que, de no ser así, no podrían tocar más.

PROXIMAS OCURRENCIAS (Quién, Dónde, Cuándo?):
El Jazz Tour 2011. Continúa el programa preparado para este año, manteniendo – el esfuerzo – el perfil de la diversidad y amplitud de criterios dentro o, cuando no, en los aledaños del género, como las que ya se han presentado. Lo que sigue, parece ser el “plato principal” y luego obviamente tendremos el postre. Martirio. María Isabel Quiñones Gutiérrez conocida artísticamente como Martirio. Siempre con un toque de flamenco fusión que le ha permitido descubrir que "la copla casa mejor que nada con el jazz". 1 de junio, Teatro Solís de Montevideo. (Ver nota en edición anterior) Chucho Valdes & The Afro Cuban Messengers. "Chucho’s steps” de Chucho Valdés y Afro-Cuban Mesengers obtuvo el galardón de mejor álbum de jazz, en la pasada entrega de los Grammys. 20 de junio, Auditorio Adela Reta, Sodre. (Ver nota en edición anterior).

LA ESPERANZA, ES UN RIESGO QUE TENEMOS QUE CORRER:
La sociedad de las informaciones, o la sociedad de los conocimientos (2). Dice Edgar Morín, entrevistado por Enric Saperas: “Estamos ante una poli-cultura. Internet permite revalorar el papel del individuo en el proceso cultural. Le permite buscar todo tipo de informaciones, de comunicaciones y de integrar esta tecnología de comunicaciones en su vida y establecer una nueva forma de relacionarse y de discutir o debatir cualquier cuestión. Éste me parece un elemento muy importante y positivo.
El problema es la capacidad de seleccionar, de una manera parecida al correo común, que está lleno de cosas inútiles que hay que descartar, pero éste es un problema de civilización que va más allá de Internet y que está provocado por el hecho de que generamos demasiadas cosas con poco sentido, inútiles y superfluas que nos distraen de las pocas cosas importantes y relevantes que merecen nuestra atención y nuestro esfuerzo. Este problema de civilización se manifiesta por la saturación. Tenemos que saber elegir, y la posibilidad y la capacidad de saber nos lleva a la libertad.”. (JR)

En Clave de Jazz-Radio por Magoya 90.5 FM desde Maldonado, Uruguay. En Clave de Jazz-Radio, "El Jazz y, la Nuevas Tendencias", la edición Radio de este Web-magazine, programa creado y conducido por Jorge Rocha, con el apoyo de los comunicadores Walter Álvarez y Carlos Peláez, se transmite, en su 4º año consecutivo, localmente desde Maldonado en Uruguay. Las propuestas, proyectos de una gran cantidad de músicos de las tres Américas (y no solo continentales) nuevos, desconocidos, conocidos, noveles y famosos, todos, reunidos para honrar la música, la diversidad cultural y, ser difundidos y mostrados en un marco de integración y conocimiento. El encuentro es, todos los sábados, de 19:00 a 21:00 horas por Magoya 90.5 FM.

LO DIJO:
Charlie Parker: “Master your instrument, master the music, and then forget all that shit and just play”. "Perfecciónate en tu instrumento, perfecciona tu música, y luego olvida toda esa “mierda” y simplemente toca".
Anónimo: "Tocar una escala rápidamente de arriba para abajo en un solo, es como un camino: tiene que llevar a algún lado. Pero, desgraciadamente, hay quien se pasa todo el tiempo en la carretera sin saber a dónde quiere ir".

Foto: Logo “Jazz de Acá” (JR)

EN CLAVE DE JAZZ-Radio

2011-05-09T19:09:00.008-03:00

En el séptimo aniversario. En Clave de Jazz-Radio, "El Jazz y, la Nuevas Tendencias" – la edición Radio de este Web-magazine – se transmite, desde República Dominicana, para toda la isla y áreas del Caribe, asimismo, a todo el mundo por Internet. Un recorrido por la diversidad de las músicas americanas folklóricas y tradicionales, expresiones locales, regionales, el sincretismo musical. Sus influencias como su fusión y mezcla, con la libertad que provee el manejo de los elementos y conceptos del jazz contemporáneo. Creado y conducido por Jorge Rocha, cuenta con la producción de Alexis Méndez en Santo Domingo. Finalizando ya su 6º año, va todos los domingos: de 12:00 m.; a 2:00 pm (hora de RD, -4:00 GTM) por 96.1 Quisqueya FM y, en la Red: http://www.compasillo.com/ (Clic en: Audio)
y también en: http://www.certvdominicana.com/

ESCUCHAR EL PROGRAMA AQUÍ:
A la derecha de su pantalla, está a la disposición, una edición actual -aunque por obvias razones, de archivo - de EN CLAVE DE JAZZ-Radio, "El Jazz y, las Nuevas Tendencias", en su versión Internacional. Periódicamente incluimos para Uds., nuevas emisiones.

DISPONIBLE: Programa 133.

Música Maestro. Este espacio, dedicado a la difusión de la música caribeña, entra en su décimo primer año de transmisión ininterrumpida. El espacio ha logrado consolidarse, no solo como programa de radio, sino como proyecto de difusión y estudio de las diferentes músicas del Caribe. El programa Música Maestro, se transmite todos los domingos de 3:00 a 5:00 (hora dominicana) por Quisqueya FM (96.1) Escúchalo, busca http://www.compasillo.com/ entra en: Audio. También en la Red por: http://www.certvdominicana.com/ Música Maestro es producido y conducido por José Federico, Julio Virdes y Alexis Méndez. Recuerda que Música Maestro es asunto del Caribe. http://musicamaestrord.blogspot.com/

Lisa Ono: Tan oriental como brasileña

2011-05-09T19:03:00.001-03:00

Lisa Ono es una popular cantante japonesa de bossa nova. Nació en São Paulo (Brasil) en 1962, pero a los 10 años se trasladó con su familia a Tokio, donde su padre abrió un restaurante de comida brasileña.
A partir de entonces pasó la mitad de cada año en Japón y la otra mitad en Río de Janeiro.
Para las personas que no están familiarizados con Lisa Ono, su uso de la bossa nova puede sonar anticuada como Arthur Lyman, Martin Denny. La música de Brasil ha crecido en popularidad durante los últimos diez años, especialmente en el jazz, y Ono ha formado parte de este crecimiento.
Lisa Ono es una fantástica cantante, desgraciadamente desconocida para muchos. Incluso para ese país que es un continente en sí mismo. Brasil. En algunos momentos, Lisa se esfuerza en ser onírica. Otras, totalmente ecléctica. Muchas veces marcial.
Lisa Ono, que se ha estrenado en Hong Kong gracias a su participación en la cita local de las artes, describió que se sentía “muy feliz de poder presentar en Asia una música muy querida” para ella. Aunque Ono cambió a los diez años Brasil por la tierra de sus padres, todos los años regresa al país que la vio nacer, donde suele grabar sus trabajos.
“Me siento brasileña en el momento que vuelvo a Brasil“, describió la artista, quien, además de dedicarse en cuerpo y alma al repertorio brasileño de samba y bossa nova, también ha probado con temas procedentes de Oriente medio y de Hawai, así como con otros ritmos latinos.
“El jazz tiene mucho repertorio, mucha música interesante para mezclar con bossa nova, por lo que aproveché para realizar dos álbumes”, describió la artista. Contó haber buscado el “jazz americano tradicional” entre el repertorio de Nat King Cole, Frank Sinatra y Ella Fitzgerald.
“El jazz estuvo influenciado por la bossa nova y la bossa nova, para mí, estuvo muy influenciada por el jazz. Muchos músicos de jazz tocan músicas de Tom Jobim y Tom Jobim probablemente también estuvo influenciado por la música americana a través del cine. Estas dos músicas es como si fueran parientes”, indicó Ono.

Referencias:
Agencia EFE
es.paperblog.com

Enrique “Mono” Villegas: Pianista

2011-05-09T18:58:00.001-03:00

A veces la gente me pide que cuente mi biografía. Yo siempre respondo: mi biografía termina a los siete años. A esa edad yo aprendí a tocar el piano. Y tocar el piano fue lo único que hice el resto de mi vida". Enrique Villegas fundó alrededor de su figura una mitología poderosa. Además del piano, sus armas fueron la agudeza conceptual, el talento para la ironía y una forma de vida por lo menos pintoresca.
A los 7 años recibió la primera lección de piano. Dos semanas más tarde tocaba Mozart correctamente e iba al Conservatorio Williams. "No me gustaba estudiar. Igual tuve que ir al colegio. Iba al Nacional Mariano Acosta, pero en cuarto año quedé libre por la cantidad de faltas. Me hacía la rabona pero no para ir al bar a jugar al billar. Me escapaba para volver al conservatorio". Trabó amistad con Macedonio Fernández, con quien compartía el placer de la charla metafísica, la lectura y la holgazanería.
En 1935 ganó su primer dinero con la música tocando con Eduardo Armani en el Alvear Palace Hotel. Antes había hecho en el Odeón el Concierto en Sol de Maurice Ravel. Después se empleó como músico de Radio El Mundo. Lo echaron cuando, anticipándose de alguna manera a una demasiado famosa frase de John Lennon, declaró que la muerte de Ravel era más importante que la muerte del Papa. Se puso a escuchar y a tocar obsesivamente jazz. En 1955, invitado por el sello Columbia, se radicó en los Estados Unidos. Se quedó ocho años. Grabó con el contrabajista Milton Hilton y el baterista Cozy Cole y finalmente huyó despavorido de la compañía cuando le pidieron que grabara un disco de boleros. Quedó varado en Manhattan, pero no se hizo demasiado problema. Descubrió lo caro que podía ser Nueva York y se la pasaba yendo al cine, cenando café con leche con pan con manteca y escuchando jazz. "Sufrí bastante en Nueva York —contaba—. Pero con el tiempo la aprendí a querer. Conocí a todos los genios: Duke Ellington, Cole Porter, Count Basie, Louis Armstrong, Coleman Hawkins. Y me di cuenta de que, aún en los Estados Unidos, el jazz no es popular ni mucho menos".
"En Buenos Aires comprobó que los cines eran exactamente iguales a los de Nueva York, pero con entrada más barata. Comprobó también que su fama había crecido, extrañamente. "Ahora los muchachos creen que soy Beethoven", se reía. Lo rodeaban músicos jóvenes, encandilados por su aura. Su departamento era el eje de reuniones en las que se filosofaba, se bebía y se tocaba hasta altas horas. Villegas no fumaba ni bebía. Era un anfitrión encantador pese a que, dicen, cuando estaba corto de dinero cobraba las bebidas que ofrecía. En 1966 abrió un boliche en Viamonte entre Talcahuano y Uruguay, Villegas y sus amigos. Tocaba, puntualmente, entre la una y media y las tres de la mañana. Lo clausuraron al poco tiempo por ruidos molestos."El jazz argentino no existe —comentaba—. Hay músicos argentinos que hacen jazz. Es así. Por otra parte, yo no me considero pianista de jazz. Soy pianista a secas. El jazz es improvisación total: en cuanto se escribe, deja de ser jazz. Es lo que hizo Picasso con Las meninas de Diego Velázquez: partió de un tema para expresarse libremente. Eso es el jazz". Se quejaba de que no había buenos pianos en la Argentina. Cuando tenía que dar un concierto en malas condiciones, charlaba la mayor parte del tiempo y apenas tocaba un par de piezas. Su obsesión con el tema era tal que, aún hoy, algunos músicos repiten Al gran pueblo argentino: ¡pianos!, frase acuñada por Villegas que, incluso, fue el título de un disco que registró un concierto de 1964 con el contrabajista Jorge López Ruiz y y el baterista Eduardo Casalla. También era intolerante con los públicos bulliciosos y con el mal sonido. Sabiamente, se mostraba cauto y sarcástico con su propia fama. "Yo no me hice famoso con la música; me hice famoso con los reportajes. Camino por Corrientes y todos me saludan ¡chau Mono! y se comentan entre sí: ese que va ahí es el mejor pianista de la Argentina. Y seguro nunca me escucharon tocar", decía sin amargura. Los últimos años los pasó tocando en La Peluquería de San Telmo con un orgullo casi secreto: "Estoy llegando al fin y jamás me prostituí con la música". Era agnóstico pero tenía gran curiosidad con la muerte. "De alguna manera, la espero", decía. Llegó hace veinte años, mansamente. Desde entonces, como escribió alguien por ahí, "descansa en jazz".

Tomado de: romanticwarrior-jazz.blogspot.com

Francesca Ancarola: de un mismo sol

2011-05-09T18:54:00.003-03:00

Francesca Ancarola es una cantautora chilena contemporánea de reconocida trayectoria en su país y parte de Latinoamérica que combina la riqueza del folclore sudamericano con los colores y texturas propias del jazz. Su nombre es parte de la generación que renovó el movimiento de canto nuevo a fines de la década del ’90. Licenciada en música de la Universidad de Chile, en 1991 recibió un premio en Francia por su obra electroacústica a, que luego apareció en el disco de 2006 llamado 50 años de música electroacústica en Chile (1956-2006). Después de licenciarse con honores, siguió estudiando composición con Cirilo Vila; más tarde, canto lírico en la Universidad Católica de Chile.
En 1997 obtiene una beca Fulbrigth para estudiar en la Manhattan School of Music. Ese año graba en Chile su primer disco, compuesto junto a los guitarristas Juan Antonio Sánchez y Antonio Restucci. El álbum se llamó, Que el canto tiene sentido (1999) y marcaría el comienzo de su carrera vinculada a la música popular.
Su siguiente trabajo, pasaje de ida y vuelta (2000), le permitió recorrer los escenarios dando a conocer su música, mientras mantenía sus vínculos con el canto lírico y terminaba sus estudios en Nueva York.
Jardines humanos (2002), su tercer disco, le dio acceso a festivales y encuentros de música popular en chile y otros países. Su siguiente álbum, Sons of the same sun (2003), fue editado por el sello californiano Petroglyph records.
Tras editar un disco por encargo (la serie de boleros, Contigo aprendí en el 2005), preparó su último trabajo de estudio: Lonquén, para el que formó un nuevo trío proveniente del jazz, encabezado por Federico Dannemann. Con él y el Ensamble Quintessence, encabezaron un concierto de cámara en el teatro Matucana dedicado a los 90 años del natalicio de Violeta Parra en 2007.
En 2008 grabó junto al pianista argentino de jazz latinoamericano, Carlos Aguirre, en dueto de voz y piano, el disco de canciones infantiles, Arrullos, que durante 2009 presentaron en argentina.
Ha recibido variados otros premios también en el ámbito de la música contemporánea entre los que destaca el recibido en Bourges, Francia por el GMEB, por su trabajo electro-acústico "A". Actualmente combina la creación musical con los conciertos, grabaciones y la docencia en Universidad de Las Américas y en su taller vocal.
Siendo una de las cantantes femeninas chilenas de mayor reconocimiento, Francesca ha representado a su país en numerosos eventos internacionales, y en Festivales de Música.

Grammy vs. Jazz Latino

2011-05-09T18:47:00.001-03:00

"El rompe teclas" Eddie Palmieri se reunió junto a otros grandes virtuosos en la ciudad de Nueva York para denunciar a la Academia de la Grabación de EE.UU., que decidió eliminar de los premios Grammy la categoría de Jazz Latino.
"Estoy triste, muy triste con esto... Ya lo quitaron, pero vamos a ver si es posible que hagan un cambio bajo las categorías que quedan", dijo el pianista de 74 años y ganador de 9 gramófonos dorados.
La Academia anunció que reduciría de 109 a 78 el número de premios que entregará en la próxima gala. Específicamente en jazz, las categorías se redujeron de 6 a 4; eliminaron Mejor álbum "Ensemble" de larga duración y Mejor álbum de Latin Jazz.
"Tomó 17 años que nos incluyeran, para tener esa categoría", recordó Palmieri, quien obtuvo su primer Grammy en el 1975, con la producción "The Sun of Latin Music".
El maestro, quien fue líder de la Academia en dos ocasiones, destacó la importancia de estos premios para los talentos más jóvenes, para esa nueva cepa de músicos que no tienen la oportunidad de pertenecer a grandes disqueras que promocionen trabajos de excelencia. "Lo que tienen aquí es un abuso, ya no importa (para la premiación) la preparación musical, el talento, lo que importa ahora es quién es el que vende más".
Y para lograr que sus talentos sean evaluados es que Palmieri, junto a otros veteranos como Paquito D’Rivera, Arturo O’Farrill, René López, Ben Lapidus, Bobby Sanabria, Andy González y Larry Harlow, entre otros, darán la lucha.
Pero no solo esperan conseguir que se restituya la categoría si no que las condiciones en las que reciben los premios sean mejores. "Como lo hacen ahora es una cosa tan y tan mal hecha, que pinta mal. No podemos dejar que sigan con estas faltas de respeto.... Ahora, la categoría de jazz latino la anunciaban a las 5:00 de la mañana, que eso es como mandártelo en un sobre a tu casa... (Y en la ceremonia) no hay orquesta de jazz, no hay orquesta latina", lamentó.
"Por eso, vamos a ver lo que podemos hacer", dijo esperanzado.

Fuente: V. Morales Pagán / La Opinión

La Polillazzera: Africanismo del Jazz (10)

2011-05-09T18:43:00.002-03:00

Con mucha frecuencia, en la bibliografía de distintas publicaciones se observan nombres y autores que, además de repetirse y reiterarse como fuente de información en innumerables ediciones, estas obras – debido a la época en que fueron escritas – están prácticamente “desaparecidas” en nuestros días. Cuando por azar o por una eventualidad se tropieza con uno de estos raros ejemplares, la Polilla Jazzera que uno lleva por dentro, sabe que el “alimento” en estos casos consiste en conservar ese material y, dado la importancia del tratamiento procurado al tema desde la perspectiva histórica, la conveniencia de revisitarlo y compartirlo. De eso se trata. Otra mirada, a partir de aquella mirada. (JR)
Continuación… Estudiando los rasgos de la música sincopada de manera reposada se llega a la conclusión de no todos son absolutamente negros, pues en la música del hombre de color, como en todas las manifestaciones culturales del individuo, existe una intensa colaboración entre ambas razas, que ojalá se manifestara en las demás actividades humanas.
En su perspectiva de conjunto y en muchos aspectos aislados, el “jazz” exhibe peculiaridades características que lo diferencian de la técnica musical europea, y cuyo origen se encuentra, sin discusión, en el negro, con su deslumbrante musicalidad, su rara fecundidad de improvisador, su infatigable búsqueda de contrastes sonoros y, sobre todo, sus originales ritmos tradicionales, destacados por todos los que han entrado en contacto con su música, en cualquier tiempo y en cualquier meridiano.
Acerca del carácter individual del “jazz”, que lo sitúa en un plano absolutamente distinto del de cualquiera otra música, Winthorp Sargeant escribe:
“Pero sus propias características de color, su original estructura rítmica, sus entonaciones “blues”, su curiosa armonía cromática, lo colocan aparte, como un lenguaje musical distinto de los demás”. (…)
Como todos los africanismos, la dicción de “jazz” puede ser empleada como nombre, como verbo, como adjetivo o adverbio. Primero se aplicó esta denominación, en forma despectiva, a toda la música negra secular o “sinful”, desde las baladas del bajo fondo hasta los “blues” yel “ragtime”. Pero se afirma que sólo en 1914 se la utilizó para determinar el “jazz” orquestal de Nueva Orleans, cuando los negros del Loop, de Chicago, adjudicaron la palabra con sentido desdeñoso, al “jazz” blanco de la Original Dixieland Jazz Band, queriendo significar que no constituía la típica música “hot” de ellos, sino “white trash” hojarasca de los blancos. Sin embargo, Jelly Roll Morton aseveraba que utilizó el término en 1902 para diferenciar el “ragtime” del “jazz”. (…)
La dicción “hot”, que se une a “jazz” para denominar su auténtica expresión, o que simplemente la reemplaza con igual acepción, constituye también un africanismo, si no en su etimología, por lo menos en el significado musical que representa, tomado del concepto semántico del Africa Occidental. Pues una música vivaz, de ritmo urgente, de tocante elocuencia, es, para los negros de esa región africana, una música “hot”. (…)
El estilo “hot” constituye una manera de interpretar particular del negro, en la cual el ejecutante, que debe ser un creador, vierte una página musical con plena libertad melódica, rítmica y tímbrica, según los dictados de su inspiración. Desempeñan un papel de subida importancia en esta concepción, el “swing”, la entonación - llamada “hot” - el ataque, el fraseo “off beat” - característico de la música negra, sea ésta del Africa o de cualquier región de América - el “vibrato”, la inflexión y el “glissando”. Desde luego que todo ello lo realiza el ejecutante improvisando sobre un tema dado o sobre sus acordes, o variando la melodía en cuanto al valor de las notas, a la forma de la elaboración de las frases y a la distribución de los acentos.
De paso, digamos que constituye un profundo y divulgado error el pretender dividir al “jazz” en “hot” y “straight”, porque cuando la música sincopada es “straigth” no es “jazz”. El único “jazz” es el “hot”. (Continúa)

Tomado de: “Estética del Jazz” de Néstor R. Ortiz Oderigo / Ricordi Americana, Buenos Aires, Argentina, 1951
Foto: Jelly Roll Morton

