Daniel “Pipi” Piazzolla: El Jazz pertenece a todos

Nacido en 1972, Daniel “Pipi” Piazzolla, nieto de Astor, lleva más de 15 años de actividad profesional intensa. Dueño de un estilo muy personal que le vale ser requerido como baterista por artistas de muy diferente estilo y perfil.
Alumno del legendario Oso Picardi y egresado, luego, del Musicians Institute (Estados Unidos), y del Drummers Institute, tomó clases, entre otros, con Tommy Campbell, Robie Ameen y Adam Nusbaum.
Ha compartido escenario con numerosos jazzman de primer nivel internacional como Chick Corea, Danilo Pérez, Gary Burton, Bill McHenry, Luis Bonilla, Miguel Zenón, la Arturo O’Farrill Afro Latin Jazz Big Band y varios otros. Tocó con Lito Vitale, Maza Trío, Sabrosas Zarigüellas, Giusti Funk Corp, Latinaje y actualmente toca con Juan Cruz de Urquiza Cuarteto, Argentos, Guillermo Klein, Carlos Cutaia, Inmigrantes Big Band, Villu Veski Titt Kaluste Sextet (Estonia), Pablo Aslán (Nueva York), Nicolás Sorín y Esteban Sehinknam. Es miembro fundador de Escalandrum, grupo con el que además de grabar varios discos y realizar giras por América latina y Europa, obtiene el premio Konex de Platino en 2005. Ha recibido otras muchas menciones entre las que debe destacarse la que le otorgó el Musicians Institute en 1993, como Mejor Baterista de Ritmos Latinos y un premio ACE en 1996, por su labor en el Octeto Daniel Piazzolla.
Su especialidad el Jazz. Aunque maneja a la perfección todos los estilos. Parte de sus últimos trabajos están con Argentos, Escalandrum y Daniel Camelos big band. Fue Profesor de muchos bateristas que están girando en el país y el mundo, como por ejemplo Andres Vilanova (baterista de Carajo), Silvana Colagiovani (Baterista de Botafogo).
El jazz ya tiene voz propia en la Argentina. De a poco empezamos a hacer del jazz algo auténtico, algo con lo que el oyente se siente identificado. El jazz ya no es para una elite, ahora pertenece a todos. Yo creo que es por eso que en lugares en los que uno no se puede imaginar que haya un festival de jazz empiece a suceder ¿no? Es como si fuera un festival de folclore, un festival de tango, bueno, ahora que ocurra un festival de jazz es cada vez más natural. Y por otro lado, creo que hay músicos muy inquietos acá en El Bolsón que se ven muy motivados para hacerlo, que entienden lo que está pasando por el jazz, por eso le ponen tanto esfuerzo, porque es una música nueva, una música que está explotando.
¿Cómo se difunde el jazz en la Argentina?
Y, mirá, lo vamos armando de a poco (piensa)… no sé, en Buenos Aires hay un lugar que se llama Thelonious, donde tocamos con Escalandrum todos los martes hace nueve meses. Y hay otros lugares importantes para tocar jazz; pero el jazz es un estilo muy particular en el que si estas metido es porque realmente amás la música y no te interesa otra cosa que no sea la música. Y bueno, se va difundiendo un poquito solo, no hay mucho apoyo de la radio o de la televisión. Y los festivales son la difusión más fuerte, porque permiten mantener el jazz vivo, que siga creciendo, que sea conocido por otra gente; gente que tal vez no iría a pagar una entrada a un bar donde toca una banda de jazz. Los festivales generan una gran difusión, juntan a un montón de gente en un mismo lugar, se corre la bola, y bueno, terminamos todos acá.
Y así es. “Pipi” nos contó después sobre las giras al exterior confirmadas para el 2010. Una a Chile, otra a Costa Rica, Panamá, República Dominicana y Puerto Rico, una a Colombia y Ecuador, otra que los llevará a recorrer 15 ciudades de Brasil, y también, por qué no, una del otro lado del charco, en Francia. Pero no todo es viajar, también tienen el proyecto de grabar dos discos: el sexto disco de Escalandrum y el tributo a Piazzolla.
Laura Lañin / jadejazz.blogspot.com

Jazz Tour 2010, presenta: Piazzolla x Piazzolla. El baterista Daniel "Pipi" Piazzolla junto a su banda Escalandrum en un homenaje a su abuelo Astor. Este concierto recorrerá el mundo en este año, siendo Montevideo una de las primeras sedes en recibir este homenaje. Miércoles 7 de abril, Teatro Solís.