Buddy Rich: el buzz-roll del jazz

2011-05-09T18:37:00.001-03:00

Buddy Rich, baterista estadounidense de Jazz, es representante del swing, bop y, en general, del jazz de las Big Band. Se trata de uno de los músicos más prestigiosos en el ámbito de la batería jazzística, reconocido por su técnica, rapidez y habilidad en los solos.
Rich ha sido frecuentemente considerado "el baterista más grande del mundo". Poco importa si lo ha sido o no, lo que es singular, es que hayan sido los músicos, los críticos y el público en general, sin concertación alguna, quienes lo hayan considerado así, impactados por su extraordinaria maestría del instrumento. (Luis García)
Buddy, empezó a tocar la batería en mundo del vaudevil como "Traps, the Drum Wonder" cuando solo tenía 18 años de edad; fue completamente autodidacta y su formación inicial la realizó a través de sus actuaciones en el vaudevil, alternando su faceta de músico con la de bailarín y cantante. Hacia 1938 descubrió el Jazz y tocó en el grupo de Joe Marsala, de donde salió para entrar en la orquesta de Bunny Berigan. Durante 1939 tocó con Artie Shaw (en una época en la que su orquesta era la más popular), y luego de 1939 a 1945 (con un paréntesis para cumplir con el servicio militar) con Tommy Dorsey, en una etapa histórica. Durante estos años se hizo obvio que Buddy Rich era el rey de la batería, habiendo destronado a otro gran talento como Gene Krupa. Al igual que este último, la prestigiosa fábrica de baterías Slingerland editó una serie de su famosa caja "Radio King", con la firma de Rich. Rich formó una orquesta de Bop durante 1945-1947 (que no tuvo gran éxito), estuvo de gira con Jazz at the Philharmonic, grabó con incontables estrellas de los años cincuenta para Verve (incluyendo a Charlie Parker, Lester Young, Art Tatum y Lionel Hampton), y trabajó con Les Brown, Charlie Ventura, Tommy Dorsey (1954-1955) y Harry James (entre 1953-1966, de forma interrumpida). Un ataque al corazón en 1959 le obligó a descansar; regresó como vocalista, aun sin olvidarse de la batería. En 1966, Buddy Rich formó una Big Band que sería su ocupación principal en sus últimos veinte años de vida. Su corazón le empezó a ocasionar problemas de nuevo en 1983, pero fue imposible que renunciase a la música hasta su muerte producida por un ataque al corazón en 1987. Sus restos se encuentran en el Cementerio Westwood Village Memorial Park de Los Angeles, California.
Selección discográfica:
1956: This One's for Basie (Verve); 1959: Richcraft (Mercury); 1968: Mercy, Mercy [live] (World Pacific); 1971: Time Being (Bluebird/RCA); 1971: Buddy Rich in London (RCA); 1985: Mr. Drums: Live on King Street, San Francisco (Cafe)

NOVEDADES y SUGERENCIAS 1

2011-05-09T18:32:00.002-03:00

Joey DeFrancesco / Robi Botos / Vito Rezza / Phil Dwyer
One Take Vol 4
Alma Records
2010
¿Qué sucede cuando se juntan cuatro, músicos de primera línea en un estudio sin una agenda preconcebida? Lo vemos - oímos - en el volumen cuatro de One Take (toma uno) cuando, reunidos Joey DeFrancesco, Vito Rezza, Botos Robi, y Phil Dwyer, ellos comparten la magia de una primera toma. Es el jazz en su mejor concepción, y una necesidad para cualquier entusiasta del jazz. No hay ensayos, sin overdubs (doblajes), sin cambios sólo actuaciones en bruto en una sola toma.
Considerado el gran exponente del órgano Hammond, Joey DeFrancesco ha recorrido un largo camino desde All of Me, su álbum debut grabado en 1989 con tan sólo 17 años. Desde sus comienzos, estableció sus credenciales con una técnica virtuosa y un innato sentido musical lleno de sentimiento, interesándose por el órgano Hammond B-3.
Joey DeFrancesco siempre ha sido considerado como un verdadero hallazgo. Contratado por Columbia Records a los diecisiete años, ha grabado y realizado giras con Miles Davis, John McLaughlin, George Benson, John Scofield y David Sanborn. DeFrancesco está familiarizado con el proyecto One Take (toma uno) regresando ahora a la serie que comenzara a realizarse en 2003. Joey alienta a sus músicos, a grabar en sesiones completamente improvisadas, en una sola toma (sin doblaje), aquí la exuberancia del jazz se pone de manifiesto, en la visión instintiva de los contribuyentes. Un trío de canadienses, Robi Botos (James Blood Ulmer, Vernon Reid, Chaka Khan), Phil Dwyer (Aretha Franklin, Gino Vanelli, Randy Brecker), y Vito Rezza (Joni Mitchell, John Lee Hooker, Michael Brecker), completan el staff de virtuosos.
Este cuarto volumen, nos trae 6 track y casi 55 minutos del mejor espíritu del Jazz, de ahí que se me simplifique la cuasi manía de resumir apenas en 3 temas todo el CD y su concepto. Comienzo con el tema 1 “There is no greater love” donde los ejecutantes se entregan a sus instrumentos “in crescendo” en su recreación. Luego es necesario incluir la pista Nº 4 “Not tath” de la autoría de DeFrancesco, blues excelentemente argumentado, donde se lo reconoce apenas en la primera nota del Hammond. Para que sean tres los surcos, señalo el corte Nº 6 “Broadway”, en el que, por si hacía falta, el cuarteto muestra a pleno sus cualidades. (JR)

Referencias:
Hugo Santaromita

NOVEDADES y SUGERENCIAS 2

2011-05-09T18:26:00.005-03:00

Amy London
Let’s fly
Motema music
2011
Let’s fly (vamos a volar), el segundo álbum de la cantante de jazz Amy London está lleno de música que puede combinar perfectamente con los estándares de jazz. Se rinde tributo a sus influencias en la música de los 70 y el jazz clásico.

A través de los trece temas London muestra la pasión y la capacidad de su voz.

Amy, oriunda de Cincinnati, Ohio, se mudó a Nueva York después de que obtuvo su título en la Universidad de Syracuse. Durante los años 80’s y hasta principios de los años 90's Amy cantó con una variedad de conjuntos vocales en Nueva York. El compositor de Broadway Cy Coleman no dudó en convocarla y hacerla su cantante como protagonista en "Angel City 4". Grabó con el afamado grupo vocal New York Voices, así como también realizó durante tres años, productivas temporadas en el legendario Rainbow Room en Nueva York.
El toque latino en varias pistas logra un interesante contrapeso, un balance, entre el jazz vocal más clásico que el resto de álbum contiene. London hace un gran trabajo y pone en juego sus habilidades vocales interpretando muy bien el sabor latino.
La acompañan, realizando una importantísima labor al todo, Robi Ben-Hur en guitarra, Santi Debriano en contrabajo, Steve Williams, batería, Steve Kroon, percusión y, Tardo Hammer, Glauco Sagebin, Richard Wyands y la propia Amy London en piano.
Condensando el espíritu de este trabajo de trece capítulos, en apenas tres, comienzo señalando el track Nº 2 “Let’s fly” - que le da nombre al álbum - y refleja las influencias como la capacidad interpretativa vocal de Amy, su lírica, en consonancia con el estilo tradicional. La pista siguiente, la Nº 3 “This happy madness” (Camino blanco) de Jobim y Moraes, resume el antes mencionado toque latino, en una lograda versión. Finalizo con el corte 10, “You taugth my heart to sing” una exquisita balada la que, tanto en el sentido musical, como en el vocal, complace los sentidos. (JR)

NOVEDADES y SUGERENCIAS 3

2011-05-09T17:54:00.003-03:00

René Marie
Voice of my beautiful country
Motema music
2011
La génesis de la "Voice of My Beautiful Country" suite comenzó con una comprensión de que mi históricos antecedentes personales, mi lugar de nacimiento, la vida familiar, la primera infancia y experiencias de la edad adulta y, contribuyó, con un único aspecto significativo a mi creatividad (René Marie)
Muchos de ustedes probablemente han oído hablar de René Marie, ya sea que lo recordemos o no. Los aficionados al jazz pueden conocerla de varias grabaciones que hizo para el sello MaxJazz. Pero más allá del mundo del jazz, tuvo sus más "quince minutos de fama" en los Estados Unidos el año pasado en grande cuando cantó en el Estado de Denver. Ella había sido invitada a cantar el himno nacional, pero ella optó por usar su propio arreglo de la canción en la que se superponen las palabras de lo espiritual patriótica Lift Ev’ry Voice and Sing sobre la melodía de Star-Spangled Banner (escuchar el tema Nº 13 en el CD). Eso causó un gran revuelo y fue tema de discusión durante un tiempo en la radio y eco de los comentarios políticos en todo el país, ya que algunas personas - aparentemente - se sintieron ofendidas con esto.
El álbum cuenta con sus revisiones y versiones, de lo moderado a lo radical, de canciones tradicionales de América, además de otros fragmentos y piezas.
Este nuevo álbum, Voice of My Beautiful Country, no contiene ningún tipo de canciones originales. Pero, se puede decir que René Marie creó todos los ajustes y arreglos de las piezas con mucho cuidado, en compañía de Quentin Baxter. Tener una rica imaginación, aunque no es tan tangible como la técnica, es tan (o lo más) importante para cantar jazz. Y después de todo lo anterior, no parece una exageración decir que René Marie tiene mucho de eso. El equipo de trabajo para este CD se completa con: Kevin Bales, piano; Rodney Jordan, bajo y Quentin Baxter en batería.
Como bien comenta René, “esta es mi canción de amor para América (por Estados Unidos) un “pastiche” de ritmos, melodías, dialectos y comentarios que reflejan la experiencia de un americano al crecer en este país”.
Esta propuesta está dividida, y así se demuestra ya que es una suite, en tres partes: una introducción, seguida de “Imagination medley” y finaliza con “Voice of my beautiful country”. El discurrir de ellas, nos lleva a comprender, y ver, la capacidad de esta intérprete.
De catorce canciones que comprende el álbum, intentaré - como ya es mi loca costumbre - sintetizar en solo tres, el sino de la propuesta. Como punto de partida el tema Nº 4 “Just my imagination” con logrado arreglos, pegadiza melodía y mejor interpretación. Indispensable señalar el track 8, “Angelitos negros” cantada en un español que nos recuerda a Nat King Cole, pero que transmite muy bien la idea y el sentimiento. Y, para finalizar sin dudas, debo destacar ampliamente el corte Nº 12, “My country ‘tis of thee” (Mi país es tuyo) lleno de las mejores intenciones y mucho soul. (JR)

Referencias:
marcsabatella.blogspot.com

TAMBIÉN HEMOS RECIBIDO:

2011-05-09T17:50:00.002-03:00

Unidad Orquestal Mínima / Canción de amor

André Vasconellos / 2

Agustín Strizzi Grupo / Will
Discos los cuales, estaremos oportunamente revisando y comentando para Uds., en nuestras próximas ediciones.

Estimados amigos de “En Clave de Jazz”:

Eventualmente con copia a: uru_ven@yahoo.com

Dirección: Avenida Del Libertador 1708, Apto. 1304, Montevideo 11800, Uruguay.

Muchas gracias
Jorge Rocha

Jazz de Acá: ACTIVIDAD LOCAL

2011-04-06T15:43:00.012-03:00

‘‘El jazz, como muchas otras artes se explica a sí mismo, y sólo la experiencia de su audición permite comprenderlo’’.

LAS ACTIVIDADES PASADAS:

Tryo. Uno de los mejores grupos neo-reggae de Europa que, se caracteriza, por la diversidad de temas abordados en sus canciones. En el marco del Jazz Tour 2011 la banda francesa se presentó en el Cine Teatro Plaza. Dominic Miller. Aprovechando su gira por Sudamérica el reconocido músico visitó Montevideo. Dominic ha sido la primera guitarra del músico británico Sting desde principios de la década de los 90. Me comentaron – pues no pude asistir – que el público salió muy satisfecho. Tuvo por escenario el Teatro Solís de Montevideo.

PROXIMAS OCURRENCIAS (Quién, Dónde, Cuándo?):

Latin Jazz en El Museo del vino. El cuarteto de Jazz Latino de Juan Prada (piano) con Cristian López (bajo) Martín Cruz (batería) Sergio Tulbovitz (percusión) "se tiran al ruedo" para realizar estos encuentros, los domingos sobre las 21:00 hs, en la esquina de Maldonado y Gutiérrez Ruiz. Habrá músicos invitados. Nos adherimos a la idea, hace mucha falta un espacio como el propuesto. El Jazz Tour 2011. Continúa el programa preparado para este año, manteniendo el perfil de la diversidad y amplitud de criterios dentro o, cuando no, en los aledaños del género, como las que ya se han presentado. Lo que sigue, parece ser el “plato principal” y luego obviamente tendremos el postre. Orquesta de Jazz de Bretagne. Todos los estilos de jazz, de ayer y de hoy, a veces atrevido pero sin renunciar a las virtudes del swing. 25 de abril, Teatro Solís de Montevideo. Martirio. María Isabel Quiñones Gutiérrez conocida artísticamente como Martirio. Siempre con un toque de flamenco fusión que le ha permitido descubrir que "la copla casa mejor que nada con el jazz". 1 de junio, Teatro Solís de Montevideo. (Ver nota más abajo) Chucho Valdes & The Afro Cuban Messengers. "Chucho’s steps” de Chucho Valdés y Afro-Cuban Mesengers obtuvo el galardón de mejor álbum de jazz, en la pasada entrega de los Grammys. 20 de junio, Auditorio Adela Reta, Sodre. (Ver nota más abajo).

LA ESPERANZA, ES UN RIESGO QUE TENEMOS QUE CORRER:

La sociedad de las informaciones, o la sociedad de los conocimientos. Dice Edgar Morín, entrevistado por Enric Saperas: “A mi modo de ver, lo que es importante es la existencia de una diversidad de los medios de comunicación y de las informaciones que se dan, así como de los demás contenidos en el entretenimiento y en las ficciones. Lo que hay que evitar son las consecuencias de una excesiva concentración y la inevitable reducción de la diversidad. Esto es lo que hay que vigilar en la televisión, pero también en la prensa y en las agencias de información; éstas últimas son muy importantes. La televisión tiene un papel clave en la cultura, si por cultura adoptamos su definición antropológica; es decir, todo lo que nosotros estamos obligados a aprender y compartimos socialmente. La televisión, y el audiovisual en general, son muy importantes en la cultura moderna como fomento de conocimientos, valores, creación de identidades individuales y colectivas. Esta cultura se suma a la alta cultura y a las culturas nacionales. La televisión crea una cultura que hace que la familia o la escuela pasen a tener un papel menos importante. Y ésta es una realidad que debemos tener presente. La televisión implica otra forma de experiencia que siempre ha estado rodeada de polémica. Para algunos, la televisión implica una degradación cultural; para otros implica un proceso de democratización de la cultura. Me parece equivocado elegir una u otra opción de forma radical y deberíamos hacer un esfuerzo para combinarlas porque puede evolucionar en ambos sentidos. Tenemos que estar atentos porque la televisión no es un fenómeno cultural cerrado. Lo peor de la televisión es la obsesión por la máxima audiencia y el “todo vale”, al precio que sea, por conseguirla. Si los responsables de la programación toman esta opción se da la primera condición para hacer una televisión superficial y degradar la producción cultural”. (JR)

En Clave de Jazz-Radio por Magoya 90.5 FM desde Maldonado, Uruguay. En Clave de Jazz-Radio, "El Jazz y, la Nuevas Tendencias", la edición Radio de este Web-magazine, programa creado y conducido por Jorge Rocha, con el apoyo de los comunicadores Walter Álvarez y Carlos Peláez, se transmite, en su 4º año consecutivo, localmente desde Maldonado en Uruguay. Las propuestas, proyectos de una gran cantidad de músicos de las tres Américas (y no solo continentales) nuevos, desconocidos, conocidos, noveles y famosos, todos, reunidos para honrar la música, la diversidad cultural y, ser difundidos y mostrados en un marco de integración y conocimiento. El encuentro es, todos los sábados, de 19:00 a 21:00 horas por Magoya 90.5 FM.

LO DIJO:

Miles Davis: “Lo que hay que juzgar en cualquier artista de jazz es: ¿dónde está el proyecto y dónde las ideas?” .

Anónimo: "Si quieres tocar rápido, que nada te detenga, pero usa tu técnica para mostrar tu música, nunca uses la música para mostrar tu técnica".

Foto: Logo “Jazz de Acá” (JR)

EN CLAVE DE JAZZ-Radio

2011-04-06T15:36:00.006-03:00

Rumbo al sexto aniversario. En Clave de Jazz-Radio, "El Jazz y, la Nuevas Tendencias" – la edición Radio de este Web-magazine – se transmite, desde República Dominicana, para toda la isla y áreas del Caribe, asimismo, a todo el mundo por Internet. Un recorrido por la diversidad de las músicas americanas folklóricas y tradicionales, expresiones locales, regionales, el sincretismo musical. Sus influencias como su fusión y mezcla, con la libertad que provee el manejo de los elementos y conceptos del jazz contemporáneo. Creado y conducido por Jorge Rocha, cuenta con la producción de Alexis Méndez en Santo Domingo. Finalizando ya su 5º año, va todos los domingos: de 12:00 m.; a 2:00 pm (hora de RD, -4:00 GTM) por 96.1 Quisqueya FM y, en la Red: http://www.compasillo.com/ (Clic en: Audio)
y también en: http://www.certvdominicana.com/

ESCUCHAR EL PROGRAMA AQUÍ:
A la derecha de su pantalla, está a la disposición, una edición actual -aunque por obvias razones, de archivo - de EN CLAVE DE JAZZ-Radio, "El Jazz y, las Nuevas Tendencias", en su versión Internacional. Periódicamente incluimos para Uds., nuevas emisiones.

DISPONIBLE: Programa 132.

Música Maestro. Este espacio, dedicado a la difusión de la música caribeña, entra en su décimo primer año de transmisión ininterrumpida. El espacio ha logrado consolidarse, no solo como programa de radio, sino como proyecto de difusión y estudio de las diferentes músicas del Caribe. El programa Música Maestro, se transmite todos los domingos de 3:00 a 5:00 (hora dominicana) por Quisqueya FM (96.1) Escúchalo, busca http://www.compasillo.com/ entra en: Audio. También en la Red por: http://www.certvdominicana.com/ Música Maestro es producido y conducido por José Federico, Julio Virdes y Alexis Méndez. Recuerda que Música Maestro es asunto del Caribe. http://musicamaestrord.blogspot.com/

Paulo Moura, ejemplo de libertad

2011-04-06T15:30:00.003-03:00

Paulo Moura, clarinetista brasileño experto en mezcla de géneros y una de las figuras más aclamadas de la música popular, deja un gran vacío en la escena musical. Moura, era oriundo del estado de Sao Paulo, en donde nació el 15 de julio de 1932 y tocaba el clarinete desde los nueve años. El músico estaba considerado como uno de más brillantes instrumentistas y su música permanece como ejemplo de libertad, por encima de fronteras, géneros y estilos. Se le recuerda como parte fundamental del gran movimiento de la bossa nova.

Paulo Moura, de formación clásica, comenzó a tocar en la banda de su padre. Durante años alternó la música clásica con el jazz, la samba, el choro y el MPB (Música Popular Brasileña).

En la década de los cincuenta se aproximó al jazz. En el 56 forma su primer grupo y lanza su primer disco. Desde 1959, fue primer clarinetista de la orquesta del Teatro Municipal de Río. Trabajo que compagina con su actividad en el Copacabana Palace, orquesta que acompaña a músicos como Lena Horne, Ella Fitzgerald, Nat King Cole, Sammy Davis Jr. o Marlene Dietrich.

Hijo de un director de banda de música, se instaló con su familia en 1945 en Río de Janeiro. Moura empezó a tocar en la banda de su padre. Durante años alternó la música clásica con el jazz, la samba, el choro y en general la música popular brasileña.

La mezcla de ritmos y géneros le aportó la posibilidad de transitar entre los diversos géneros musicales, a pesar de haberse alejado del jazz hacía décadas. Con una carrera ecléctica, Moura había manifestado que el jazz "es una música en la que se olvida uno de todo y de todos, uno tiene una postura mucho más introspectiva.

Referencias:

efeeme.com

enmemoria.lavanguardia.es

Blas Rivera, puente sonoro entre el Tango y el Jazz

2011-04-06T15:25:00.003-03:00

Blas Rivera, saxofonista y compositor argentino, viene emocionando plateas en América del Sur y Europa con sus espectáculos de música instrumental y danza fundiendo lo clásico, el tango y el jazz. El músico siguió una trayectoria de búsqueda por una sintaxis propia que lo llevó desde el Conservatorio y la Universidad de Córdoba, en Argentina, donde se graduó en Composición, hasta el Berklee College of Music, en Boston, USA, estudiando música para cine y también en el New England Conservatory, donde perfeccionó sus estudios de música étnica, contemporánea y de jazz, un recorrido que lo hizo descubrir la fuerza de sus orígenes porteñas mientras perseguía la expresión del jazz.

Blas Rivera se tornó uno de los mayores herederos de la cultura musical de Astor Piazzolla, haciendo del maestro, una de sus principales referencias musicales. Blas extrae de su saxo melodías con la misma pasión que Piazzolla lo hacía con su bandoneón y viene mostrando su música en escenarios de América y Europa. En 1997 graba su primer CD, “Blas Rivera Quintet”, junto al pianista Pablo Ziegler y el violinista Fernando Suarez Paz, maestros integrantes del quinteto de Astor Piazzolla.

En 1998, la mayor consagración, el Blas Rivera Quintet es recibido como destaque en el Montreux Jazz Festival. El público vibró y la organización del Festival reconoció en el su “…cualidad de jazz impar y renovador...”. Fue aquí que grabó su segundo CD, “Introduçâo” en vivo. El Quinteto conmovió y arrebató a un público acostumbrado a oír a los mejores músicos del mundo. Su música “Resistencia Heroica” fue incluida en el CD “Greatest hits” del Festival y al año siguiente nuevamente otra música suya “Chinga”, fue seleccionada para hacer parte del mismo CD, esta vez, con su Trío de saxo, piano y violín.

Como un puente sonoro entre las cunas del tango y el jazz, la música de Blas Rivera funde con maestría, las pasiones de los dos “polos” de las Américas con la sofisticación técnica de los eruditos. El resultado es una experiencia estética en su sentido más amplio, que une inteligencia y emoción. Blas Rivera ha desarrollado un trabajo de intercambio de intercambio cultural por excelencia, músicos de todas partes del planeta tocando para diferentes públicos una música nueva y original, criada por un ciudadano del mundo con raíces fuertemente establecidas en Argentina y Brasil.

Chucho Valdés: En nuevos y grandes pasos

2011-04-06T15:18:00.003-03:00

El cubano Dionisio Jesús “Chucho” Valdés Rodríguez, llegará a Montevideo con su nueva banda "The Afrocuban Messengers" para presentar su último trabajo Chucho’s Steps, disco que, según el pianista, es el mejor álbum instrumental que ha grabado en toda su vida. Chucho Valdés es considerado uno de los mejores pianistas del mundo y desde luego la figura jazzistica más importante en la actualidad de Cuba.