Jorge Pardo: La música a través de la flauta y el saxo

Vivamente interesado por el jazz, realiza sus primeras actuaciones con grupos aficionados en la Universidad. Años más tarde tiene la oportunidad de trabajar con músicos profesionales como Jean Luc Vallet, Peer Wyboris, Tete Montoliu, Lou Bennet, Slide Hampton, Pony Polindexter, David Thomas, Pedro Iturralde o Al Lewitt, entre otros. Después de formar en el grupo del brasileño Jayme Marques, se decide a hacer su propia música y junto a Pedro Ruy Blas, funda el grupo Dolores, que marcaría uno de los hitos más importantes en la historia de las agrupaciones experimentales españolas a finales de la década de los setenta.
Conoce a Paco de Lucía y rápidamente pasa a formar parte de su grupo, realizando extensas giras por Europa, Japón y América, compartiendo cartel con las figuras jazzísticas de más renombre mundial.
En 1982 ya se perfila como uno de los músicos de más talento en el campo del jazz-fusión, con feeling latino, típicamente español; graba su primer LP como solista en Mallorca con músicos invitados de la talla de Joan Bibiloni y Carles Benavent.
Durante los años 86 y 87 realiza giras por todo el mundo con el Paco de Lucía Sextet. En 1988 forma cuarteto junto a Miguel Angel Chastang, Carlos Carli y Ximo Tebar, actuando por toda España.
En 1989 trabaja con el grupo Flamenco Fusión. Ese mismo año actúa junto a los brasileños Nana Caymmi y Wagner Tiso en el Festival de Montreux (Suiza), concierto que fue grabado y editado por Polygram Internacional.
En Julio del 90 es invitado, junto a Carles Benavent, para actuar con el pianista Gil Goldstein, el percusionista Don Alias y el batería Alex Acuña, entre otros, en un concierto especial de la TV Suiza, que daría lugar a unas apariciones especiales de esta misma banda en Nueva York en Octubre de ese mismo año.
En 1991, con esta formación, graba en Nueva York para el sello Blue Note. Ese mismo año graba un disco llamado Socco con el trío Bismut-Paillard-Roucan y realiza varias actuaciones con Ur (formación judio-árabe con Bismut y Nabil Ibn Kalidhi).
En Junio del 92 se presenta en el Town Hall de Nueva York junto a Carles Benavent y flamencos invitados, dentro del programa del New Music Seminar. En Julio del mismo año, actúa con la Big Band de la TV Alemana en el proyecto Jazzpaña (Flamenco-Jazz), encabezando un grupo español que se presenta en el Philarmonic Concert Hall de Colonia y en el Festival de Montreux.
Forma parte del grupo de Carles Benavent, juntamente con Joan Albert Amargós, Tino Di Geraldo, Gil Goldstein, Rubem Dantas y Othello Molineux.
Su lenguaje musical y sus composiciones están recogidas en discos como Jorge Pardo, El Canto de Los Guerreros, A mi aire, Las cigarras son quizá sordas, 10 de Paco (con Chano Domínguez), Veloz hacia su sino, El Concierto de Sevilla (junto a Benavent y Di Geraldo), Vida en catedrales y De dos en dos (junto a Tomás San Miguel) 2332 y Mira. Sus colaboraciones con las más importantes figuras del flamenco han dejado siempre una huella imborrable de su personal forma de entender la música a través de su flauta y de sus saxos. Es un de los músicos que más se prodigan tanto en los escenarios nacionales como internacionales, tanto con el trío junto a Carles Benavent y Tino Di Geraldo como con otras formaciones. En 2003 participo en el proyecto La Fábrica de Tonadas de Santiago Auserón, junto a Chano Domínguez, Javier Colina, Jordi Bonell y Marc Miralta, y actuó en el Festival de Jazz de Vitoria con Pat Metheny. En 2004 se incorporó a la gira internacional de Chick Corea llamada Touchstone tour, junto a Carles Benavent, Tom Berchtlein y Rubem Dantas, grabando el álbum "Rhumba Flamenco", editado en 2005.
Actualmente alterna los trabajos del trío Benavent-Di Geraldo-Pardo, con el trío D'3, junto a Francis Posé y José Vázquez y con su nueva formación Vientos Flamencos, dedicada a profundizar en los palos del flamenco y en la que colaboran artistas como el guitarrista Juan Diego o el cantaor y bailaor Tomasito.
Fuente: klink.org

La Polillazzera: Africanismo del Jazz (1)