Este es un disco lleno de homenajes, de guiños y de citas musicales. La primera esta en el nombre del grupo, un homenaje a Art Blakey y su mítico grupo, los Jazz Messengers; el segundo es el título del disco, un precioso tema, en memoria de John Coltrane y su “Giant Steps”; por último, la práctica totalidad del disco tienen más o menos dedicatoria; como por ejemplo “Zawinul’s mambo” que es un tributo a Joe Zawinul, “New Orleans”, que esta dedicado a la familia Marsalis, “Beguin to be good”, en recuerdo de Cole Porter (“Beguin the beguine”) y George Gershwin (“Lady be good”), o “Julian”, dedicado a su hijo pequeño.

“Chucho’s Steps” es un disco tan completo y variado, que en él hay hard bop, jazz modal, free jazz y música ritual afrocubana. Ganador de siete premios Grammy e incontables reconocimientos internacionales, el pianista, compositor, profesor de música, arreglista y director inició su formación musical con sus padres, el gran pianista Bebo Valdés y Pilar, cantante y maestra de piano. Con solo tres años, Chucho ya tocaba las melodías que escuchaba en la radio y, dos años después, empezaba sus primeras clases de piano, teoría y solfeo.

Su calidad interpretativa ha sido reconocida internacionalmente con el otorgamiento de la condición de Doctor Honoris Causa por la Universidad de Victoria de Canadá, y por la de la Habana y las entregas de la Medalla Félix Varela de Cuba, las llaves de las ciudades de San Francisco, Los Ángeles, Madison y Nevilly en Estados Unidos y la de Ponce en Puerto Rico. Chucho Valdés & The Afrocuban Messengers son: Chucho Valdés (piano), Mayra Caridad Valdés (voces), Lázaro Rivero Alarcón (bajo), Juan Carlos Rojas Castro (percusión), Yaroldy Abreu Robles (percusión), Dreiser Durruthy Bombalé (percusión batá y voces), Carlos Manuel Miyares Hernández (saxo tenor) y Reinaldo Melián Alvarez (trompeta).

Jazz Tour Uruguay 2011. Presenta a Chucho Valdés & The Afro Cuban Messengers. 20 de junio, Auditorio Nacional Adela Reta, Sodre, Montevideo.

Referencias:

culturapollensa.com

distritojazz.es es.

paperblog.com

Martirio: Atrevida e innovadora

2011-04-06T15:14:00.002-03:00

María Isabel Quiñones Gutiérrez, cantante paya, donde se le conoce mundialmente con el nombre artístico de Martirio. En 1986 inicia su andadura en solitario con el nombre artístico de Martirio, que es a la vez nombre y personaje: enfundada en escena entre unas gafas de sol y una peineta, fue una de las intérpretes más originales del panorama musical español en los años 80, y canciones como Sevillanas de los bloques (Estoy atacá) triunfan en los medios. Su música es un puente entre culturas y fusiona copla andaluza, flamenco, bolero, jazz, tango, rock, guaracha...

Martirio canta al oído y poco tiene que ver con aquella mujer que rapeaba flamenco o le daba por cantar sevillanas en inglés. Tras su alianza con Chano Domínguez fue perdiendo barroquismo, quitándole dolor a la copla y explorando, disco tras disco, nuevos territorios. Su tez inmaculada y sus ojos verdes miel (que únicamente se pueden ver fuera de los focos) se imaginan al escuchar estos boleros impregnados de jazz que le han devuelto al ruedo musical.

Maribel Quiñones Gutiérrez, "Martirio" es uno de los exponentes claves para entender el desarrollo y la transformación que ha experimentado la canción popular española y andaluza en los últimos veinte años, al mismo tiempo que la creadora de un personaje de una gran contundencia iconográfica y social. Un personaje que se perpetuará en la memoria de todos gracias, también, a una estética propia que combina osadas peinetas y gafas de rockera. Atrevida e innovadora es igualmente su música. En sus trabajos apuesta por la fusión de la copla y el flamenco con el pop- rock, el jazz y la inmensa variedad de ritmos que recorren Sudamérica. Con ello ha logrado que la copla se escuche en los festivales de jazz. Y en sus canciones, Maribel es capaz de hacer crónicas del mundo femenino desde el ingenio, el humor y la ternura, todo ello sustentado en una voz dúctil, poderosa y sensual.

Esta faceta artística tiene su correlato en la vida cotidiana, al destacar su constante apoyo a causas y colectivos comprometidos con los problemas de la mujer.

Jazz Tour Uruguay 2011. Presenta a Martirio, el 1º de junio, en el Teatro Solís de Montevideo.

Referencias:

elartedevivirelflamenco.com

juntadeandalucia.es

La Polillazzera: Africanismo del Jazz (9)

2011-04-06T15:02:00.004-03:00

Continuación…Como ya hemos puntualizado, no cabe la menor duda de que el “jazz” constituye una cristalización de los ingredientes melódicos, armónicos, rítmicos y tímbricos de los diversos estratos que componen la música folklórica de los negros que viven al amparo de la bandera de las cuarenta y ocho estrellas, enraizados en una tradición artística muy antigua y arraigada. Al heredar las características del cancionero folklórico afro-norteamericano, en particular de los típicos “blues”, pues, retiene también sus rasgos peculiares negros, algunos de los cuales, si no son africanos puros, tampoco constituyen un producto enteramente europeo, sino que son, como los “spirituals”, fruto de la síncresis de la vigorosa fuerza creadora de los morenos, respaldada por su profunda tradición africana, y la potencial del norteamericano.

El “jazz” es, como alguien lo dijo, híbrido, cual la población de los Estados Unidos. Constituye una especie de “gumbo” musical, escribió recientemente el folklorista Alan Lomax. Y allí reside, precisamente, la llave de su enorme fuerza artística. Resulta evidente que la música sincopada no está concebida en un idioma africano como es posible hallar, por ejemplo, en las “macumbas” afro-brasileñas (…)

Pero es indiscutible que, en especial algunas de sus formas más castizas, como el “boogie Woogie” y los “blues” – con su profunda raigambre negra y su añosa tradición – así como las mejores expresiones de la escuela de Nueva Orleáns, hablan un lenguaje en el se advierten características netamente africanas. Al analizar la música “hot”, pues, lo mismo que al estudiar todo el cancionero negro de la Unión, o de cualquier otra parte de América, es preferible guiarse por el oído, más bien que por los convencionales signos de la notación.

Por eso, los estudiosos modernos, al realizar sus investigaciones se fundan en grabaciones fonográficas, y no en las partituras, aunque, desde luego, la transcripción al papel pautado es de incuestionable utilidad. Porque sabido es que la mayor parte de las sutilezas del idioma musical de la morenada yanqui rehúyen los signos de la expresión musical escrita. No es posible registrar las infinitas gradaciones sonoras, los “glissandi”, las diversas superposiciones de planos sonoros y de ritmos, las fracciones de tono, su típico timbre. Una cosa es el “jazz” o la música negra escrito y otra bien distinta sus interpretaciones en manos de los mejores cultores, quienes saben imprimirle un relieve, un acento, un matiz, una expresión, un “swing”, que el pentagrama no puede captar.

Certeramente lo señala Herskovits, refiriéndose a las canciones afro-americanas en general: “Es esencial recordar, sin embargo, que las transcripciones, no importa lo cuidadosas y escrupulosas que sean, a pesar de su importancia, no pueden contar toda la historia de las relaciones del Nuevo Mundo con los estilos musicales del Africa.

Porque, como lo observó von Hornbostel, el problema envuelve también lo intangible de la técnica del canto y el hábito motor que acompaña a la canción, tanto como las progresiones verdaderas, que pueden ser copiadas del registro. La cuestión tiene su analogía en la ejecución del “jazz” o en los esfuerzos de las orquestas europeas cuando intentan imitar los ritmos “swing” de las Américas. Hasta el estilo de las orquestas blancas del hemisferio occidental es notoriamente distinto del de los organismos negros”. (Continúa)

Tomado de: “Estética del Jazz” de Néstor R. Ortiz Oderigo / Ricordi Americana, Buenos Aires, Argentina, 1951

Foto: Louisiana Heritage / Nueva Orleáns Jazz

Sonny Stitt y el fantasma de Charlie Parker

2011-04-06T14:56:00.002-03:00

Sonny Stitt fue uno de los grandes saxofonistas de la época del bebop y el hard bop. Al igual que muchos otros que fueron muy populares en su momento, Stitt carece del reconocimiento que merecería, dadas su gran calidad como intérprete y compositor y sus notables aportaciones al jazz. Edward Sonny Stitt nació el 2 de febrero de 1924 en Boston, Massachussets, pero se crió en Saginaw, Michigan, dentro de una familia musical. Su padre era profesor de música, su hermano pianista clásico y su madre maestra de piano.

En 1943, conoció a Charlie Parker y ambos encontraron con sorpresa que sus estilos tenían gran similitud, a pesar de que ninguno había escuchado antes al otro. Las primeras grabaciones de Stitt fueron con Stan Getz y Dizzie Gillespie, en 1945. También tocó en algunas orquestas de swing, pero principalmente en orquestas de bop. A principios de los cuarenta, fue miembro de la orquesta de Tiny Bradshaw y en 1945 reemplazó a Charlie Parker en la orquesta de Gillespie, para más tarde tocar saxofón alto con Billy Eckstine, al lado de futuros pioneros del bop como Dexter Gordon y Gene Ammons; fue entonces cuando cambió a saxofón tenor y llegó a tocar con Bud Powell. Desgraciadamente, en 1948 cayó en prisión acusado de vender narcóticos. Dos años debió pasar en la cárcel.

A pesar de sus similitudes con Charlie Parker –muchos lo acusaban de imitar a The Bird-, Stitt desarrolló un sonido propio. Gracias a ello, en los años cincuenta grabó para sellos como Argo, Verve y Roost, en donde experimentó con el jazz afrocubano junto con Thad Jones y Chick Corea, con quienes realizó versiones de temas clásicos como “Autumn Leaves”.

En 1960, se unió brevemente a Miles Davis y grabó en concierto con el quinteto del genial trompetista, hasta que éste lo despidió por sus problemas de alcoholismo. Decidido a ser solista, Stitt le rindió homenaje a Charlie Parker en su disco Stitt Plays Bird (Atlantic, 1963), en el cual contó con la participación de Jim Hall en la guitarra. Con el también saxofonista Gene Ammons grabó extraordinarios álbumes, considerados entre lo mejor de ambos músicos (como The Blues Up and Down, de 1950, para Verve), además de hacer muy populares sus duelos de saxo tenor en presentaciones. Stitt fue uno de los primeros músicos de jazz en usar el saxofón eléctrico (llamado Varitone). Viajó con los Giants of Jazz, orquesta en la que tocaban Dizzie Gillespie, Art Blakey y Thelonious Monk y continuó haciendo giras y grabando incesantemente.

Sus últimas grabaciones fueron hechas en Japón poco antes de su muerte. El 22 de julio de 1982, Sonny Stitt murió a consecuencia de un ataque cardíaco. Su legado musical es abundante, pues dejó un extenso catálogo de excepcionales y siempre disfrutables discos como Sonny Stitt and Bud Powell and J. J. Johnson, 1949-50, Prestige; Sonny Stitt Sits In with the Oscar Peterson Trio, 1957.59, Verve; Tune-Up, 1972, Muse; Sonny’s Back, 1980, Muse y Last Stitt Sessions, 1982. Muse.

Referencia: Rosa Olivia Hellion Tovar / musica.nexos.com.mx

NOVEDADES y SUGERENCIAS 1

2011-04-06T14:48:00.003-03:00

Jovino Santos Neto

Veja o Som / See the Sound

(Album doble)

Adventure-music records

2010

Un trabajo de 2 CD’s, con veinte pistas (diez grabadas en Estados Unidos y otras diez grabadas en Brasil) que cuenta con la colaboración de varios vocalistas, así como de instrumentistas como Mike Marshall, Paquito D'Rivera, Bill Frisell y Airto Moreira, entre otros.

El pianista de jazz Jovino Santos Neto nos presenta estos logrados duetos con grandes cantantes brasileños como Joao Donato, Mónica Salmaso, Joyce Moreno y Paula Morelenbaum, así como con músicos extranjeros y de Brasil. Estos dúos muestran la musicalidad de Santos Neto y la afinidad de sus colegas músicos en su forma más desnuda y básica, con lo las cosas que vuelven a la composición y el virtuosismo en vez de la tonalidad y estilo.

Al respecto nos cuenta Jovino: “La concepción básica de este trabajo gira en torno a la espontaneidad, entonces buscamos preservar el encuentro, sin mucha pre-producción. En su mayoría las canciones grabadas eran nuevas para ambos participantes, para mí y para cada invitado. Así, nuestra intención de captar ese instante inicial de descubrirlas musicalmente fue conservada. Cuando uno tiene el privilegio de haber nacido en una cultura musical como la de Brasil y haber trabajado con los grandes músicos de esta tierra como yo lo he tenido, se hace muy fácil, viajar por el mundo y mostrar lo que es bueno y que la gente lo hace naturalmente”.

Es indudable que hubo un gran trabajo de producción, porque reunir a los artistas y grabar en distintos lugares como Nueva York, Los Angeles, Seattle, Río de Janeiro y San Pablo, supone una gran labor de logística. Pero, el resultado es igualmente gratificante. El disco grabado en Estados Unidos, si bien tiene un hilo conductor y comunicante común, tiene un sabor algo distinto al realizado en Brasil sin que eso signifique otra cosa que un detalle diferenciador que, se transforma, en lo singular de este trabajo.

La presentación, el empaque, del álbum doble, es simple pero, no por sencillo menos vistoso y completo, especialmente en lo que a información se refiere. La realización gráfica es excelente y el librillo – ubicado en el “bolsillo” interno izquierdo – (al abrir el empaque) es magnífico. Efectivamente, cuando uno lo abre, ya anticipa, podríamos decir, que lo que va a escuchar es de calidad.

Intentaré resumir – esta vez dos CD’s – en apenas, en solamente tres temas y que éstos representen toda la propuesta. Comienzo con el disco 1 (grabado en USA) y sin titubear, anoto el track Nº 7, “Flor de Lis” en la voz de Tom Lellis, y del disco 2 (grabado en Brasil) completo la triada con la pieza Nº 2, “Sonora Garoa” con Mónica Salmaso y finalizo con el tema 8 en el orden, “Joana francesa” interpretado por Paula Morelenbaum. Pero, obviamente que me quedo cortísimo en este trabajo, porque todo, todo el doble álbum es de primera. Hay que tenerlo, hay que escucharlo. (JR)

Referencias:

baiaodedois.webs.com

comunidadenews.com

NOVEDADAES y SUGERENCIAS 2

2011-04-06T14:39:00.003-03:00

Bernal / Eckroth / Ennis

La voz de tres

Jota Siete Producciones / Dr. Jazz

2010

Este trío, conformado por Natalia Bernal, Mike Eckroth y Jason Ennis, es un trío de jazz latino de Nueva York. Se centran sobre todo en el jazz de fusión de música popular del Brasil con la música chilena, o latinoamericana en general.

Revisando las promociones podríamos decir que se en realidad se traba de Natalia Bernal + Eckroth y Ennis, quiero decir, que ella lleva propiamente y literalmente, la voz cantante en esta producción, como veremos más adelante y, que al disfrutar de esta propuesta se deduce. “La voz de tres” tiene doce temas. Cuatro de ellos son composiciones de Natalia, en español y con influencias del folclor chileno. Los demás temas son en inglés y portugués, y van desde la bossa nova al samba, al jazz y a la música latinoamericana con influencias de jazz.

La calidad musical es impecable y la voz de Natalia Bernal es una revelación. Ella posee una voz de contralto agradable, su pronunciación es impecable y las letras son siempre claras. Natalia Bernal posee una claridad como de campana e interpreta este menú de canciones con propiedad en la entonación y mucho sentimiento. No hay pretensiones o trucos aquí.

Natalia, nació en Santiago de Chile, pero se considera iquiqueña (Iquique), ha sido reconocida por la prensa como especialista en un repertorio de jazz latino, que cruza las armonías del swing y los ritmos y sabores afro-caribeños.

Ya viviendo en Nueva York forma su grupo, llamado Bernal-Eckroth-Ennis, el cual está compuesto por dos integrantes más, Mike Eckroth y Jason Ennis, quienes han sido su gran apoyo y soporte en esta difícil carrera en el mundo del jazz. Llegando a sacar su primera producción discográfica llamada “La Voz de Tres”.

Para seguir “despuntando” el vicio, intentaré sintetizar en apenas tres títulos, todo el concepto de la propuesta. Lo inicio con mucha suavidad, con el corte Nº 5, “El borde de mi tierra”, de la autoría de Bernal, una deliciosa canción con reminiscencias de mar y montañas. Continúo señalando la pista que lleva el Nº 7, “Inolvidable”, el clásico aquí interpretado en una versión muy singular, en el canto y en el apoyo armónico-musical. Finalizo con otro clásico, en el surco 11 que corresponde a “Samba triste”, excelente versión – acústica y en portugués – que gratifica. (JR)

NOVEDADES y SUGERENCIAS 3

2011-04-06T14:28:00.005-03:00

Mario Romano Quartet

Valentina

Alma Records

2010

Los integrantes de este cuarteto trabajan regularmente juntos y eso se nota inmediatamente. Con un sonido sólido y cohesionado, interpretan las selecciones que en su mayoría son arreglos de Mario Romano a clásicos del jazz, canciones escritas en los años 40 y popularizada en las grabaciones de los años 50 y 60, aunque este CD incluye también dos temas originales, uno de Romano "Those Damn I Love Yous", con la vocalista invitada Kristy Cardinali, quien canta con una voz pura y agradable y el otro, un tema que le pertenece a Roberto Occhipinti.

Muchas de las pistas están adornadas por los sonidos y “aires” latinos. Pat LaBarbera en el saxo es a menudo impresionante, y se destaca oportunamente por ello. Roberto Occhipinti, quien es un pilar de fuerza, de consistencia y de amalgama rítmica y armónica en todo el álbum, y el trabajo de Mark Kelso en la batería, se distingue siempre por su solvencia y el aporte de buen gusto.

Mario Romano se distingue aquí, donde retoma su carrera musical, como un pianista imaginativo con claras influencias de los pianistas de vanguardia de los años sesenta. En todo este trabajo, el pulso es una constante bien definida, en parte por el estilo pianístico de Romano y, por otro lado por el excelente trabajo de sus compañeros.

De las nueve pistas que incluye esta propuesta, creo que justicieramente la Nº 4 “Nardis”, con sus colores orientales y el impecable soporte rítmico sobresale, como el track 5, “Those damn I love yous”, una balada preciosista – clásica – muy bien interpretada por Kristy Cardinali (a quien ya hemos reseñado aquí en su trabajo como solista) con lucimiento de Romano al piano y, culmino el lote, con el que sigue, el tema Nº 6 (el bloque central del disco) “On green Dolphin street”, donde el trabajo y la capacidad de los músicos es cabalmente demostrado. (JR)

TAMBIÉN HEMOS RECIBIDO:

2011-04-06T14:19:00.009-03:00

Joey DeFrancesco-Botos-Rezza-Dwyer / One Take Volume Four
Unidad Orquestal Mínima / Canción de amor
Amy London / Let's fly
René Marie / Voice of my beautiful country
André Vasconellos / 2
Discos los cuales, estaremos oportunamente revisando y comentando para Uds., en nuestras próximas ediciones.

Estimados amigos de “En Clave de Jazz”:

Eventualmente con copia a: uru_ven@yahoo.com

Dirección: Avenida Del Libertador 1708, Apto. 1304, Montevideo 11800, Uruguay.

Muchas gracias
Jorge Rocha

Jazz de Acá: ACTIVIDAD LOCAL

2011-02-26T14:01:00.005-02:00

‘‘El jazz, como muchas otras artes se explica a sí mismo, y sólo la experiencia de su audición permite comprenderlo’’.

LAS ACTIVIDADES PASADAS:
Y, ya vamos por el tercer mes del 2011. Han sido prácticamente nulas las actividades – en Montevideo – que, relacionadas con el género (Jazz y conexos, claro) hayan tenido lugar en los días pasados. Tampoco da para contarles (por lo malo de la oferta) algunas cosas que hemos conocido suceden, como para financiarse el veraneo o las “vacaciones” etc., etc., como parte del menú (carta), porque “es lo que hay” – y nadie protesta – o se preocupa. La práctica se ha ido instaurando como una costumbre (negativa) en nuestros balnearios. Promediando el año, ya veremos que acontece.

PROXIMAS OCURRENCIAS (Quién, Dónde, Cuándo?):
El Jazz Tour 2011. Con algunos altibajos y tropiezos en sus actividades del año pasado, el ya clásico tour anual renueva sus intenciones para el nuevo año y, da comienzo, manteniendo el perfil de la diversidad y amplitud de criterios dentro o, cuando no, en los aledaños del género. Tryo. Uno de los mejores grupos neo-reggae de Europa que se caracteriza por la diversidad de temas abordados en sus canciones. 21 de Marzo, Complejo Cultural Plaza. Dominic Miller. Aprovechando su gira por Sudamérica el reconocido músico visita a Montevideo. Dominic ha sido la primera guitarra del músico británico Sting desde principios de la década de los 90, compartiendo la autoría de hits como "The Shape of my Heart". 5 de abril, Teatro Solís de Montevideo. Orquesta de Jazz de Bretagne. Todos los estilos de jazz, de ayer y de hoy, a veces atrevido pero sin renunciar a las virtudes del swing. 25 de abril, Teatro Solís de Montevideo. Martirio. María Isabel Quiñones Gutiérrez conocida artísticamente como Martirio. Siempre con un toque de flamenco fusión que le ha permitido descubrir que "la copla casa mejor que nada con el jazz". 1 de junio, Teatro Solís de Montevideo. Chucho Valdes & the Afro Cuban Messengers. "Chucho’s steps” de Chucho Valdés y Afro-acuban Mesengers obtuvo el galardón de mejor álbum de jazz, en la pasada entrega de los Grammys. 20 de junio, Auditorio Adela Reta, Sodre.

LA ESPERANZA, ES UN RIESGO QUE TENEMOS QUE CORRER:
Un “salú” por el Nano. Por estas fechas, sin poder evitar las nostalgias, quiero recordar al gran hombre de radio y comunicador, un amigo: Nano Herrera, quien decidió ir a cubrir celestiales eventos. Nano, era una persona muy especial, y todos los años, por esta fecha venía de su Argentina natal para Uruguay, a Punta Ballena para descansar y cubrir los espectáculos de la temporada. Con su proverbial “grandeza” y gentileza, muchas veces sabedor de mi imposibilidad (financiera) como “independiente” de cubrir estos espectáculos, él escribía y preparaba las reseñas que luego me hacía llegar. Ojalá que aquellos que tuvieron en él, un gran propulsor y promotor, no lo olviden y de alguna manera, le hagan un merecido homenaje. Donde sea que estés Nano: Salú!!! y que viva la música. (JR)

En Clave de Jazz-Radio por Magoya 90.5 FM desde Maldonado, Uruguay. En Clave de Jazz-Radio, "El Jazz y, la Nuevas Tendencias", la edición Radio de este Web-magazine, programa creado y conducido por Jorge Rocha, con el apoyo de los comunicadores Walter Álvarez y Carlos Peláez, se transmite, en su 4º año consecutivo, localmente desde Maldonado en Uruguay. Las propuestas, proyectos de una gran cantidad de músicos de las tres Américas (y no solo continentales) nuevos, desconocidos, conocidos, noveles y famosos, todos, reunidos para honrar la música, la diversidad cultural y, ser difundidos y mostrados en un marco de integración y conocimiento. El encuentro es, todos los sábados, de 19:00 a 21:00 horas por Magoya 90.5 FM.

LO DIJO:
Justo Almario (Colombia): "Estoy apoyado sobre los hombros de grandes maestros. Lo que estoy haciendo y lo que tengo que seguir haciendo está fundamentado en esos cimientos. Por eso les digo a los estudiantes que tienen que aprovechar la historia, investigando qué hicieron nuestros grandes músicos..., analizar su obra, saber qué hicieron y, entonces sí, adelantar la música que siga, nunca atrasarla".

Foto: Logo “Jazz de Acá” (JR)

MUNDO BREVE:

2011-02-26T13:50:00.004-02:00

Rumbo al sexto aniversario. En Clave de Jazz-Radio, "El Jazz y, la Nuevas Tendencias" – la edición Radio de este Web-magazine – se transmite, desde República Dominicana, para toda la isla y áreas del Caribe, asimismo, a todo el mundo por Internet. Un recorrido por la diversidad de las músicas americanas folklóricas y tradicionales, expresiones locales, regionales, el sincretismo musical. Sus influencias como su fusión y mezcla, con la libertad que provee el manejo de los elementos y conceptos del jazz contemporáneo. Creado y conducido por Jorge Rocha, cuenta con la producción de Alexis Méndez en Santo Domingo. Finalizando ya su 5º año, va todos los domingos: de 12:00 m.; a 2:00 pm (hora de RD, -4:00 GTM) por 96.1 Quisqueya FM y, en la Red: http://www.compasillo.com/ (Clic en: Audio) y también en: http://www.certvdominicana.com/

Música Maestro. Este espacio, dedicado a la difusión de la música caribeña, entra en su décimo año de transmisión ininterrumpida. El espacio ha logrado consolidarse, no solo como programa de radio, sino como proyecto de difusión y estudio de las diferentes músicas del Caribe. El programa Música Maestro, se transmite todos los domingos de 3:00 a 5:00 (hora dominicana) por Quisqueya FM (96.1) Escúchalo, busca http://www.compasillo.com/ entra en: Audio. También en la Red por: http://www.certvdominicana.com/ Música Maestro es producido y conducido por José Federico, Julio Virdes y Alexis Méndez. Recuerda que Música Maestro es asunto del Caribe. http://musicamaestrord.blogspot.com/

Ricardo Nolé: templando el “jazzdombe”

2011-02-26T13:39:00.003-02:00

Ricardo Nolé presentó su nuevo proyecto en septeto, en donde desarrolla un enfoque diferente en la fusión del jazz con la música afro-rioplatense, donde los instrumentos de viento adquieren un notable protagonismo, sostenidos por una sola base rítmica.
Nacido en Montevideo (Uruguay), representa la tercera generación de músicos de su familia. Su abuelo fue clarinetista y saxofonista y su padre, Panchito Nolé, es uno de los pianistas, arregladores y directores de orquestas, de mayor prestigio en el Rio de la Plata.
Ricardo Nolé fue pianista y arreglador de Rubén Rada en la década del 80. En el 90 forma su primer piano trío con Alejandro Herrera y Quintino Cinalli desarrollando de manera original el género candombe. Una riquísima paleta armónica, inspirados desarrollos y un lenguaje jazzístico virtuoso son algunas de sus características. Tiene seis trabajos solistas publicados y varias colaboraciones en proyectos de jazz y música del Brasil.
"Jazzdombe". Nolé expresó que el material fue grabado el año pasado y que se encuentran recorriendo escenarios realizando la presentación y perfeccionando lo que están tocando.
En ese aspecto, dijo que Jazzdombe es música afro uruguaya fusionada con candombe y con influencias de jazz que “se manifiesta por todo el disco y mucho más cuando tocamos en vivo”.
Integran la formación Templando: Ricardo Nolé en piano, arreglos y composición, Fernando Lerman en saxo alto, flauta y composición, Claudio Rossi en trompeta, Juan Presas en saxo tenor, Mariano Sivori en bajo, Facundo Ferreira en batería y percusión y Javier “Turco” Mokdad en percusión.
Tuvimos la ocasión de compartir con Ricardo y conversar “largo y tendido” de sus proyectos y planes de futuro, cuando estuvo convocado por su padre, para integrar desde el piano y los teclados, la big band que formó parte del magnífico show de la elección de las reinas del carnaval, llamadas y scolas de samba, el 24 de Enero pasado en el Teatro de Verano de Montevideo.

Aunque acepta el ya desgastado axioma de que “nadie es profeta en su tierra”, Ricardo no puede disimular su disgusto, su contrariedad cuando se le pregunta, sobre la posibilidad de realizar presentaciones o, el lanzamiento de “Jazzdombe”, en Uruguay.
“Entiendo y comprendo que a algún productor, promotor o programador pueda no gustarle lo que yo hago, me parece bien pero, también considero tener los suficientes méritos y haber contribuido, desde mi lugar, y con mi trabajo, con mi modesto aporte al reconocimiento de la música uruguaya en la región como, para merecer la oportunidad de mostrar mi música en Uruguay, cosa que hasta ahora, pareciera ser poco menos que imposible, me cuesta creer que no pueda tocar en mi país, que no se me invite pero, aun así, no quiero perder la esperanza”…comenta. (JR)

Zimbo Trío: O Fino da Bossa

2011-02-26T12:38:00.004-02:00

El Zimbo Trío es un grupo de referencia en la música brasileña. En sus décadas de existencia, el grupo ha grabado más de 40 álbumes en todo el mundo, recibiendo varios premios nacionales como el Mejor Grupo Instrumental (Cidade de São Sebastião do Rio de Janeiro, Troféu Imprensa, Viola Chico, Medalha de Ouro dos Diários Associados, Roquette Pinto, Euterpe, entre otros) e internacionales también. Entre las presentaciones internacionales del grupo se incluyen las del Museo Smithsonian, el Ayuntamiento y la UCLA en Estados Unidos, así como giras por América Latina, Portugal, Francia, Italia, Alemania, Dinamarca y Japón.
Zimbo Trío fue creado en 1964 por el pianista de formación clásica Amilton Godoy; el bajista, compositor y orquestador Luís Chaves, y el baterista Rubinho (Rubens Barsotti). Actuaron por primera vez bajo el nombre de Zimbo Trio en el club nocturno Oásis en São Paulo, que acompaña a la famosa actriz y cantante Norma Benguell, en un espectáculo dirigido por Aluísio de Oliveira. Pronto, el grupo fue galardonado con el premio Pinheiro de Ouro como Mejor Grupo Instrumental en el I Festival de Paraná da MPB. Un poco más tarde, grabaron su primer LP, Zimbo Trio. En 1965, el trío viajó a Lima, Perú, y Buenos Aires, Argentina. En el Festival de Mar del Plata, Argentina, recibieron el Premio de las Américas. En 1966, el trío recorrió Portugal y Luanda, Angola, presentándose en el Festival Internacional de Cine de Cannes, Francia. Ha recibido premios por Mejor Banda Sonora en la película Vazia Noite (1965, Walter Hugo Khoury) y A Margem, (1967, Ozualdo Candeias).
El último gran premio que recibió Zimbo Trío fue el Premio TIM de la música, gracias a su reciente producción de música instrumental “Zimbo Trío en Vivo”, disco número 49 de la larga historia del grupo. Hoy en día Zimbo Trío es el único grupo del periodo Bossa Nova que sigue en actividad.
Zimbo Trío es conocido mundialmente por ser una de las agrupaciones que más influyeron en los músicos durante la década de los años 60, debido a que presentaron una nueva forma de “interpretar y arreglar la música brasileña”.
Referencias:
Hugo Santaromita / viajealfondodeljazz.blogspot.com

Leslie Patten: con determinación

2011-02-26T12:38:00.002-02:00

Multi-instrumentista y compositora, formada en el Perú y en Cuba. Leslie Patten, acompaña a reconocidos cantautores y solistas participando en una amplia muestra discográfica. Integra grupos de fusión jazz–música peruana y de reggae. Incursiona también en el campo de la enseñanza musical y es vicepresidenta del capítulo peruano del Foro Latinoamericano de Educación Musical. Conduce el conjunto de música afro-latina Sandunga, en el que instrumentos y toques afroperuanos se fusionan con los cubanos, africanos, brasileños y de otras latitudes es una propuesta donde la percusión es la protagonista.
Era una niña de 4 años cuando empezó a asistir a un taller de música. Desde entonces Leslie no ha dejado de aprender y de tocar. Fue parte del conjunto clásico de su colegio, y ha tenido como maestros y colegas a la crema y nata de la música peruana contemporánea: Jorge Madueño, Julio Chocolate Algendones, Eusebio Chebo Ballumbrosio, Leonardo Gigio Parodi, Manuel Miranda, Pochi Marambio, Daniel Kiri Escobar y Micky González, entre otros nombres.
Puede darse el lujo de contar sus experiencias musicales con muchos respetados músicos peruanos, y además ha acumulado una trayectoria personal bastante respetable si se tiene en cuenta, entre otras cosas, que es profesora desde hace cinco años en el grupo Arte para Crecer. “Tengo una vocación por los niños”, explica, “y es una de las cosas que hay que hacer para poder vivir de la música”. Y es que así como aprendió bien, ella siente que tiene que enseñar bien.
Leslie está convencida de que es cuestión de determinación para que un sueño se vuelva realidad. Y siguiendo esa filosofía ha logrado ya lanzar su primer disco. Se llama “Sandunga. Cantan los Tambores”, y según Jorge Madueño contiene todos los elementos para convertirse en un clásico de la música afro peruana.
Referencias: caretas.com.pe

Pedro Bermúdez, sin límites

2011-02-26T11:16:00.002-02:00

Pedro Bermúdez nació en Santurce Puerto Rico en el año 1976. A la edad de 10 años comenzó a estudiar piano y percusión latina.
Comenzó a tocar piano profesionalmente a la edad de 16 años y formó parte de las mejores orquestas de salsa de Puerto Rico y Nueva York tales como Willie Rosario por 4 años y donde compartió tarima con Gilberto Santarrosa, Roberto Roena y su Apollo Sound de la cual fue parte 2 años, Jimmy Bosch, Tony Vega, Tommy Olivencia, Don Peringnon y la Puertorriqueña, Tito Allen, Adalberto Santiago, Herman Oliveras, Ismael Rivera Jr. y muchos más.
Influenciado por la música que escuchaba en su casa de joven gracias a su madre la cual siempre tenía en su radio música de Tito Puente, Tito Rodríguez y hasta Sergio Méndes y Joao Gilberto, se interesó por estudiar estos géneros y comenzó a estudiar con el trompetista Jochi Rodríguez y el pianista Ismael Rodríguez dos de los mejores músicos de jazz locales de San Juan, después se movilizó a los Estados Unidos donde estudio con grandes del género de el jazz con énfasis en composición y arreglo como el cofundador de el bebop el saxofonista legendario Jimmy Heath y otros como Andy Laverne, Hilton Ruiz, Mark Levine, Cecil BridgeWater, Jim Mc neely & Gary Dial.
Volvió a Puerto Rico y tuvo la oportunidad de tocar con el grupo ”Batacumbéle” sustituyendo al pianista fundador del grupo, Eric Figueroa, durante 2 años.
Fue seleccionado y ganó una beca completa para estudiar en el Breklee College of Music en Boston, pero entonces Se movilizó a la ciudad de Nueva York a mediados de la década y desde entonces a tocado con algunos de los músicos más conocidos del género de el latin jazz y el Brazilian jazz como: Andy Gonzalez , Giovanni Hidalgo, John Benítez, Richie Flores, Dave Valentin, Santi Debriano, Claudio Roditi, Leonardo Ciogla, Sergio Brandao, Wilson, “Chembo” Corniel, Joe Santiago, Ralph Irrizary, Jerry Gonzalez, Itaiguara Brandao, Mauricio Zottarelli, Ruben Rodríguez, Oscar Stagnaro, Leonardo Ciogla, Ray Vega, Ivan Renta, Pedro Martínez, Felipe Salles entre otros.
Finalmente logra completar y lanzar su primera producción como artista principal y compositor en la producción “No Limits” donde participan grandes figuras del jazz como el legendario bajista Eddie Gómez teniendo invitados de la talla de el baterista brasileño Duduka da Fonseca, e igualmente Ivan Renta, Vince Cherico, Richie Flores, Diego López, Carlos Maldonado, Cristian Rivera, Oscar Stagnaro, Ruben Rodríguez, Piro Rodríguez y otros grandes músicos.
Pedro también es el editor de el único libro dedicado al piano de la música brasileña “Brazilian Rhythms On The Keyboard” (Advance Music) de Cidinho Teixeira el pianista Brasileño más influyente en la ciudad de Nueva York su mentor en este género y de el cual Pedro ha sido su pupilo desde que llegó a Nueva York.

La Polillazzera: Africanismo del Jazz (8)

2011-02-26T11:10:00.001-02:00

"Jazz anecdotes" de Bill Crow

2011-02-26T11:03:00.001-02:00

El bajista y escritor Bill Crow publicó en 1990 uno de los libros de jazz más simpáticos que existen: "Jazz anecdotes" (Anécdotas del jazz), con cuentos, chistes, curiosidades e historias alrededor de lo que se define como el más grande aporte artístico que le ha dado Estados Unidos al mundo.
El racismo. Otro aspecto con el que lidió el jazz fue el racismo, aunque fue una música que ayudó a ir contra esos prejuicios porque juntó en las agrupaciones a negros y blancos. Y entre la audiencia, ¿cómo se iba a admirar la música sin apreciar a sus ejecutantes?
No obstante, muchos directores blancos no se arriesgaban a tener negros en sus bandas. Y entre los negros se veía mal que se tocara con blancos porque el jazz era música de negros. Sonny Rollins fue criticado por tener en su grupo a Jim Hall, y Miles Davis por contratar a Bill Evans.
Cuando Nat King Cole se mudó a una urbanización de blancos en Los Angeles, los vecinos comenzaron a reunir firmas contra "vecinos indeseables". Cole pidió la lista para firmarla también porque tampoco quería vecinos indeseables.
La mismísima Bessie Smith murió porque luego de un accidente automovilístico fue rechazada en un hospital de blancos y en la búsqueda de otro centro asistencial se desangró.
De la Smith, Louis Armstrong cuenta que una vez un tipo le pidió cambiar un billete de U$S 100, a lo que ella se levantó la falda, sacó los billetes y le cambió el dinero. "Ese era su banco".
De Armstrong se cita también lo siguiente en torno una entrevista:
-¿No ha terminado aún su autobiografía?
-¡Oh, no! Todavía. Tengo 600 páginas escritas y sólo voy por 1929.
Jelly Roll, Duke y Bird. Sobre Jelly Roll Morton, otro de los pioneros del jazz, se narra que el trombonista Zue Robertson no quería tocar una de las piezas del repertorio como Morton deseaba, por lo que sacó una pistola y la puso encima de su piano. Robertson tocó tal cual se lo estaban pidiendo.
Edward Ellington fue bautizado en su adolescencia como "Duke" (Duque), por un amigo glamoroso que vestía muy bien y siempre iba a las mejores fiestas. "Para resaltar mi compañía y amistad me dio ese título".
Ellington tenía una personalidad bien particular y era muy supersticioso: No le gustaban colores como el amarillo, no regalaba ni recibía zapatos porque el receptor podía irse y no volver; temía las ventiscas y mantenía las ventanas cerradas, tenía miedo de los aviones y sólo los tomaba cuando no había otra opción; no podías entrar a su camerino comiendo maní o algo parecido ni podías silbar; no usaba un traje si se le caía un botón, no tenía reloj pero todo el tiempo quería saber qué hora era; no botaba de su orquesta a ningún músico, sino que le hacía la vida imposible o contrataba a alguien que tocara el mismo instrumento -pero mejor- y se lo ponía al lado.
Uno de sus saxofonistas tenor estrella: Paul Gonsalves, tenía problemas con el alcohol y las drogas, mas Ellington lo defendía. En una ocasión dormía, ya venía su solo en "Take the A train" y lo despertaron. Gonsalves medio dormido marchó al frente de la tarima en la que el violinista Ray Nance acababa de intervenir y la audiencia aplaudía. En ese momento fue cuando realmente despertó y pensó que la ovación era para él y que ya había hecho el solo, por lo que – sin hacerlo – regresó a su asiento.
A otro saxofonista: Charlie Parker, le pusieron el apodo "Bird" (pájaro) después de que el carro en el que iba atropelló a una gallina. Le dijo al chofer que regresara para buscarla y comérsela.
Parker no asistía a los ensayos, se aparecía dos o tres minutos antes de la función, le echaba una ojeada a sus partituras y cuando subía el telón ahí estaba tocando el tema como si le perteneciera, incluso incorporando nuevas ideas.
Gregorio Montiel Cupello / Caracas

NOVEDADES y SUGERENCIAS 1

2011-02-26T10:57:00.002-02:00

Marcos Amorim Trío
Portraits
Adventure-music Records
2010
El guitarrista brasileño Marcos Amorim, creció en una musical familia en Río de Janeiro, donde su padre solía invitar a músicos para hacer jam sessions y con quienes, a menudo, Marcos se encontraba en las primeras horas de la mañana.
Amorim comenzó sus estudios formales cuando tenía 14 años y estaba tocando, aún adolescente, con algunos de los principales músicos de su país. "Retratos" es su segundo trabajo con el bajista Jorge Albuquerque y el baterista Rafael Barata y, su cuarto disco lanzado en los EE.UU. Los tres músicos tienen una amplia experiencia con otros músicos de jazz brasileño, incluyendo a Mario Adnet, Ivan Lins y Néstor Torres.
Al igual que en Paisajes (Landscapes) – anterior trabajo con este trío – uno de los grandes placeres de Retratos (Portraits) es que nos permite escuchar la habilidad impresionante de los músicos, trabajando como si fuesen una unidad. Las líneas del bajo de Albuquerque son ondulantes pero potentes, interactuando perfectamente con la guitarra de Amorim, y sus solos bien construidos y completamente formados. Barata es un baterista muy calificado, con un trabajo hábil y sutil.
Incluso, con el alto nivel de sofisticación musical y habilidad exhibido en el disco, ellos no hacen una demostración de destreza técnica fuera de lugar o sin sentido.
Los músicos reaccionan intuitivamente entre sí, al crear pasajes de música intrincada, aunque alegre y audaz en sus planteos improvisatorios.
La influencia de la música de Brasil y su cultura impregna el disco. Sin embargo, también hay una fuerte influencia del jazz estadounidense contemporáneo, particularmente del trabajo del guitarrista Pat Metheny. Marcos Amorim escribió siete de las diez canciones en el álbum y Jorge Albuquerqe contribuyó con las tres restantes, esto nos habla a las claras de la naturaleza colaborativa de este trabajo.
Haciendo mi consabido ejercicio – consecuente eso sí – de vanamente poder resumir, en una síntesis objetiva, la obra en solo tres de sus temas, inicio por destacar la pieza Nº 1 “Ribeirinha” que nos trae aires bahianos y nos pasea por sus colores, luego creo que el tema “Bantu”, el track 6, por ser el más rítmicamente abierto y contemporáneo y cierro, con el tema Nº 7, “Leblón” con toda la clase armónica y melódica de la escuela compositiva de Jobim. (JR)
Referencias:
Joseph Taylor / goodsound.com

NOVEDADES y SUGERENCIAS 2

2011-02-26T10:50:00.003-02:00

Chris Donnelly
Solo
Alma Records
2010
"... Uno de los secretos mejor guardados de Canadá."
All About Jazz
Chris Donnelly es un pianista de talento sin límites, de técnica sublime y un impulso para adornar el sonido de la música. Como un artista que parece creer que el arte del piano es su verdadera vocación. A pesar de que ha tocado en vivo en una serie de presentaciones con un amplio grupo de hombres mayores en las escenas de jazz de Canadá, ha logrado mantenerse enfocado en su santo grial: piano solo. El resultado es este disco es fino y memorable, con siete composiciones originales brillantes y cuatro interpretaciones totalmente originales de las canciones clásicas de músicos legendarios del jazz.
Hay algo de brillantez real, hay un equilibrio sano de lirismo, la introspección, el fuego, el swing, la sorpresa y el virtuosismo. Hay un sentido real de la visión, una voz bien formada, (y) una determinación audibles para hacer frente a los elementos tradicionales de el lenguaje del jazz piano de una manera muy personal.
Chris Donnelly representa una nueva generación de pianistas de jazz, compositores e improvisadores que están participando en crear proyectos, dedicados a entretener y educar. Chris, es permanentemente elogiado por sus virtuosas interpretaciones, su flexibilidad, su musicalidad y su capacidad de cautivar a las audiencias.
Chris es actualmente profesor en la Universidad de Toronto y ha trabajado como docente en el Humber College Comunidad Escuela de Música, Prairielands Jazz Camp y el National Music Camp de Canadá.
"La gente piensa que la elección lógica sería comenzar con un trío o cuarteto, o algún tipo de banda", dice el músico de 25 años de edad, cuando en realidad, solo tenía que rediseñar algunos de los originales para adaptarlos al contexto del álbum en solitario. "Sólo toco lo que siento y con lo que me sienta cómodo. En Piano solo, es donde me conecto mejor con el piano y me parece que es la forma en que tengo una conexión mucho más fuerte con los oyentes."
Voy ahora a arriesgar tres opiniones, en tres temas de los once que componen el CD, para con esto, supuestamente, resumir el concepto general del trabajo…Bien, creo que la pieza “Very Early” (Bill Evans) con el Nº 1, es el lógico comienzo, pues permite conocer el camino a recorrer por Chris. Continúo con el track 4 “Hallucinations” (Bud Powell) ratificando el criterio bien usado en una interpretación impecable y finalizo con “Song in B Minor-Faure”, el corte Nª10, de la autoría de Donnelly, introspectivo y preciosista. Para serle muy sincero, no me haga caso…e, intente, pruebe, a experimentarlo Ud. mismo, vale la pena (JR)
Referencias:
Raúl D'gama Rose / allaboutjazz.com
Ashante Infantería / thestar.com
Dave Restivo
greatconcerts.com

NOVEDADES y SUGERENCIAS 3

2011-02-26T10:40:00.005-02:00

Mike Marshall
An Adventure
Adventure-music Records
2010
Mike Marshall es un mandolinista, multi-instrumentista norteamericano, un erudito, el típico virtuoso que le dobla la moral a cualquiera. Ha formado parte las "nuevas músicas acústicas" desde principios de los 80. Nace en 1960 en Florida, en donde pasa su infancia. Actualmente vive en Oakland, California. Uno de los trabajos más exóticos se titula Serenata, grabado a dúo con el pianista Jovino Santos Neto en el que interpretan composiciones de Hermeto Pascoal, Acto seguido decide fundar el grupo "Choro Famoso" (2005)
En 2005 grabará nuevamente un album con Psycograss titulado "Now Hear This" y volverá a unir su camino al de Darol Anger para grabar "Woodshop" (2007) y "Mike Marshall & Darol Anger with Väsen" (2007). En 2006 realiza una más que interesante grabación junto a Hamilton de Holanda, titulada "Novas palavras"
Mike Marshall ha publicado “An Adventure”, una grabación realizada con temas previamente publicados en Adventure-music Records, un exitoso sello que él co-fundó con Richard Zirinsky Jr. Para el intrépido explorador musical Mike Marshall, la mandolina es mucho más que un vehículo para la auto-expresión.
El diminuto instrumento de ocho cuerdas (y su hermano mayor, el Mandocello) es un pasaporte para las aventuras musicales lejanas, en Escandinavia y los Apalaches en América del Sur y el Área de la Bahía. Cualquier cosa menos un turista, Marshall profundiza allí donde se detiene, forjando relaciones y transformado a sus colaboradores.
Una selección de las canciones publicadas en Adventure-music Records, el sello del que fue co-fundador junto a Richard Zirinsky Jr., esta antología es una especie de cuaderno de viaje y, documenta diversas estancias de Marshall con viejos y nuevos amigos en los últimos 15 años, al tiempo que exhibe su don sobrenatural para escribir melodías vivas, cautivadoras.
17 temas bien seleccionados. Sin duda una buena oportunidad para aquellos que no han podido acceder a toda su discografía. Aquí pueden tener un panorama, una idea general pero, muy clara de la propuesta y el trabajo de Mike Marshall. Técnicamente irreprochable, el CD satisface totalmente. Así que, me lanzo al agua y, separo tres temas que, definan, el total de la propuesta. Me inclino para comenzar por el track Nº 4 “Borealis” (Woodshop, 2008) una feliz concepción contemporánea que despierta la imaginación. También aparto, la pieza 10 en el orden, “Stroll of de Mug Bug” (Psychograss, 2005), jazz manouche fino y delicado, que afirma lo ecléctico de su performance y, finalizo comprobando su afinidad con todo lo brasileño, influencia que es una constante en los trabajos de Mike, destacando el corte Nº 16, “Um a Zero” (Brazil Duets, 2005), con Andy Narell al piano, buen gusto a raudales en la ejecución y en la escogencia del repertorio. (JR)
Referencias:
www.amazon.com
Abraham Fernández / vigofolk

TAMBIEN HEMOS RECIBIDO:

2011-02-26T10:35:00.004-02:00

Bernal-Eckroth-Ennis / La voz de tres
Jovino Santos Neto / Veja o som / See the sound
Mario Romano Quartet / Valentina
Joey DeFrancesco-Botos-Rezza-Dwyer / One Take Volume Four
Unidad Orquestal Mínima / Canción de amor
Amy London / Let's fly
Discos los cuales, estaremos oportunamente revisando y comentando para Uds., en nuestras próximas ediciones.

Estimados amigos de “En Clave de Jazz”:
En nuestro deseo y afán por contribuir, por colaborar a la mejor difusión, a la mayor promoción de todas las actividades y proyectos que se realizan en el género, les solicitamos tener en cuenta lo siguiente:
Actualizamos quincenalmente: (cada 15 días, una nueva edición)
A los músicos y profesionales, casas discográficas o productores, que deseen hacernos llegar - con la debida anticipación - sus trabajos y noticias, con mucho gusto las recibiremos y, las incluiremos en las secciones correspondientes.
Reseñas y Notas: Se agradece enviar el texto editado en formato y fuentes usuales; evitando en lo posible el uso de redacción en "sólo Mayúsculas" (excluyente) y, las fotos adjuntas, deben venir adaptadas para su uso en la web.
E-mail: jorgerochac@gmail.com
Eventualmente con copia a: uru_ven@yahoo.com
CD’s, Libros, Otros: Si en lugar de noticias son grabaciones, material de difusión etc., por favor hacerlo a la dirección de correo postal aquí indicada. Recibirán -como siempre- la necesaria y adecuada cobertura en la sección de reseñas discográficas o, donde concierna en "En Clave de Jazz" (Web-magazine y también, en la edición Radio).
Dirección: Avenida Del Libertador 1708, Apto. 1304, Montevideo 11800, Uruguay.

Muchas gracias.
Jorge Rocha

Jazz de Acá: ACTIVIDAD LOCAL

2011-01-09T21:41:00.001-02:00

‘‘El jazz, como muchas otras artes se explica a sí mismo, y sólo la experiencia de su audición permite comprenderlo’’.

LAS ACTIVIDADES PASADAS:
Y, se fue el 2010. Oportuno es el momento para saludar a todos aquellos que, por distintas razones no pude hacerlo personalmente pero, muy especialmente a todos Uds., quienes con su constancia y presencia hacen que, el renovar el compromiso de este encuentro, sea siempre algo grato de hacerse. Muchísimas gracias y, el deseo de que este 2011 que ya va en su primera semana, sea provechoso, lleno de satisfacciones y con mucha música para compartir. Nosotros seguimos en la brega…pero, como saben, en esta ciudad, lo que prácticamente es decir: en este País, las cosas – al menos en el plano musical que nos ocupa – no “arrancan” (en serio) sino hasta fines de Abril…ojalá esto vaya cambiando…es hora. De nosotros depende.

PROXIMAS OCURRENCIAS (Quién, Dónde, Cuándo?):
Festival Internacional de Jazz de Punta del Este. Del miércoles 5 al 9 domingo se realizará en la finca El Sosiego de Punta Ballena la décimo quinta edición del Festival Internacional de Jazz. Estarán presente: Paquito D'Rivera, Lewis Nash, George Cables, Peter Washington, Jimmy Green, Claudio Roditi, Diego Urcola, David Feldman, Reuben Rogers, Gran Stewart, Xavier Davies, Joca Perpignan, Jeremy Pelt, Greg Hutchinson, Popo Romano, Cibele, Walther Castro, Pipi Piazzolla, Trío Corrente. Información: http://www.festival.com.uy/. Finca El Sosiego, Punta Ballena - Punta del Este, Uruguay. Club de Jazz & Restaurante Medio y Medio. Leon Gieco, Jaime Ross, Hermeto Pascoal & Aline Morena, Leny Andrade, Tributo: Piazzolla x Piazzolla, Tributo: Leguizamon x Klein, David Lebón, Pedro Aznar, Fattoruso-Maza-Amuedo-Fattoruso, Luis Salinas, Diane Denoir, Vitor Ramil, Liliana Herrero, Fernando Cabrera, Ruben Rada, informes: http://www.medioymedio.com/. Camino Lussich, 3 s/n, Portezuelo. Punta Ballena, Uruguay. Jazz a la calle 2011. Quinto Encuentro Internacional de Músicos del 8 al 16 de enero de 2011: Sábado 8: Cuarteto Cosmos (Uruguay), Jerónimo Santillán Cuarteto (Argentina), Federico Arreseygor Trío (Argentina), Sofía Ribeiro grupo (Portugal-Colombia-Argentina), Waldo Madera’s Quartet (EEUU-Argentina). Domingo 9: Hierbacana Trío (Argentina), Nagger-Burgos-Clark (Argentina), Edu Martins grupo (Brasil), Fundamental (Uruguay). Lunes 10: Maxi Labadie Cuarteto (Mercedes-Uruguay), Anabella Viera-Alberto Magnone (Uruguay), Flavio Romero Grupo (Argentina), Oscar González grupo (México-Uruguay). Martes 11: Guay Dúo (Argentina), Sebastián Zanetto grupo (Argentina), Críos de la Plata (Uruguay-Argentina), Dani Gurgel + 3 (Sao Paulo-Brasil). Miércoles 12: La Tría (Uruguay), La Saraza (Argentina), QuebraPedra (Brasil), Jorge Torrecillas Noneto (Argentina). Jueves 13: MB Grupo (Argentina), Angelo Primon Grupo (Brasil-Uruguay), Alfonso Santini Grupo (Uruguay-Argentina), Associaçao Livre (Brasil). Viernes 14: Tapones de Punta Brass Band (Argentina), Manuel Ochoa Quinteto (Argentina), Carlos Quintana Quinteto (Uruguay), Mónico Aguilera grupo (Uruguay), Ana Paula da Silva (Brasil). Sábado 15: Juan Pablo Chapital Grupo (Uruguay), Arlequín Trío (Argentina), Rodrigo Ratier Quinteto (Chile), Wonderboy Groovin’ Band (Argentina), Banda Hermética (Argentina). Domingo 16: Eduardo Pinto Ensemble (Argentina), Joana Queiroz Cuarteto (Brasil), La Big Band de “Jazz a la Calle. Ciudad de Mercedes, Soriano, Uruguay.

LA ESPERANZA, ES UN RIESGO QUE TENEMOS QUE CORRER:
El jazz de Punta. Como todos los años, la temporada estival, veraniega y de vacaciones, traslada o convoca a sus actividades musicales, especialmente del Jazz y sus conexos, al Este del País, donde toda la “movida cultural” dicen, tiene lugar. No voy a caer en la tentación –aunque ganas no me faltan – de “criticar” los carteles y formatos anunciados…porque como siempre ha sido mi prédica, después de todo, lo importante es que estos encuentros, estos festivales se hagan, que se realicen. Un “salú” por el Nano. Por estas fechas, sin poder evitar las nostalgias, quiero recordar al gran hombre de radio y comunicador, un amigo: Nano Herrera, quien decidió ir a cubrir celestiales eventos. Nano, era una persona muy especial, y todos los años, por esta fecha venía de su Argentina natal para Uruguay, a Punta Ballena para descansar y cubrir los espectáculos de la temporada. Con su proverbial “grandeza” y gentileza, muchas veces sabedor de mi imposibilidad (financiera) como “independiente” de cubrir estos espectáculos, él escribía y preparaba las reseñas que luego me hacía llegar. Ojalá que aquellos que tuvieron en él, un gran propulsor y promotor, no lo olviden y de alguna manera, le hagan un merecido homenaje. Donde sea que estés Nano: Salú!!! y que viva la música. (JR)

En Clave de Jazz-Radio por Magoya 90.5 FM desde Maldonado, Uruguay. En Clave de Jazz-Radio, "El Jazz y, la Nuevas Tendencias", la edición Radio de este Web-magazine, programa creado y conducido por Jorge Rocha, con el apoyo de los comunicadores Walter Álvarez y Carlos Peláez, se transmite, en su 4º año consecutivo, localmente desde Maldonado en Uruguay. Las propuestas, proyectos de una gran cantidad de músicos de las tres Américas (y no solo continentales) nuevos, desconocidos, conocidos, noveles y famosos, todos, reunidos para honrar la música, la diversidad cultural y, ser difundidos y mostrados en un marco de integración y conocimiento. El encuentro es, todos los sábados, de 19:00 a 21:00 horas por Magoya 90.5 FM.

LO DIJO:
Ricardo Montelongo: “El jazz de hoy tiene que ponerse las pilas, hay que hacer algo pensando en el público. Los jazzistas (particularmente algunos que presumen de serlo) creen que pueden llegar a una sala habiendo trabajado poco, lanzándose media hora de solos y que a la gente le va a gustar. La gente quiere escuchar música, y no solamente solos...”

Foto: Logo “Jazz de Acá” (JR)

MUNDO BREVE

2011-01-09T21:30:00.012-02:00

Rumbo al sexto aniversario. En Clave de Jazz-Radio, "El Jazz y, la Nuevas Tendencias" – la edición Radio de este Web-magazine – se transmite, desde República Dominicana, para toda la isla y áreas del Caribe, asimismo, a todo el mundo por Internet. Un recorrido por la diversidad de las músicas americanas folklóricas y tradicionales, expresiones locales, regionales, el sincretismo musical. Sus influencias como su fusión y mezcla, con la libertad que provee el manejo de los elementos y conceptos del jazz contemporáneo. Creado y conducido por Jorge Rocha, cuenta con la producción de Alexis Méndez en Santo Domingo. Finalizando ya su 5º año, va todos los domingos: de 12:00 m.; a 2:00 pm (hora de RD, -4:00 GTM) por 96.1 Quisqueya FM y, en la Red: http://www.compasillo.com/ (Clic en: Audio) y también en: http://www.certvdominicana.com/

DISPONIBLE: Programa 128.

Música Maestro. Este espacio, dedicado a la difusión de la música caribeña, entra en su noveno año de transmisión ininterrumpida. El espacio ha logrado consolidarse, no solo como programa de radio, sino como proyecto de difusión y estudio de las diferentes músicas del Caribe. El programa Música Maestro, se transmite todos los domingos de 3:00 a 5:00 (hora dominicana) por Quisqueya FM (96.1) Escúchalo, busca http://www.compasillo.com/ entra en: Audio. También en la Red por: http://www.certvdominicana.com/ Música Maestro es producido y conducido por José Federico, Julio Virdes y Alexis Méndez. Recuerda que Música Maestro es asunto del Caribe. http://musicamaestrord.blogspot.com/

Maysa Matarazzo y la bossa nova

2011-01-09T21:24:00.001-02:00

Aunque la Matarazzo fue algo más que el bossa. De hecho, la cantante brasileña (Sao Paulo, 1936-1977) podría postularse perfectamente como gestora inicial del género tanto como el que más: Río de Janeiro, año 1958, al tiempo que Joao Gilberto debuta con su “Chega de saudade”, la Matarazzo publica “Ouça”, arrebatada torch song ribeteada del bossa ambiental que se respira y que la lanza sobre una vertiginosa carrera que por si sola, músicas aparte, podría explicar el libro de estilo modelo diva atormentada de los años 50. Desde su matrimonio a los 18 años con el millonario Matarazzo que le doblaba la edad y del que tomaría el apellido, hasta su muerte en accidente de coche conducido por ella misma a los 40 años de edad, su vida jamás se libraría del escándalo personal.
A bordo a menudo de una espiral de alcohol, anfetas y anorexígenos, sin darse apenas cuenta, Maysa, de pronto, se encontró convertida en algo así como un “sex symbol” latino. De peligrosa mirada ojos verdes y formas ligeramente neumáticas, siempre con problemas de sobrepeso pero dotada de una atractiva fragilidad, su concepción personal de la bossa y del samba fue macerando hasta dar con una explosiva mezcla de canción/bossa que igual bebía de las voces negras del jazz, que de las grandes voces europeas y sudamericanas de la canción o del bolero. Bajo su influjo, una rara intensidad pareció cubrir esa supuesta e irresistible levedad del bossa. Ése sería el cóctel Maysa, y aún más cuando llegando a cantar en inglés, español, francés o italiano (según el amorío de turno) se involucraba con músicas locales del país al que llegaba. En una de éstas, a mitad de los 60, apareció por Madrid con novio español.
En España era una perfecta desconocida, quizás aún lo sea, porque hasta entonces únicamente había aparecido por aquí un extended-play bajo sello Philips de su etapa más jazzy grabada en los Estados Unidos (1960). El disco, eufóricamente titulado La voz más expresiva del mundo, venía presidido por dos inmaculadas versiones del “You better go now” de Billie Holiday y del “Ne me quitte pas” de Jacques Brel, que a la postre iba a ser su más recordado trabajo fuera del Brasil, y que Almodóvar incluiría en la banda sonora de La ley del deseo (1986), de cualquier forma una perfecta desconocida en aquellos días. Enseguida contactó con la escena jazz local y Juan Carlos Calderón con el que proyectaría trabajos que apenas se concretaron en un exquisito single RCA del año 68, con una canción inédita de Luís Eduardo Aute, “Pálida Ausencia”, y una pimpante toma del “Reza” de Edu Lobo igualmente memorable. Aún apuraría la estancia hispana participando en la banda sonora de la oscura coproducción hispano-italiana Go-Go (Giuliano Montaldo, 68) rodada en Barcelona con Janet Leigh y Klaus Kinski y en la que daba lustre a tres cortes de Ennio Morricone.
Acto seguido apareció por aquí el disco que nos ocupa, extrañamente disperso en su mal conocida discografía internacional, y del que siempre hubo dudas acerca de si llegó o no a grabarlo en este país. Me inclino que no por la pureza de sus arreglos y del elegíaco tono brasileiro de producción, de cualquier forma, venga de donde venga, un tiro directo a los sentimientos que por entonces brindaba la intérprete en sus años de máxima creatividad. El desfile se abría con “Barquinho”, nueva toma mecida en clave swing de aquella su clásica bossa editada en el 58 (¿no creó ella el género, pues?), para continuar enseñándonos que se debe intentar mejorar incluso aquello que no se puede mejorar: Baden Powell (“O canto de Hosanna”), Castro-Neves (“Morrer de amor”), Edu Lobo (“As mesmas historias”), Vinicius de Moraes (“Berimbau”) … Y terminar obligadamente con una nueva sesión de brutal psicodrama personal sobre el eterno “Ne me quitte pas”, que justificaba el porqué muchos brasileños dieron en llamar a sus interpretaciones, en vez de bossa, canciones de fossa.
Vicente Fabuel / efeeme.com

Daniel Maza: música con historia y esencia

2011-01-09T21:17:00.002-02:00

Nació en el Barrio del Cerro, en Montevideo, Uruguay en 1959 con el nombre de Daniel Omar Correa Suárez, pero de chico le quedó el seudónimo Maza, debe su apodo a cierta modorra existencial. "Cuando yo era chico todos los gurises mal que mal hacían algún mandado. Yo era remolón. Me decían: Dale, mazacote negro, movete. De tanto mazacote me quedó Maza". Su primer contacto con la música fue una guitarra eléctrica que le regaló su madre. "Tocaba como podía. Todos los chicos éramos guitarristas en el barrio. Formé un grupo que se llamaba Piedra, que pasó a ser Stone Group. En la sede del club Rampla funcionaba un boliche, El Módulo Beat. Como yo jugaba ahí, podía entrar. En El Módulo Beat escuché por primera vez a El Kinto, con Eduardo Mateo y Rubén Rada".
Criado en una familia de músicos, empezó a tocar la guitarra y otros instrumentos desde muy temprana edad.
1979, año en que llega a la Argentina, empieza a trabajar en el Papagayo lugar en el que alterna con músicos importantes de este país. Rápidamente es convocado por otras figuras para trabajar, como el grupo de música brasilera Sanbatuke, Horacio Fontova, Valeria Lynch, Luis Salinas reconocido guitarrista de fama mundial.
Con este ultimo realizo giras alrededor del mundo, consecuencia de esto es que lo empiezan a convocar artistas internacionales tales como, Celia Cruz con quien también realizo varias giras, Willy Chirino, Tata Guines y Changuito, percusionistas cubanos de reconocida fama mundial, tocando en varios festivales de jazz de diferentes países. También incursiona con el gran artista brasilero Djavan.
Daniel Maza es uno de los bajistas de culto en el ambiente del jazz y la música popular rioplatense.
Daniel, debutó discográficamente en el 2003 con “Música Destilada”, su primer disco solista junto a Osvaldo Fattoruso en batería y Abel Rogantini en piano. El disco obtiene excelentes críticas tanto de la prensa como de los músicos en general. Le sucedieron “Vamo’ Arriba” y “Al Contado”. Ahora llegó el turno de su cuarta producción discográfica como líder, “De feria”, recientemente editado en la Argentina por el sello Los Años Luz.
Desde su título "De feria", el bajista uruguayo Daniel Maza define la impronta de este disco. Latin jazz, bolero, porro, ritmos africanos, pop y otros géneros son atravesados por el candombe y destilan una música con personalidad propia que remiten a su historia y esencia. Da cuenta también de ello un delicado recuerdo de su infancia: el tema "Si la vida", cantado por su madre. Este trabajo, con siete los temas cantados, profundiza el camino ya iniciado en sus trabajos anteriores.

Mujeres en el Jazz

2011-01-09T20:46:00.001-02:00

…Jazz para luchar contra la violencia de género.
Si nos paramos a escuchar la letra de algunos grandes clásicos de jazz de los 50, podemos establecer un denominador común: Todas ellas describen o reivindican la situación de la mujer en aquellos años en los que la igualdad entre hombres y mujeres era casi una utopía. Medio siglo después, tristemente, la situación no es mucho más alentadora, porque lo que escuchamos en canciones como “I’m a woman (soy una mujer)”, “Ain’t nobody’s business (lo que haga no es asunto de nadie)” o “(Mama) He treats your daughter mean (Mamá, este hombre trata mal a tu hija)”, podría ser pronunciado por una de las muchas mujeres que, actualmente, sufren la violencia de género en muchos países.
Todas estas canciones que fueron popularizadas por las grandes divas del soul, pueden escucharse en voz de Natalia Farrán como parte del disco “Mujeres en el Jazz”, un proyecto puesto en marcha por la Fundación Orquesta Nacional de Jazz, Paradores de Turismo y la Federación de Mujeres Progresistas, que pretende luchar contra la violencia de género.
El disco, que se ha presentado el pasado mes de Julio en el Teatro Lara de Madrid, ha contado con la presencia de Ramón Farrán (Presidente de la Fundación Orquesta Nacional de Jazz), Miguel Martínez (Presidente de Paradores de Turismo) y Yolanda Besteiro (Presidenta de la Federación de Mujeres Progresistas), que ha declarado que la música es una de las maneras “más idóneas” para transmitir un mensaje claro a las mujeres que sufren de que “toda la sociedad está para ayudarlas sin ser testigos mudos”. “El camino hacia la igualdad es imparable, y pronto vamos a conseguir erradicar esta lacra social”, ha concluido.
En el disco podremos escuchar, junto a las versiones de los clásicos – todas interpretadas en inglés por Natalia Farrán – temas compuestos por la Orquesta Nacional de Jazz para ser incluidos en este proyecto, cuyos beneficios se destinarán a campañas de sensibilización en favor de la igualdad.
(lmept.blogspot.com)

Aziza Mustafa Zadeh: emotiva y sentimental

2011-01-09T20:41:00.001-02:00

Aziza Mustafa Zadeh nació en Baku (Azerbaijan) en el seno de una familia de músicos. Su padre, Vagif Mustafa Zadeh, pianista y compositor, alcanzó reconocimiento por fusionar el jazz con el mugam (música tradicional de Azerbaijan). Su madre, Eliza Mustafa Zadeh, era una cantante clásica de Georgia.
La primera aparición pública de Aziza fue con tres años en un concierto de su padre, improvisando vocalmente. Sin embargo sería a través del piano por lo que Aziza comenzaría de despuntar. A pesar de tener una formación clásica con este instrumento, pronto advirtió que tenía un don para la improvisación. A los 17 años ganó el Premio Thelonious Monk en Whasington D.C. En 1991 publicó su primer disco, llamado simplemente Aziza Mustafa Zadeh. A estos han seguido, Dance of Fire, Always, Jazziza y Contrasts, entro otros.

Es reconocida internacionalmente y ha recibido numerosos premios en Alemania y Europa, como una artista, compositora, pianista y cantante inclasificable, a través de la que se pueden percibir influencias del mugam de su país natal, de standards de jazz, de Chopin o Bach, sin por ello perder el rasgo genuino que ella imprime a la fusión de todos estos.
Considerada como una de las dos grandes pianistas de jazz del continente asiático, está dotada de un gran virtuosismo, su música es emotiva y sentimental, sin por ello renunciar a sus raíces. Una cualidad que destaca cuando canta en scat, a gran velocidad, tradicional en su tierra.
En 1994 ganó el premio de la Academia de Música de Alemania y ha grabado, entre otros, seis discos, Dance of fire, Seventh truth, Jazziza, Inspiration-colors & relection, Shamans y el más reciente, Contrast, publicado este mismo año.

La Polillazzera: Africanismo del Jazz (6)

2011-01-09T20:34:00.002-02:00

Con mucha frecuencia, en la bibliografía de distintas publicaciones se observan nombres y autores que, además de repetirse y reiterarse como fuente de información en innumerables ediciones, estas obras – debido a la época en que fueron escritas – están prácticamente “desaparecidas” en nuestros días. Cuando por azar o por una eventualidad se tropieza con uno de estos raros ejemplares, la Polilla Jazzera que uno lleva por dentro, sabe que el “alimento” en estos casos consiste en conservar ese material y, dado la importancia del tratamiento procurado al tema desde la perspectiva histórica, la conveniencia de revisitarlo y compartirlo. De eso se trata. Otra mirada, a partir de aquella mirada. (JR)
Continuación…Ahora bien, así como muchos periodistas han hablado, sin fundamento alguno, acerca del africanismo del “jazz”, no pocos estudiosos, etnógrafos y viajeros que visitaron el continente negro se han colocado en el polo opuesto por completo.
En su último libro sobre el “jazz”, Jean Béline, más conocido por el seudónimo de André Coeuroy, ha dicho: “El “jazz” no es un arte negro”. Sin embargo, años antes, en otro trabajo, el mismo crítico no vaciló en estampar esta afirmación: “El negro africano inventó todos los elementos del “jazz”. Y aseveraciones similares asentó en otra de sus obras, escrita en colaboración con el musicógrafo André Shaeffner.
Maurice Delafosse, ex gobernador del Sudán y africanista sagaz, que se muestra tan atinado y racional en su enfoque de otros aspectos del negrismo, refiriéndose a la música del Africa manifiesta: “Cuando en Francia se habla de música negra, todo el mundo evoca de inmediato los endemoniados y un tanto cacofónicos acordes del “jazz”. Ahora bien, nada hay menos parecido a la música negra, o cuando menos a la música negra del Africa, que la música del “jazz band”. No sabemos de dónde es originaria ésta, pero, sin duda no lo es del continente negro. En realidad por el sonido de ciertos instrumentos que usa y por la notable precisión con que rima los pasos de los bailarines, puede recordar en cierto modo, las orquestas de tambores, carracas, varillas de hierro golpeadas una contra otra, bocinas y olifantes, a los cuales dan los europeos el significativo nombre de batintines, y que, tanto bajo el sol como bajo la luna, acompañados de palmadas y gritos, acompasan y excitan las danzas y los zarandeos de los negros y las negras. Pero el batintín no es música, no es sino un instrumento de danza y, bien pensado, no otra cosa es el “jazz band” que, sin duda por eso se han permitido asimilarlo al batintín de los negros”.
En su obra publicada en 1929, Stephen Chauvet rebate la africanía del “jazz”, en términos similares a los de Delafosse: “Nada hay menos específicamente negro y nada menos parecido a la verdadera música negra, me dicho, a la música del Africa, que el “jazz”.
No obstante, el mencionado estudioso afirma que “es frecuente el empleo de la síncopa y el golpeteo de las manos en el tiempo débil” características ambas, sobre todo esta última, de la música afro-estadounidense en general y del “jazz” en particular.
Impugnando la ascendencia africana del “jazz”, a favor de un origen judío, el compositor británico Constant Lambert ha expresado: “Si alguien duda de los elementos esenciales de estilización europea del “jazz”, le resulta muy simple comparar una pieza típica de este género, como Swampy river, de Duke Ellington, primero con una obra de Grieg y luego con un disco de música nativa africana. Deberá resultarle claro al oyente más prejuiciado que, aparte de algunas peculiaridades rítmicas, la obra de Ellington tiene más en común con la música de Grieg. No estoy negando ni por un momento, las características raciales implícitas en estas peculiaridades rítmicas; solo señalo que Ellington, como todos los compositores negros, tiene que emplear el marco armónico europeo. Las producciones de este pianista no constituyen mejores ejemplos de “folk songs” africanos que los poemas de James Weldon Johnson especímenes del dialecto del Dahomey; ambos representan la aplicación del temperamento negro a una tradición foránea y a un lenguaje adquirido”.
Puntualicemos, en primer término, que el “jazz” emplea intervalos que no existen en la armonía europea, como los representados por la tercera y la séptima disminuida en el acorde subdominante, llamadas “blue notes”. Luego, el compositor británico no hace mención al disco africano que sugiere comparar, ni la zona del Africa a la que pertenece. Esto último, en particular, es de suma trascendencia, pues, como hemos visto, la música africana es compleja y diversa.
Además, de las peculiaridades rítmicas a que alude Lambert, son muchos los detalles negros de la música sincopada que encuentran su paralelo en el lenguaje sonoro del Africa Occidental. (…)
No se trata de afirmar que el “jazz” sea puramente africano, lo cual resultaría absurdo, sino de establecer el grado de africanía que, sin la menor duda, posee. (Continúa)

Tomado de: “Estética del Jazz” de Néstor R. Ortiz Oderigo / Ricordi Americana, Buenos Aires, Argentina, 1951

Foto: James Weldon Johnson / 1943 Oil Painting by Laura Wheeler Waring / National Portrait Gallery / Smithsonian Institution

Jay Jay Johnson: la tercera corriente

2011-01-09T20:28:00.001-02:00

Jay Jay Johnson (1924-2001) es en la historia del jazz y en particular en la evolución del trombón, lo que Charlie Parker es al saxo alto, o Dizzy Gillespie a la trompeta. Todavía hoy, no ha nacido quien desde el punto de vista del estilo, haya aportado algo nuevo al idioma musical establecido por Johnson, hace ya más de medio siglo. Nació el 22 de enero de 1924 en Indianápolis (EE.UU), y su infancia transcurre sin sobresaltos y cuando cumple once años, sus padres lo inician en el estudio del piano. Tres años más tarde, en el instituto escucha los primeros discos de jazz y unos amigos le invitan a participar en la orquesta universitaria ocupando el puesto vacante del trombonista. Ya no abandonaría nunca su instrumento.
Con diecisiete años ya es profesional y obtiene su primer contrato con la banda de Clarence Love. En 1942 consigue progresar en su instrumento lo suficiente como para ser contratado en la orquesta del famoso salón "Snookum Russell" donde tiene como compañero al trompetista, Fats Navarro, del que se hace amigo y escuchan a menudo los discos de Lester Young y de Roy Eldridge, a los que Jay Jay considera sus primeras y definitivas influencias. Su siguiente trabajo fue con la big band del gran Benny Carter con el que se va de gira por California permaneciendo a su lado tres años, desde 1942 a 1945.
Una vez que deja a Benny Carter, se une por unos meses a la orquesta de Count Basie para trabajar a renglón seguido con el cuarteto de Bud Powell que actuaba a diario en el club "Spolite". Allí, Johnson deja asombrados a todos cuando se atreve a improvisar con una imaginación desbordante y una técnica impecable en un instrumento, el trombón, donde nadie lo hacía. Con el cuarteto de Powell más la incorporación del saxo alto, Cecil Payne, entrara por primera vez en un estudio para grabar una sesión a su nombre. Era 1946 y su primer disco titulado "Jay Jay Quintets" grabado para Savoy, es una joya musical que todos los trombonistas de la ciudad adquieren sin creer que aquel sonido y aquellas notas salgan de un trombón de varas.
La carrera de Johnson, se afianza con ese gran disco y en 1947 se une a la banda del saxo tenor, Illinois Jacquet con quien colabora hasta 1949. Deja a Jacquet y se une primero a Woody Herman y luego a Dizzy Gillespie con quien en 1951 se va de gira a Corea y Japón con el grupo liderado por el contrabajista, Oscar Pettiford. Así llega hasta 1954, el año del salto a la fama del trombonista cuando el sello Savoy le propone grabar un dúo de trombones. Ahí nacerá el dúo con Kai Winding que produce varios discos fantásticos. Se separan en 1956, pero volverán a juntarse ocasionalmente en 1958, 1961 y 1968. En 1970 se marcha a California para dedicarse de lleno a la composición de música para cine y TV.
Sigue grabando discos con cierta regularidad aunque deja las actuaciones en directo salvo una gira por Japón en 1984. Obtiene, año tras año, el primer puesto del referéndum de lectores de la prestigiosa revista "Down Beat" en su instrumento y estuvo en la cima del jazz.
Fue el primer trombonista en abrazar el bop y se mantuvo luego de forma ininterrumpida como una de las principales figuras del jazz posterior al swing, ejerciendo una importante influencia en otros músicos de jazz.
Johnson fue uno de los primeros músicos del jazz moderno que se hicieron famosos durante los años cuarenta y destacó especialmente como representante de la llamada tercera corriente, que fusionaba la música clásica con el jazz.
Johnson también grabó muchos discos como solista, y fue un acompañante de muchas grabaciones clásicas de jazz. Varias de sus composiciones, entre ellas "Wee Dot", "Lament", y "Enigma" son consideradas estándares del jazz.
En 1970 dejó de tocar en público, algo que mantendría durante 17 años hasta su retorno a finales de los ochenta. Desde mediados de los cincuenta, Johnson fue un perenne favorito en las encuestas de los círculos jazzísticos, obteniendo títulos como el de “Trombonist of the Year” de la revista Down Beat incluso en años en que no estuvo activo. Situado dentro del Hall of Fame de Down Beat en 1995, la carrera de J.J. Johnson se extendió a lo largo de 54 años, desde 1942 a 1996. En 2001 se suicidó, disparándose a sí mismo, tras haberse deteriorado su salud. (flups.net)

NOVEDADES y SUGERENCIAS 1

2011-01-09T20:22:00.002-02:00

Kristy
My Romance
Alma Records
2010
My Romance, marca la aparición de una nueva y brillante estrella en el jazz vocal, y nos anuncia el retorno del arte de contar una historia, a través de la sencilla belleza de la melodía.
En doce canciones cuidadosamente producidas, Kristy, parece habitar en las canciones, recorriéndolas lentamente, como si hubiera nacido para contar historias a través del canto, y con tal exactitud que la cantante se convierte en la canción en sí misma.
Kristy, es la hija del renombrado productor de Toronto, Peter Cardinali, y creció envuelta en la música que llenaba su casa. Se graduó con una licenciatura en Bellas Artes en la Universidad de York, donde estudió Historia del Jazz.
En My Romance, su disco debut, Kristy es capaz de crear una rica paleta de tonos y matices sutiles y de suave intensidad, en como ella nos (canta) nos dice, nos cuenta, historia tras historia.
En cada versión, en cada melodía, Kristy nos propone, insisto, pinceladas de colores sonoros que son logrados merced a su calidad vocal en perfecto ensamble con los exquisitos y logrados arreglos como, en la impecable instrumentación.
Si a Ud., le gusta por ejemplo Norah Jones o Casandra Wilson, ahora tiene una nueva y muy buena opción para probar y experimentar otras sensaciones. Kristy tiene un amplio y largo, como exitoso camino por recorrer, sin dudas y, ya escucharemos mucho más de ella. Por lo pronto absolutamente recomendado este “romance” con ella. Para resumir, si acaso fuese justo, en tres temas el concepto general de este trabajo, empiezo por señalar el track Nº 1 y que da nombre a la producción “My Romance”, que nos marca la excelencia en los arreglos, en la interpretación musical y vocal que, apreciaremos en el resto del disco, el “gancho” perfecto. Luego destaco (simple subjetividad) la pieza Nº 5 “It never entered my mind” inteligentemente resuelta en todos los sentidos. Y, culmino con el corte Nº 10, “Just one of those things”, rítmico y generoso para el lucimiento general. (JR)

NOVEDADES y SUGERENCIAS 2

2011-01-09T20:13:00.003-02:00

Benjamim Taubkin
Piano Masters Series Volumen 1
Adventure-music Records
2010
Alejándose del formato de trío que le valió elogios de la crítica por su versión 2009 (Trío + 1), el pianista brasileño Benjamim Taubkin inicia la aventura musical de Piano Masters Series con su más reciente grabación como solista. Realización de un repertorio que incluye obras originales, así como composiciones de Jobim, Coltrane, y Pixinguinha, Taubkin permite que el extraordinario talento que le valió elogios como "deliciosamente minimalista" (All Music Guide) vuelva brillar realmente en este su debut de la serie.
Músico con una larga experiencia en los escenarios brasileños e internacionales, referencia obligatoria en la música instrumental paulistana, Benjamín Taubkin presenta su más reciente trabajo – en piano solo – grabado por el en los Estados Unidos.
Como resultado, Benjamín alcanza una sonoridad que viene de su trayectoria con los grupos de los que forma parte – como la Orquestra Popular de Cámara, el colectivo América Contemporánea, Abaçaí, Moderna Tradiçao y el Trío + 1 – de fusión de elementos tradicionales y contemporáneos, y de la experiencia en Brasil, en América Latina y todo el mundo. Una traducción de su visión de la integralidad en la música y en la vida.
Aun en sus formas más sobresalientes, se trata en realidad, de un disco sumamente original, grabado personalmente en la mayoría de los casos. “Just a pianist, a grand piano, and a record button” (solo el pianista, el piano de cola y el botón de grabar) Los resultados son sobresalientes. Siempre metido en “camisa de once varas”, trataré de redondear en tres piezas, el concepto del disco. Para empezar desde el inicio el track 1 “Alrededor de las influencias”, porque marca y reúne los elementos de la idea y la musicalidad brasileña. Continúo con “Giant Steps” el tema 8, por la calidad del arreglo y la proverbial pianística de Taubkin. Cierro con la última pista del CD (11) “Caipira”, un compendio de buen gusto interpretativo. (JR)

NOVEDADES y SUGERENCIAS 3

2011-01-09T20:04:00.002-02:00

Pedro Bermúdez
No Limits
Luizama Music
2010
Pedro Bermúdez nació en Santurce, Puerto Rico en el año 1976. A la edad de 10 años comenzó a estudiar piano y percusión latina. Comenzó a tocar piano profesionalmente a la edad de 16 años y formó parte de las mejores orquestas de salsa de Puerto Rico y Nueva York.
Bermúdez, lanza su primera producción discográfica como artista principal y compositor, titulada “No Limits”, donde participan grandes figuras del jazz como el legendario bajista Eddie Gómez y, como invitados, el baterista brasileño Duduka da Fonseca, así como Ivan Renta, Vince Cherico, Richie Flores, Diego López, Carlos Maldonado, Cristian Rivera, Oscar Stagnaro, Ruben Rodríguez, Piro Rodríguez entre otros grandes músicos.
Nos parece un trabajo particularmente diferente, dentro del género o, mejor dicho dentro del estilo de interpretar o instrumentar el género el que, en algunas oportunidades pareciera estar realizado según una fórmula o estereotipo determinado.
Pedro Bermúdez en sus composiciones y en su propuesta muestra un sólido conocimiento y una conexión concreta con toda la música afro-cubana, los estilos brasileños, el Latin Jazz y el Jazz contemporáneo en general donde, con mucho respeto, va desenvolviendo sus texturas armónicas y rítmicas a lo largo de un trabajo entretenido como curioso. Como decía, el respeto y, la dedicación por el género y en su estilo se perciben constantemente en los arreglos y las interpretaciones consistentes y bien logradas. Por supuesto que, junto el excelente trabajo de Bermúdez en el piano, la composición y los arreglos, está el aporte invalorable de sus experimentados compañeros así, juntos, conforman un equipo notable y destacado tanto el lo individual como en lo grupal.
Para resumir en tres piezas, lo comentado anteriormente de este trabajo – cosa que es fácil decirla pero…bien complicado de hacerlo – me inclino de arranque por el tema Nº 3, “El jarriero” donde todos “caminan” cadenciosamente en sus aportes. Seguimos y aparece el track 6 de “Bombaiao”, excelente muestra compositiva y armónica para, culminar con la pieza “No limits” (11) y que le da nombre al trabajo, aquí se reúnen claramente todas las influencias de Bermúdez y en la que, se permite, dialogar libremente con el género. (JR)

TAMBIEN HEMOS RECIBIDO:

2010-11-12T20:08:00.007-02:00

Ricardo Nolé & Templando / Templando
Marcos Amorim Trío / Portraits
Chris Donnelly / Solo
Bernal-Eckroth-Ennis / La voz de tres
Jovino Santos Neto / Veja o som / See the sound
Mike Marshall / An adventure
Mario Romano Quartet / Valentina
Joey DeFrancesco-Botos-Rezza-Dwyer / One Take Volume Four
Unidad Orquestal Mínima / Canción de amor
Amy London / Let's fly
Discos los cuales, estaremos oportunamente revisando y comentando para Uds., en nuestras próximas ediciones.

Estimados amigos de “En Clave de Jazz”:
En nuestro deseo y afán por contribuir, por colaborar a la mejor difusión, a la mayor promoción de todas las actividades y proyectos que se realizan en el género, les solicitamos tener en cuenta lo siguiente:
Actualizamos quincenalmente: (cada 15 días, una nueva edición)
A los músicos y profesionales, casas discográficas o productores, que deseen hacernos llegar - con la debida anticipación - sus trabajos y noticias, con mucho gusto las recibiremos y, las incluiremos en las secciones correspondientes.
Reseñas y Notas: Se agradece enviar el texto editado en formato y fuentes usuales; evitando en lo posible el uso de redacción en "sólo Mayúsculas" (excluyente) y, las fotos adjuntas, deben venir adaptadas para su uso en la web.
E-mail: jorgerochac@gmail.com
Eventualmente con copia a: uru_ven@yahoo.com
CD’s, Libros, Otros: Si en lugar de noticias son grabaciones, material de difusión etc., por favor hacerlo a la dirección de correo postal aquí indicada. Recibirán -como siempre- la necesaria y adecuada cobertura en la sección de reseñas discográficas o, donde concierna en "En Clave de Jazz" (Web-magazine y también, en la edición Radio).
Dirección: Avenida Del Libertador 1708, Apto. 1304, Montevideo 11800, Uruguay.

Muchas gracias.
Jorge Rocha

MUNDO BREVE

2010-11-12T19:53:00.006-02:00

Transitando el quinquenio. En Clave de Jazz-Radio, "El Jazz y, la Nuevas Tendencias" – la edición Radio de este Web-magazine – se transmite, desde República Dominicana, para toda la isla y áreas del Caribe, asimismo, a todo el mundo por Internet. Un recorrido por la diversidad de las músicas americanas folklóricas y tradicionales, expresiones locales, regionales, el sincretismo musical. Sus influencias como su fusión y mezcla, con la libertad que provee el manejo de los elementos y conceptos del jazz contemporáneo. Creado y conducido por Jorge Rocha, cuenta con la producción de Alexis Méndez en Santo Domingo. Comenzado su 5º año, va todos los domingos: de 12:00 m.; a 2:00 pm (hora de RD, -4:00 GTM) por 96.1 Quisqueya FM y, en la Red: http://www.compasillo.com/ (Clic en: Audio) y también en: http://www.certvdominicana.com/

ESCUCHAR EL PROGRAMA AQUÍ: A la derecha de su pantalla, está a la disposición, una edición actual -aunque por obvias razones, de archivo - de EN CLAVE DE JAZZ-Radio, "El Jazz y, las Nuevas Tendencias", en su versión Internacional. Periódicamente colocamos para Uds., nuevas emisiones.
Disponible: Programa 126

Música Maestro. Este espacio, dedicado a la difusión de la música caribeña, entra en su noveno año de transmisión ininterrumpida. El espacio ha logrado consolidarse, no solo como programa de radio, sino como proyecto de difusión y estudio de las diferentes músicas del Caribe. El programa Música Maestro, se transmite todos los domingos de 3:00 a 5:00 (hora dominicana) por Quisqueya FM (96.1) Escúchalo, busca http://www.compasillo.com/ entra en: Audio. También en la Red por: http://www.certvdominicana.com/ Música Maestro es producido y conducido por José Federico, Julio Virdes y Alexis Méndez. Recuerda que Música Maestro es asunto del Caribe. http://musicamaestrord.blogspot.com/

Bossa Nova: La historia y las historias (4)

2010-11-12T19:45:00.001-02:00

(Continuación)… —Eres brasileño, Tom, eres perezoso.
Pocos pensaron que Chega de saudade fuese a estar en las tiendas de discos en la primavera de 1959. Las continuas reticencias de Gilberto, y sus formidables discusiones con Jobim, ralentizaban las grabaciones. Lo primero fue aquella sorprendente manía que soliviantó a los técnicos. Para grabar quería dos micrófonos: uno para él y otro para su guitarra. Nadie lo había pedido nunca. Sin embargo, durante el mes de febrero se grabaron casi dos tercios del disco final. ¿La razón? Las canciones que faltaban apenas tenían acompañamiento y, por tanto, João dejó de tener una orquesta con que armonizarse. En el texto que se puede leer en la funda de disco, Tom Jobim confesaba de una manera sutil y elegante los quebraderos de cabeza que los arreglos habían supuesto para que el guitarrista consiguiera estar cómodo en las canciones. “Cuando João Gilberto se acompaña, la guitarra es él. Cuando la orquesta lo acompaña, la orquesta también es él”.
Caetano Veloso, lo mismo que Gilberto Gil, Milton Nascimento, Edu Lobo o Chico Buarque, siempre dijeron recordar dónde estaban y qué estaban haciendo cuando la escucharon por primera vez. Primero en la voz de Elizabet Cardoso y, meses después, en la de João Gilberto. Ninguno quiso saber nada más. Todos supieron en aquel momento que cantar y tocar la guitarra era lo que querían hacer y a lo que iban a entregar sus vidas Lo que no sabían es que ellos presenciarían la extensión de la bossa nova hasta el último rincón del planeta.
—No se pueden cambiar las manchas del leopardo.
El señor Morris, presidente de la casa de discos Odeon, dijo aquello a Tom Jobim para comunicarle que Aloysio de Oliveira se incorporaba a la compañía como director artístico y que, por tanto, asumía muchas de las competencias que hasta ahora le habían tocado a él, lo que también afectaba a su salario. Pero aquella decisión, lejos de incomodarle, permitió a Jobim liberarse de lo que de verdad odiaba de aquel trabajo y centrarse en la parte que a él más le agradaba: escribir y componer sus propias canciones. No podía cambiarse lo que uno realmente era. Precisamente lo que quería decir el señor Morris.
Tom Jobim y Newton Mendonça solían juntarse en el apartamento de éste último para componer, revisar ideas que les guiaran en la creación de nuevas canciones. Una vez, apenas pudieron reprimir las carcajadas al recordar los viejos tiempos en que se veían obligados a tocar con cantantes que desafinaban constantemente. ¿Qué te parecería escribir una samba que, construida sobre una base disonante, pusiera en evidencia a quien quisiera cantarlo? Sería como intentar que afinaran lo desafinado. La idea les estimuló tanto que, en unas horas, la habían terminado. Aquella canción, que finalmente grabaría João Gilberto tras trece infinitas y exasperantes tomas, se llamó Desafinado.
Muchos de aquellos jóvenes universitarios que se convirtieron en seguidores incondicionales de aquella nueva forma de tocar y cantar, identificaban en ella una nueva etapa de un país que empezaba a dar muestras de querer ser el país del futuro. Fueron los años en que Lúcio Costa y Oscar Niemeyer decidieron transformar un llano desértico en la capital, Brasilia. Aquel proyecto megalómano sigue siendo hoy un lugar de culto para arquitectos de todo el mundo. Y cómo no, en 1958, el año de Chega de saudade, llama la atención en la Copa del Mundo de Fútbol, que se celebra en Suecia, un joven brasileño de 17 años llamado Edson Arantes do Nascimento, más conocido como Pelé. No es extraño que muchos dijeran que ese año no debería haberse acabado nunca.
La sombra de la bossa nova se sigue prolongando en la actualidad, con cantantes como Rosa Passos o Maria Bethânia. Un movimiento que se extendió cuando a Astrud Gilberto, la mujer de João, le dejaron cantar Garota de Ipanema en aquel estudio de Nueva York, con Getz, Gilberto y Jobim. La música estadounidense influyó en su creación y ahora era la bossa nova quien influiría en una amplia generación de músicos norteamericanos. Muchos de aquellos ritmos, saltos armónicos, formas de cantar susurrantes, los podemos advertir en parte de la música que se hace hoy.

Fuente: Bossa Nova. La historia y las historias, de Ruy Castro
Traducción de José Antonio Montano.
Turner, 2008, 535 pp.
Publicado en el nº 122 de Nueva Revista de Política, Cultura y Arte.

Foto: Newton Mendonça

Quique Azambuya, envuelve con jazz las piedras de Compostela

2010-11-12T19:42:00.002-02:00

El uruguayo Quique Azambuya, conocido como Jazzman, recibe desde hace 11 años a cuantos visitan Compostela con melodías de blues y jazz en la Plaza de Platerías donde, camuflado bajo su media negra y con un falso cigarro siempre encendido en los labios, inunda de música el casco histórico de esta ciudad Patrimonio de la Humanidad.
Llegué a la ciudad en octubre de 1997 para impartir un curso intensivo de su método armonía, composición y visualización para aprender a tocar la guitarra en la Escuela de Música. Tengo muchos amigos uruguayos que también son músicos y me consiguieron la posibilidad de dar clases. El músico está siempre revolviendo los sentimientos humanos, con su alternancia entre las melodías tristes y las melodías alegres.
¿Disfruta tocando en la calle?
Sí, porque la humanidad ha perdido el contacto entre las personas, sobre todo en las culturas occidentales en las que se ha impuesto la cultura del físico y del que dirán. Disfruto, porque gozo con las conversaciones con las personas, porque cuando más recibes es cuando menos esperas recibir.
Dicen que aquí llueve mucho ¿Se ha adaptado bien al clima?
En invierno procuro salir a tocar por las mañanas, para no tener frío en las manos. En esta época del año me dedico a las clases con mis alumnos y a ofrecer actuaciones con las formaciones de jazz a las que pertenezco, como Quique Azambuya trío.
En mis primeros años en la ciudad dejaba en invierno, pero ahora no puedo. Mi personaje, que surgió de forma accidental cuando me encontré sin trabajo, ha trascendido las fronteras gallegas. Hay gente que viene a Compostela y me busca. Así que tengo que sacar al negro, como suelo decir yo.
¿Se quedará en Compostela de manera definitiva?
Nunca sé cuánto tiempo voy a estar en algún lugar, estuve 12 años en Brasil y ahora estoy aquí desde hace 11. A veces, en medio de los planes que haces hay sitios que te atrapan y que se empapan de tu energía. De todos modos, nada es eterno y lo principal es seguir la intuición, lo que nos dicte el corazón.

Tomado de: Levante-EMV.com

Edward Simon: una voz compositiva propia

2010-11-12T19:36:00.001-02:00

Edward Simon nació en Punta Cardón, población costera situada en el occidente de Venezuela, donde creció en una familia de músicos, rodeado por los sonidos y los ritmos de la música latina y del Caribe. El talento que mostró desde muy joven, hizo que su padre lo enviara a seguir su formación en Estados Unidos, donde ganó becas para estudiar piano clásico en la University of the Arts, en Filadelfia, bajo la tutela de la concertista de piano Susan Starr, y jazz en el Manhattan School of Music, donde estudio con Harold Danko. En su adolescencia, mientras se formaba, Simon solía presentarse junto al guitarrista de Filadelfia Kevin Eubanks y el saxofonista Greg Osby.
Edward Simon está presente en el momento, la única forma de que un músico pueda expresarse: desde la autenticidad, según afirma él mismo. Después de permanecer quince años dando giras con bandas conducidas por Kevin Eubanks, Bobby Watson, Paquito D'Rivera y Terence Blanchard, el momento impulsa a Simon en una nueva dirección, la que mejor alimenta su propia voz.
Residenciado en la ciudad de New York desde 1989, se ha presentado junto a grandes maestros del jazz, incluyendo a Herbie Mann, Paquito D'Rivera, Bobby Hutcherson, Bobby Watson, Terence Blanchard, Jerry González y The Fort Apache Band, Arturo Sandoval, Many Oquendo y el Grupo Libre y Don Byron. Simon rápidamente descubrió que si quería utilizar el jazz como medio de expresión necesitaba sumergirse en esta tradición. Su participación como integrante del influyente grupo Horizon (1989-1994) de Bobby Watson y del Terence Blanchard Group (1994-2002), fue fundamental para completar sus años formativos. La experiencia de tocar con Paquito D'Rivera fue medular para despertar un nuevo interés en la música de su país natal.
Simon hizo su primera grabación como líder en 1994 (Beauty Within, Audioquest), dando origen al Edward Simon Trio. Ese mismo año, fue finalista del concurso Thelonious Monk International Jazz Piano Competition. Desde entonces, ha escrito extensamente para el trío, usándolo como plataforma para otros proyectos y desarrollando su propia voz compositiva. En 1995, Edward recibió su primera comisión y compuso Rumba Neurótica para el Relache Ensemble.
En reconocimiento de sus logros, Chamber Music America galardonó a Edward Simon con el New Works: Creation and Presentation y compuso su obra más reciente: Venezuelan Suite, destacando su trabajo excepcional en composición para jazz. Actualmente, ejerce como adjunto en The New School for Jazz & Contemporary Music en la ciudad de Nueva York.
Simon ha participado en más de cuarenta grabaciones, incluyendo varios álbumes nominados al Grammy, acompañando a grandes del jazz como Terence Blanchard, John Patitucci, Bobby Watson y Herbie Mann, entre otros, así como numerosas bandas sonoras. Como director de su grupo, ha producido ocho álbumes aclamados por la crítica, incluyendo dos menciones en el New York Times como entre los mejores diez álbumes del año (Top Ten Jazz Records of the Year): Edward Simon (Kokopelli, 1994) y Simplicitas (Criss Cross, 2005).
Hoy, Simon se mantiene ocupado escribiendo y dirigiendo su trío, Ensemble Venezuela, Afinidad –un cuarteto codirigido por su colaborador de largo tiempo, el saxofonista David Binney– y Simon, Simon & Simon, un proyecto junto a sus dos hermanos. Aunque puede ser considerado parte de una nueva generación de músicos “multilingües” que han crecido estudiando jazz, música clásica y latinoamericana, Edward está inventando un lenguaje que supera cualquier género rígido.

Sizhukong: una fusión de sonidos

2010-11-12T19:31:00.003-02:00

La música del grupo de Jazz, Sizhukong es una mezcla de música china tradicional y estilos occidentales que trata de cruzar las fronteras musicales. El grupo se define como un ritmo antiguo innovador, que crea música china tradicional mezclada con estilos occidentales. Su música rejuvenecedora, aura oriental y destrezas al estilo kung-fu, se mezclan bellamente para crear una nueva música china con alma de jazz.
El nombre del grupo, Sizhukong, tiene un significado particular, y fue muy meditado antes de escogerlo. El nombre está conformado por tres caracteres chinos. Si, que significa seda, material con el se fabricaban originalmente las cuerdas y que representa el flujo de la música; zhu significa bambú y representa la raíz natural de los instrumentos tradicionales de viento. Ambos caracteres combinados significan instrumento musical. El tercer carácter es kong, que hace referencia al estado de vacío, que se logra a través de la meditación o reflexión.
Sizhukong, un sexteto musical, cuyo nombre es la combinación de tres caracteres chinos que significan: seda, bambú y vacío.
El grupo fue fundado en 2005 por un grupo de músicos virtuosos del jazz innovador y la música tradicional china, con diferentes experiencias pero que comparten la misma pasión y creencia en la música. Sizhukong lleva la música china tradicional a un nuevo nivel de modernidad y transporta el jazz y otros ritmos modernos al pasado.
Su primer álbum salió al mercado en marzo de 2007, y fue llamado Sizhukong. Este álbum fue nominado a dos Premios Melodía Dorada, el premio a la música más importante de Taiwan. Dos años después, otro disco Paper Eagle, (en español Aguila de papel), salió al mercado y les hizo acreedores de dos Premios Melodía Dorada: Mejor Album Instrumental y Mejor Productor de Album Instrumental. Desde que estos dos discos salieron al mercado, el grupo Sizhukong ha llamado la atención del público y de los críticos de música.
En ese segundo disco, Paper Eagle, se puede detectar la universalidad de la música. Además de las influencias latina y africana, se escuchan elementos de bluegrass y música country, así como de otros ritmos.
En los últimos años, Sizhukong no sólo se ha dado conocer en Taiwan, sino también en otros países, y ha participado en una serie de festivales y eventos musicales internacionales importantes, entre otros, en el Festival de Jazz de Verano en el Teatro Nacional de Taiwan en 2008; el Festival de Jazz Java en Indonesia en 2008; el Festival de Jazz Jarasum 2008 en Corea; el Festival Musical de Jazz 2009 en Shanghai, en China continental; y más recientemente el Festival de Jazz Vilnius este año en Lituania. Su música ha sido acogida calurosamente por el público de estos países.
Talento musical. Los seis integrantes del grupo son músicos destacados en diferentes instrumentos tradicionales y occidentales.
Ha sido un gran reto lograr esta fusión de ritmos, sonidos y estilos. Para algunos de los integrantes del grupo que sólo tocaban algún instrumento al estilo tradicional, la adición de tonos y otros matices musicales comunes en el jazz, no fue fácil de aprender. La fusión es siempre un reto constante para todos los integrantes, quienes se mantienen en un persistente aprendizaje.

Fuente: taiwanhoy.nat.gov

La Polillazzera: Africanismo del Jazz (5)

2010-11-12T18:50:00.002-02:00

Con mucha frecuencia, en la bibliografía de distintas publicaciones se observan nombres y autores que, además de repetirse y reiterarse como fuente de información en innumerables ediciones, estas obras – debido a la época en que fueron escritas – están prácticamente “desaparecidas” en nuestros días. Cuando por azar o por una eventualidad se tropieza con uno de estos raros ejemplares, la Polilla Jazzera que uno lleva por dentro, sabe que el “alimento” en estos casos consiste en conservar ese material y, dado la importancia del tratamiento procurado al tema desde la perspectiva histórica, la conveniencia de revisitarlo y compartirlo. De eso se trata. Otra mirada, a partir de aquella mirada. (JR)
Continuación…Hasta hace algunos años, la música de los diversos pueblos africanos se conocía tan solo a través de las descripciones de viajeros, misioneros exploradores y cronistas, quienes, según ya lo hemos manifestado, carecían de un bagaje técnico suficiente para llevar a cabo una faena realmente eficaz. Más en la actualidad esta situación ha variado de manera fundamental. En estos últimos tiempos, la musicología y la antropología cultural han efectuado progresos evidentes en este terreno. (…)
Pero, lo que reviste mucha mayor consideración es que existen grabaciones fonográficas de diversas facetas de la música de distintas zonas del África, efectuadas en el propio terreno. Además, se han llevado a cabo registros de música negra en distintos países de América – Brasil, Cuba, Haití, Puerto Rico, las Guayanas, Trinidad, Martinica, Venezuela etcétera – con los cuales se realizan estudios de musicología comparada de las diversas influencias africanas en todo el hemisferio occidental, que es la mejor manera de establecer certeramente hasta que punto supervive la música africana en el Nuevo Mundo, o el grado de transculturización. (…)
También se han realizado algunas películas sonoras de alto valor musicográfico y antropológico, como Dark rapture, exhibida con el título de Hechizo africano. Sus escenas fueron captadas en el Congo belga por la expedición africana de Armand Denis y Leila Roosevelt, a cuya financiación contribuyó el gobierno de Bélgica, y presenta una extensa gama del folklore de esa región y de Tanganica; danzas rituales, ejecución de tambores y de música instrumental en general.
Este “film” – así como los mencionados registros mencionados, muchos de cuyos fragmentos musicales se publicaron en discos de los Reeve Sound Studios – reviste un crecido interés para los que deseen establecer un paralelo entre las expresiones musicales de una importante área cultural africana, con la de los negros norteamericanos, cubanos, haitianos, brasileños etcétera. Pues en su música se advierten de inmediato algunas características típicas del “jazz”, especialmente su carácter polifónico y sus ritmos múltiples, que poseen todo el abandono y el “swing” de su genuina expresión afro estadounidense. Asimismo muestra la escala pentatónica y la presencia de la séptima con bemol: la “blue note”, que, como ha hemos expresado, aparece en los “spirituals”, en los “blues” y en otras clases de música negra de América.
En lo que respecta al africanismo de la música negra norteamericana y del “jazz”, aunque hace tiempo que su dilucidación ha atraído el interés de los investigadores, sólo recientemente se ha llegado a la conclusión de que es imprescindible llevar a cabo estudios comparativos con la música africana, para auscultar concienzudamente su origen. (Continúa…)

Tomado de: “Estética del Jazz” de Néstor R. Ortiz Oderigo / Ricordi Americana, Buenos Aires, Argentina, 1951
Foto: Símbolos de indígenas africanos

Las relaciones entre jazz y arte visual del siglo XX

2010-11-12T18:03:00.004-02:00

Nacido en Estados Unidos en los albores del siglo XX, el jazz surgió como música híbrida y marcada por la improvisación de la mano de los colectivos de esclavos negros procedentes de África que se servían de sus ritmos y sonidos para interpretar himnos de trabajo y diversión en su vida cotidiana.
Surgido hacia 1917 en la zona de Nueva Orleáns y envuelto en prejuicios por la sociedad de clase baja que cultivó e inspiró sus primeras manifestaciones, el jazz no se convirtió en moda hasta 1922, gracias a Tales of the Jazz Age, de Scott Fitzgerald. Se convirtió en banda sonora de la juventud de toda una generación y artistas como Man Ray lo homenajearon en su producción. Jazz, instantánea del surrealista fechada en 1919, se exhibe en el CCCB junto a cuidadas ilustraciones que decoraban las partituras musicales y trabajos de creadores de entonces nacidos o residentes en EE.UU como Blanding Sloan o Miguel Covarrubias.
La América Blanca reconoció culturalmente a la América Afroamericana gracias al jazz, que generó hasta 1936 un amplio movimiento cultural conocido como el Renacimiento de Harlem. La música (con sus representantes de oro, Louis Amstrong y Duke Ellington), no fue la única vertiente creativa de esta tendencia, ya que escritores y artistas como Langston Hughes, Aaron Douglas, Winold Reiss o Carl van Vechten encontraron en el jazz uno de sus temas predilectos.
Los ritmos sincopados de esta música llegaron con éxito a Europa tras la I Guerra Mundial, y la irrupción en 1925 de la Revue Négre, con Josephine Baker, generó en el viejo continente una auténtica pasión por la música afroamericana, fascinación que Paul Colin bautizó como tumulte noir y que dejó su impronta en la obra de Van Dongen, Picasso o Grosz. A la era del jazz sucedió en la década de los 30 la moda del swing, sonido de fondo de numerosas comedias musicales tras la aparición del cine sonoro. La música de las grandes orquestas negras y blancas del momento marcaría también trabajos contemporáneos de Hart Benton, Kupka o el entonces joven diseñador Alex Steinweiss.
La II Guerra Mundial no frenó las repercusiones del jazz en ámbitos no musicales. Se considera que el boggie-woogie fue determinante en la obra de Mondrian y Henri Matisse tituló precisamente como Jazz a uno de sus collages con papeles de colores. Pollock escuchó bebop a menudo y David Stone, Warhol o Josef Albers diseñaron caratulas de algunos de sus discos más conocidos. Precisamente el White Light de Pollock decoraba el mítico disco Free Jazz, publicado por Ornette Coleman en 1960.
El jazz y la música negra continúan impregnando numerosos trabajos, desde los años ochenta, de artistas como Colescott, Basquiat, Lorna Simpson, Jeff Wall y Christian Marclay. Pone punto y final metafórico a la muestra, que ya se ha exhibido en Trento y París, un pequeño tren, elaborado por David Hammons, que circula por un paisaje minero regado por tapas de pianos de cola.

Fuente: masdearte.com
Daniel Soutif
Centre de Cultura Contemporània de Barcelona
Ilustración: "Le tumulte noir" portfolio publicado en Paris, en Enero de 1927 como tributo a Josephine Baker y otros afro-americanos.

NOVEDADES y SUGERENCIAS 1

2010-11-12T17:45:00.006-02:00

Gepel
Kuska
Independiente

2010
Gepel es un grupo, formado a principios del 2006, que se caracteriza por la interpretación personal de las diferentes músicas populares del continente americano desde la textura sonora del jazz, con un repertorio integrado en su mayoría por composiciones originales, incluyen también arreglos basados en temas de los más diversos autores.
Actualmente lo integran: Agustin Strizzi en la percusión, arreglos y composición, Leandro Casas, piano, arreglos y composición y como invitado, Gabriel García al contrabajo.
Kuska es una palabra Quechua que significa, “juntos”.
“Kuska es un disco donde convergen nuestros caminos, los de nuestros maestros, colegas y amigos. Donde cada uno nos ha bendecido con su aporte y hace de ésta, una producción única. 8 composiciones, 13 músicos y muchas horas de trabajo, nos permiten, una vez más, dar un nuevo paso en la confirmación de una identidad, interpretando la música del continente desde nuestra singular visión”, expresan sus integrantes
La premisa fundamental del grupo es buscar o definir un lugar de pertenencia, un territorio propio con el que sentirse identificados.

"...Felicitaciones!!. Las composiciones están mortales y la tocada también!!!.
Por sobre todas las cosas, te felicito también por el coraje y el ímpetu de llevar ese proyecto adelante!!!. Sos un grande!!!...". Oscar Giunta

Personalmente, soy un convencido de que este es el camino. Por aquí es donde hay que transitar, experimentar y enriquecer en la diversidad, con la inclusión de las distintas influencias regionales. La convergencia proveerá de un sonido naturalmente propio que represente todas estas inclusiones. Un sonido particularmente latinoamericano.
En Kuska y, en general en el trabajo de Gepel y sus integrantes vemos esta tendencia y nos alegramos, ellos son parte de un grupo importante de músicos que, felizmente, vienen desarrollando sus ideas en este sentido.

Difícil pero, a la vez, interesante desafío, el tratar de en solo tres temas, aunar todo el concepto de este CD pero, creo que arranco con la pieza Nº 2 “Bonita”, como ejemplo de buen gusto y capacidad tanto en el arreglo y armonía como en las poliritmias presentes. Luego, diría que el track 4 “La torcida” reúne los elementos de representación de lo tradicional con el nuevo enfoque o esto que pregono como el camino a seguir. Finalizo con el corte 8, “Barrio Cordón” que nos muestra todo el sincretismo musical de la región en un sonido “hermanador”, si se me permite acuñar este término. JR

NOVEDADES y SUGERENCIAS 2

2010-11-12T17:38:00.002-02:00

Roberto Occhipinti
A bend in the river
Alma records
2010
“A bend in the river” (un recodo en el río) es un álbum notoriamente ambicioso, con el cuarteto del bajista Roberto Occhipinti, más un afiatado cuarteto de cuerdas (Globalis Orchestra, dirigidos por Konstantín Krimets). Su grupo base de apoyo – Dafnis Prieto, batería, Luis Deniz, saxofón, y David Virelles, piano – es excelente en todo. Y el tema que da título al CD, es sorprendentemente pegadizo, donde la participación como invitado del baterista Tony Allen agrega un toque extra. Sin embargo, hay que señalar que, la adición de las orquesta de cuerdas, amplía y magnifica la experiencia de audición en forma exponencial. Los temas y orquestaciones son tan ricos que el álbum pareciera ponerse mejor, con cada escucha.
El bajista rinde un merecido tributo a sus colegas cubanos, para brindar un repertorio que bordea la música clásica con el jazz, no dejando pasar por alto la sensibilidad afrocubana.
Seis números originales realizados en excelente forma, junto a una versión muy suave de la pieza de John Coltrane "Naima". Occhipinti, el bajista y líder de la banda, establece una base sólida en cada pista, apoyado en las seguras formas rítmicas de Dafnis Prieto en al batería, mientras que ofrece un amplio espacio para todos, para la interpretación de los solos y la posibilidad de experimentación.
Si me tengo que referir a únicamente tres piezas para definir toda esta excelente propuesta, me inclinaría en primer lugar por “A bend in the river”, que sin buscar otros argumentos para enfatizarla, sobresale por sí misma. Continúo con “Chamacos”, un compendio de buen gusto interpretativo y arreglístico donde Occhipinti reafirma su condición de reconocido bajista. Termino con “Marta”, una canción con giros pianísticos sobresalientes. JR

NOVEDADES y SUGERENCIAS 3

2010-11-12T17:31:00.003-02:00

Gregory Porter
Water
Motema Music
2010
Leíamos en Musica Soul (Blog) que, cuando Gregory tenía cinco años compuso su primera canción y su madre le reconfortó diciendo que su voz le recordaba mucho a Nat King Cole. Ausente el padre, la música consoló a Gregory y podemos decir que Nat quizás se convirtió en su padre musical. Ahora ya adulto, Gregroy nos presenta su álbum debut Water, en el que queda patente esa primaria influencia vocal referida. Al igual que Nat, Gregory se nos presenta con una voz rica y emotiva que comparte ese compromiso de todo gran vocalista de jazz por utilizar la dicción de una manera precisa. No importa si interpreta una balada o un tema de mayor ritmo, el oyente, siempre debe entender cada palabra, cada sílaba.
Nacido en Los Ángeles, creció en Bakersfield, y ahora viven en el área de Bedford-Stuyvesant de Brooklyn, Gregory Porter ha hecho del mundo su casa musical. Un artista invitado frecuentemente a participar con la Lincoln Center Jazz Orchestra
Water, trae a primer plano un nuevo talento en la persona de Gregory Porter, un artista que tiene una serie de, elementos clásicos familiares en su estilo, pero cuyo enfoque aporta una frescura que tanto los aficionados al Jazz y al Soul pueden apreciar.
El álbum se compone de canciones originales, con referencias musicales a los grandes del jazz de edad
La calidad de la música en Water, es igual a la calidad de la voz de Porter. Porter como compositor aporta el tipo de lirismo a sus canciones que permiten que éstas, quepan cómodamente en la selección de repertorio que incluye Water.
Como artista nuevo en el género del jazz, Gregory Porter exhibe condiciones vocales de tal maestría que, el reconocido Wynton Marsalis, luminaria del jazz mundial, ha dejado constancia de eso, al llamarlo "un joven y excepcional cantante."

Voy a intentar – como cada vez – resumir todo el material del CD Water y su idea, en solamente tres temas. Y estos son: el track Nº 2 “Pretty” que reúne elementos muy destacados tanto en el arreglo y armonía, en la instrumentación (excelentes solos), como en la parte vocal. Sigo con “Black Nile” la pista 5 (de Wayne Shorter) que permite el lucimiento total y donde Porter sobresale en el scat. Finalizo con “Water”, el tema 10 y que da nombre al trabajo. Una canción impecablemente realizada. JR

TAMBIÉN HEMOS RECIBIDO:

2010-11-12T16:52:00.004-02:00

Ricardo Nolé & Templando / Templando
Kristy (Cardinale) / My romance
Benjamín Taubkin / Piano Masters series Vol. 1
Marcos Amorim Trío / Portraits
Pedro Bermúdez / No limits
Chris Donnelly / Solo
Bernal-Eckroth-Ennis / La voz de tres
Jovino Santos Neto / Veja o som / See the sound
Mike Marshall / An adventure
Mario Romano Quartet / Valentina
Joey DeFrancesco-Botos-Rezza-Dwyer / One Take Volume Four
Discos los cuales, estaremos oportunamente revisando y comentando para Uds., en nuestras próximas ediciones.

Estimados amigos de “En Clave de Jazz”:
En nuestro deseo y afán por contribuir, por colaborar a la mejor difusión, a la mayor promoción de todas las actividades y proyectos que se realizan en el género, les solicitamos tener en cuenta lo siguiente:
Actualizamos quincenalmente: (cada 15 días, una nueva edición)
A los músicos y profesionales, casas discográficas o productores, que deseen hacernos llegar - con la debida anticipación - sus trabajos y noticias, con mucho gusto las recibiremos y, las incluiremos en las secciones correspondientes.
Reseñas y Notas: Se agradece enviar el texto editado en formato y fuentes usuales; evitando en lo posible el uso de redacción en "sólo Mayúsculas" (excluyente) y, las fotos adjuntas, deben venir adaptadas para su uso en la web.
E-mail: jorgerochac@gmail.com
Eventualmente con copia a: uru_ven@yahoo.com
CD’s, Libros, Otros: Si en lugar de noticias son grabaciones, material de difusión etc., por favor hacerlo a la dirección de correo postal aquí indicada. Recibirán -como siempre- la necesaria y adecuada cobertura en la sección de reseñas discográficas o, donde concierna en "En Clave de Jazz" (Web-magazine y también, en la edición Radio).
Dirección: Avenida Del Libertador 1708, Apto. 1304, Montevideo 11800, Uruguay.

Muchas gracias.
Jorge Rocha

Jazz de Acá: ACTIVIDAD LOCAL

2010-09-01T22:51:00.001-03:00

‘‘El jazz, como muchas otras artes se explica a sí mismo, y sólo la experiencia de su audición permite comprenderlo’’.

LAS ACTIVIDADES PASADAS:
Poco ruido y…pocas nueces. En lo que a lo local atañe, ya no nos extraña pero, seguimos pensando que, aunque en la actualidad el jazz y sus conexos haya sido prácticamente “abolido” en la mayoría de los medios de comunicación locales, es innegable su importancia e influencia en la música y la cultura de nuestro tiempo y, que la responsabilidad ahora termina siendo compartida, entre instituciones, autoridades y músicos, tanto de la poca actividad, de las condiciones como, particularmente, de la inquietante baja calidad de la oferta. Hot Club. El domingo 15 de agosto, en la Sala Zitarrosa, con un espectáculo musical, el Hot Club de Montevideo festejó su 60º Aniversario. Federico Britos: Ciudadano Ilustre de la Ciudad de Montevideo. El gobierno capitalino declaró Ciudadano Ilustre al violinista uruguayo Federico Britos. Violinista, inspirado en el tango, el jazz, la bossa nova, el candombe y todas las variantes de la música Caribe. La reconocida trayectoria nacional e internacional de Federico Britos, además de su permanente representación de nuestro país y de nuestra capital en los ámbitos musicales del mundo, son las razones que motivan que las autoridades de la Intendencia Municipal de Montevideo lo distingan como Ciudadano Ilustre de la ciudad. Lila Downs en Montevideo. Fue una presentación varias veces anunciada y otras tantas veces postergada. Al final, el ciclo se cerró: la artista mexicana llegó a nuestro país con su banda, un repertorio que recorrió prácticamente toda su obra discográfica, y un planteo musical y escénico que convirtió al show en un espacio festivo. Para muchos fue un descubrimiento. Para otros, la oportunidad de ver por primera vez en vivo, a metros de su butaca, el derroche de vitalidad de esta mujer, madre e inteligente conjuradora de los misterios de la diversidad cultural, que conocieron a través de discos y DVD que han circulado de mano en mano, de oído a oído. (Alexander Laluz / El País). Panchito Nolé, reconocimiento en Jazzología. Oportuna la ocasión elegida por la Legislatura porteña para entregarle, a través de Guillermo Fuentes Rey, una distinción por su trayectoria (una iniciativa del diputado Raúl Puy, presidente de la Comisión de Cultura). Pero el reconocimiento fue doble, porque Panchito también recibió la clásica distinción "Jazzología", el 24 de Agosto pasado, en la sala Enrique Muiño del Centro Cultural General San Martín, en la ciudad de Buenos Aires, Argentina. (Humprey Inzillo / Rollingstone)

PROXIMAS OCURRENCIAS (Quién, Dónde, Cuándo?):
The Harlem Jubilee Singers. El notable coro que dirige Gregory Hopkins llega a Montevideo, con una adaptación de uno de sus clásicos: el espectáculo Great voices of Gospel, que esta vez contará con el apoyo instrumental de dos conocidos músicos uruguayos: Artigas Leal en trombón y Gustavo Villalba en saxos.12 de octubre, Auditorio Nacional Adela Reta, Sodre. Ballet de la ciudad de Niterói. Esta reconocida compañía de danza, que dirige Roberto Lima, viene al Uruguay, con el espectáculo Choros e Valsas, un tributo a Pichinguinha, que explora y trabaja con las memorias del cuerpo, en una superposición de emociones, sensaciones, en momentos colectivos y en solitario. 11 de noviembre, Teatro Solís de Montevideo. Djavan vuelve para presentar: "Ária". Este regreso será en un formato mínimo y acústico, con parte de la banda que participó en las sesiones de Ária: Torcuato Mariano en guitarra, André Vasconcellos en bajo acústico y Marcos Suzano en percusión. 28 de noviembre, Auditorio Nacional Adela Reta, Sodre. Todos en el marco del Jazz Tour 2010. 3er. Festival de Jazz de Montevideo. Del 2 al 9 de diciembre el Jazz Tour presentará la tercera edición del Festival de Jazz de Montevideo, con una grilla de artistas locales y del exterior. Contracuarteto de Chile, Marc Perrenoud y su trío de Suiza, The Mingus Dinasty de Estados Unidos, The Avengers también de ese país, Renaud Garcia Fons Trío de Francia, y Enrico Pieranunzi Trío de Italia. A ellos se sumarán algunos de los principales exponentes del género a nivel local, entre los que se contará, como los otros años, a la Banda Sinfónica Municipal.

LA ESPERANZA, ES UN RIESGO QUE TENEMOS QUE CORRER:
Buenos Aires, el hecho cultural como un todo. En muchas ocasiones, nuestra actividad nos permite conocer y experimentar en otros países y en otras ciudades, como dirigen, manejan o gerencian su realidad cultural. Días pasados tuve la oportunidad de visitar Buenos Aires y allí, trabajar e interactuar con el personal y autoridades, en una de sus instituciones principales como lo es el Centro Cultural General San Martín, dependiente de la dirección de Cultura de la gobernación de la ciudad. Las atribuciones del Centro Cultural General San Martín son, entre otras, desarrollar actividades culturales en un ámbito abierto a la experimentación y a la introducción de nuevas tecnologías aplicadas a iniciativas culturales, vinculando el sector público con el privado. El perfil multidireccional del CCGSM se fue moldeando en virtud de sus servicios culturales, de la participación de cientos de artistas y creadores y de la alta concurrencia del público. Ciclo Jazzología. Jazzología, presenta propuestas de solistas y grupos jazzísticos en todos los estilos. Para mí fue un honor y un privilegio, el poder estar no solo en el Centro Cultural General San Martín, trabajando en sus instalaciones, con su gente, sino formar parte, por algunas horas de Jazzología, compartiendo actividades con su coordinador el Sr. Carlos Inzillo. (JR)

En Clave de Jazz-Radio por Magoya 90.5 FM desde Maldonado, Uruguay. En Clave de Jazz-Radio, "El Jazz y, la Nuevas Tendencias", la edición Radio de este Web-magazine, programa creado y conducido por Jorge Rocha, con el apoyo de los comunicadores Walter Álvarez y Carlos Peláez, se transmite, en su 3er. año, localmente desde Maldonado en Uruguay. Las propuestas, proyectos de una gran cantidad de músicos de las tres Américas (y no solo continentales) nuevos, desconocidos, conocidos, noveles y famosos, todos, reunidos para honrar la música, la diversidad cultural y, ser difundidos y mostrados en un marco de integración y conocimiento. El encuentro es, todos los sábados, de 19:00 a 21:00 horas por Magoya 90.5 FM. Un rayo, la causa. Para aquellos que echan de menos la presencia de la señal en el aire, les hacemos saber que, días pasados, durante una tormenta, un rayo cayó sobre el local donde están las instalaciones de la emisora, quemando e inutilizando los equipos de transmisión, micrófonos, computadoras etc. En poco tiempo, con el esfuerzo de todos y la solidaridad del pueblo de Maldonado, no duden, estaremos nuevamente transmitiendo la programación regular.

LO DIJO:
John Cage: "Yo no entiendo porque las personas tienen miedo a las nuevas ideas. Yo le tengo mucho más miedo a las viejas".

Foto: Logo “Jazz de Acá” (JR)

MUNDO BREVE

2010-09-01T22:42:00.006-03:00

Bossa Nova: La historia y las historias (3)

2010-09-01T22:30:00.001-03:00

(Continuación)... - Mira cómo el viento despeina los árboles…
- Pero si los árboles no tienen pelo, João - interrumpió la psicóloga que seguía su estado.
- Y hay personas que no tienen poesía…
“Joãozinho se está volviendo loco”. Don Juveniano lo espetó así al resto de la familia. Desde que su hijo había vuelto a Juazeiro, no hacía otra cosa que lamentar su suerte. Podía haber sido médico, abogado, ingeniero, lo que hubiera querido, hasta que aquella historia de la música se le metió en la cabeza y emprendió aquel largo viaje hasta Río de Janeiro. Ahora se encontraba allí, encerrado en su habitación, con su guitarra, sin ganas de ver a nadie. Dewilson, su primo hermano y médico psiquiatra, se ofreció a llevarlo a Salvador de Bahía, a que lo trataran lejos de los chismorreos de aquel pueblo.
Sin embargo, la locura de João no tenía una fecha exacta de comienzo. Siempre se le consideró un “tipo raro” desde que llegó a Río, procedente de la lejana Bahía. Indisciplinado, nunca logró tener un trabajo que le diera la estabilidad necesaria para dedicarle tiempo a su guitarra. Tampoco consiguió nunca vivir más de unos meses en el mismo sitio. Siempre encontraba alguien que le admiraba y terminaba por acogerle en su apartamento, como siempre hasta que encontrara otra cosa, y como siempre, acababa con João en la calle a los pocos meses. Y así vuelta a empezar, hasta que una vez, a comienzos de 1955, se encontró completamente perdido.
Aquel “descenso a sus propios infiernos”, como lo llama Ruy Castro, lo llevaría de Río a lugares como Porto Alegre, Diamantina, Salvador, hasta su Juazeiro natal. Quizá, la etapa más importante la vivió en Diamantina, en Minas Gerais, donde vivía su hermana. Llegó de allí procedente de Porto Alegre, después de un accidentado viaje en autobús que le llevó a un lugar equivocado, a casi cuatrocientos kilómetros de distancia de su destino. Sin dinero, se las alegró para llegar a casa de su hermana semanas después. Allí llegó derrumbado emocionalmente.
Apenas salía de las cuatro paredes de su habitación. Cuando lo hacía era para encerrarse en el baño un buen rato, que cada vez iba a más. Siempre llevaba consigo su guitarra y se podía oír un cansino y repetitivo acorde tras la puerta. De noche, se deslizaba hasta la habitación donde dormía su sobrina, Marta María, y le cantaba y tocaba, bajito, al pie de la cuna.
Dadainha lo acogió durante ocho meses. Justo los que, como reconocería después, le bastaron para cambiar su vida. Aquellos días en los que apenas se quitaba el pijama en todo el día, le tuvieron entregado a sacar de aquella guitarra el ritmo, la armonía y la forma de cantar que siempre anduvo buscando. Donde mejor podía medir la reverberación de las cuerdas de su guitarra, lo que duraban las notas si tocaba de uno u otro modo, era precisamente entre las paredes forradas de azulejos del baño. Aquella sonoridad le permitió hacer pruebas y pruebas con su voz, para que se acoplara con aquellos acordes. La prueba de fuego era tratar de cantarle a Marta María a las tres de la mañana. Cuando años después grabó Chega de saudade, a muchos les pareció que aquella forma de cantar “bajito” no era lo que se entendía por cantar. Hasta que Carlinhos Lyra dijo que la bossa nova se canta “como quien habla al oído de una mujer”.

Fuente: Bossa Nova. La historia y las historias, de Ruy Castro
Traducción de José Antonio Montano.
Turner, 2008, 535 pp.

Alejandro Herrera: la personalidad del bajo

2010-09-01T22:23:00.002-03:00

El zurdo...compositor, arreglador y bajista, Alejandro Herrera es uno de los talentos argentinos de exportación y lleva, desde 1986, su proyecto solista, liderando diferentes agrupaciones. Formó parte del grupo del guitarrista Al Di Meola y realiza giras con el saxofonista austríaco Karlheinz Miklin. En la escena local, su versatilidad lo ha llevado a grabar con muchísimos artistas de todos los géneros...
... su actual agrupación es una de las más destacadas del escenario jazzístico de Argentina, habiéndose presentado en la mayoría de los Festivales de Capital, del interior y también en Uruguay. Actualmente su agrupación se denomina Alejandro Herrera Quinteto.
Por otro lado debido a su versatilidad con el instrumento, es requerido por músicos de diversos estilos, habiendo grabado y tocado con grandes músicos locales y extranjeros, y ha formado parte estable de varias agrupaciones como: Machline - Herrera - Lapouble, Ricardo Nolé Trío, Alejandro Lerner, etc.
Durante el 2001 y 2002 estuvo de gira por USA, Europa e Israel como parte del grupo del guitarrista norteamericano Al Di Meola y desde 1992, cada dos años, realiza giras europeas junto al saxofonista austriaco Karlheinz Miklin (última gira en octubre de 06) entre muchos otros artistas extranjeros con los que ha tocado...
Han dicho en la prensa: La Compactera (crítica del CD "Minority Report")...Un grupo de una potencia única...Hay una sana compensación entre la sección rítmica de lujo...y la melódica...Por cierto, para aquellos seguidores del jazz fusión, esta placa es una oportunidad para enfrentarse con una precisión estilística reconfortante, con lenguajes concisos y cargados de ideas... El quinteto del bajista Alejandro Herrera es una las palpables evidencias del buen momento del jazz local... http://www.lanacion.com.ar 03/10/05
En clave de Jazz: "Escucho música desde los cinco años y no me pongo ningún tipo de rótulo. De repente me puede pintar un tema en swing o de repente una balada con sintetizador y esas cosas. Trato de no imponerme ningún estilo...Un tanto llamativa dentro de las habituales costumbres de los discos de solistas, otra de las características distintivas de Minority Report es el respeto hacia las distintas voces. Alejandro Herrera: Ideas y fuerza melódica”. Jorge Rocha - 03/03/04 http://www.portalx.com.uy

Renaud García-Fons: el nuevo lenguaje

2010-09-01T22:17:00.002-03:00

Renaud García-Fons es un contrabajista nacido en Francia, pero de origen Catalán, y que ya a la edad de 5 años comienza su iniciación musical con el piano y la guitarra clásica, y recién a los 16 descubre el contrabajo. Se dedicó a perfeccionar su técnica con el contrabajo con el maestro François Rabbath, quien le da una visión más extensa de las posibilidades de este instrumento.
Renaud es conocido por su virtuosismo apabullante, su sentido melódico mediterráneo y su sonido con arco parecido a una viola. Antiguo estudiante particular del legendario bajista sirio François Rabbath, García-Fons no sólo se encuentra bajo la inflluencia del jazz y la música clásica, sino también del flamenco, del nuevo musette, del tango, de las tradicionales celtas, Andaluzas, africanas, latinoamericanas, árabes e indias.
Sus fuentes de inspiración musical son múltiples, están cerca de la tradición flamenca, que él estudia y transmite al contrabajo, pero también el jazz, las músicas mediterráneas y orientales que ha explorado con pasión. Esto dará lugar a muy diversos encuentros con otros músicos de diferentes culturas como Angéique Ionatos (Grecia), Cheb Mami (Algeria), Dhafer Youssef (Tunisia), Huong Tanh (Vietnam), Kudsi Erguner (Turquía)...
Su espíritu de búsqueda y su carácter abierto lo llevan a replantearse los límites técnicos del instrumento para la consecución de una libertad más amplia. Todo esto al servicio de la improvisación y de las corrientes musicales más variadas, el idioma del jazz, las músicas tradicionales y la música contemporánea.
Dentro de un medio musical donde el contrabajo está considerado mayoritariamente como un instrumento de acompañamiento, Renaud tuvo desde muy temprano la idea de agregar una quinta cuerda y, a través de la improvisación y de la composición, de participar en el desarrollo del instrumento como solista. Esto se ha visto hecho realidad en sus actuaciones a solo en diversos festivales de jazz, destacando el Knitting Factory en Nueva York.
La improvisación es para Renaud fuente de inmensa riqueza, su pasión por este arte tiene un fuerte lado espiritual. Las puertas del jazz y de la improvisación se abrieron como miembro de las dos formaciones dirigidas por Claude Barthélémy (Orchestre de Contrebasses y la Orchestre National de Jazz).
Entre su extensa discografía, recordamos "Navigatore" de 2001, y “Arco Luz” de 2006 donde participa Jorge "Negrito" Trasante en percusión y batería como, "Línea del Sur" de 2009, su más actual producción.

Fuentes varias