Con mucha frecuencia en la bibliografía de distintas publicaciones, se observan nombres y autores que, además de repetirse y reiterarse como fuente de información en innumerables ediciones, estas obras – debido a la época en que fueron escritas – están prácticamente “desaparecidas” en nuestros días. Cuando por azar o por una eventualidad se tropieza con uno de estos raros ejemplares, la Polilla jazzera que uno lleva por dentro, sabe que el “alimento” en estos casos consiste en conservar ese material y, dado la importancia del tratamiento dado al tema desde la perspectiva histórica, la conveniencia de revisitarlo y compartirlo. De eso se trata. Otra mirada, a partir de aquella mirada. (JR)
La cuestión de las sobrevivencias africanas que se advierten en las diversas manifestaciones artísticas – así como en el campo cultural, social y psicológico en general – desarrolladas por el hombre de color que la marea esclavista trajo a playas de América, y de sus descendientes aclimatados al nuevo medio ambiente, es uno de los temas que con mayor apasionamiento han sido debatidos por todos los investigadores consagrados al estudio de las cuestiones afrológicas en el Nuevo Mundo. Todavía no se ha logrado armonizar las opiniones. Mas en estos últimos tiempos se han agitado pruebas evidentísimas de la honda gravitación de la gente de tez morena en todos los aspectos de la vida social y artística de América, y se han rectificado no pocos “mitos” y preconceptos divulgados hasta muy recientemente.
Autoridades en materia de pesquisas africanistas se han pronunciado, apoyados en testimonios científicos irrefutables y en largas y pacientes observaciones, en el sentido de que la incidencia de los modos y la cultura del negro en la cultura y los modos de los pueblos americanos tiene raíces más extendidas y vigorosas de lo que antes se había aceptado.
(…) Relatos que hacen referencia al tráfico de esclavos entre las costas del continente africano, los Estados Unidos, las Indias Occidentales y el Río de la Plata, aseguran que muchas veces (…) los tratantes les permitían subir a cubierta y a ejecutar sus danzas que, según el testimonio de un viajero, “era lo que hacía renacer la vida de esos infelices”.
En el libro del capitán Canot hallamos una de las pocas y más antiguas referencias a la auténtica importación de la música africana al continente americano. En uno de sus ilustrativos capítulos dice:
“Durante las tardes serenas, a los hombres, mujeres, muchachas y muchachos se les permite, durante su estancia en cubierta, cantar melodías africanas, que ellos animan mediante el golpeteo del fondo de una cuba o un tacho”.
(…) El fontanar de donde procede el “jazz” se encuentra en el África Occidental, de manera que, antes de penetrar en el estudio de la transculturización en la música sincopada, del arte sonoro nacido en el continente negro, conviene señalar algunas de las características más notables del lenguaje musical de los nativos.
Contrariamente a lo que es frecuente creer, la música africana acusa múltiples y variadas facetas. De una zona a la otra, sus formas, sus rasgos rítmicos, su contenido y su estilo difieren considerablemente. Hablar de una música africana es tan incorrecto com mencionar una música europea. “Hay tantas formas musicales como dialectos – ha dicho el eminente antropólogo doctor Melville J. Herskovits – y lo que es más importante, cada cultura posee diferentes maneras de canto”.
En África, la música no es un “arte por el arte”, sino que tiene invariablemente su fundamento social, pues está vinculada a las actividades de la comunidad, en cuyos patrones culturales desempeña un papel de subida trascendencia. Ligada a la danza, que según Geoffrey Gorey ocupa el primer lugar entre las artes de matriz africana, forma parte indisoluble de las ceremonias que se realizan conmemorando hechos o acontecimientos relacionados con la vida cotidiana del pueblo. Los nacimientos, las bodas, los sepelios, la caza, la guerra, el trabajo, la diversión, van invariablemente acompañados de música. “Ninguna ceremonia africana es completa sin fondo musical”.
La música negra, conjuntamente con el canto, el baile y la mímica, es arte para algo socialmente trascendental. Tiene una teología, un propósito de función colectiva; una acción, no una distracción. No es música de “diversión”, al margen de la vida cotidiana; es precisamente, una estética “versión” de toda la vida en sus momentos trascendentes. Música que no solo dice, música que hace; para aviar a las gentes por el camino de la vida, y no para desviarla de sus funciones comunales. Continúa…

Tomado de: “Estética del Jazz” de Néstor R. Ortiz Oderigo / Ricordi Americana, Buenos Aires, Argentina, 1951

Foto: Circus Baobab

Martin Taylor: Condecorado por sus servicios al Jazz

"A través de la historia del medio sólo un pequeño puñado de guitarristas de jazz ha poseído la técnica y el infalible sentido musical requerido para crear la excitación y la música completa sin la ayuda de una sección de ritmo. El trabajo solista de Martin, como el piano solista de Art Tatum, no tienen igual. Él es uno de los verdaderos gigantes de la guitarra de jazz...una voz única." (David Hungate / Productor)
Martin Taylor nace el 20 de Octubre de 1956 en Essex (Inglaterra), pasaron solamente cuatro años para que Martin Taylor recibiera su primera guitarra de manos de su padre, el bajista de jazz, Buck Taylor. A los ocho años ya tocaba en la banda de su padre. Aunque inspirado al principio por el guitarrista gitano Django Reinhardt, debió ser el más notablemente pianista Art Tatum, del tomó su imaginación y lo puso en el camino de desarrollar su propio estilo individual de ejecutar la guitarra solista.
Abandonando la escuela a los quince dejó las Islas británicas con destino a Nueva York, tocando en el crucero de la Reina de transatlántico de crucero Queen Elizabeth II y pasando los próximos dos años trabajando en el Caribbean. Su rápido desarrollo en la maestría musical de pronto le hizo ganar muchos admiradores y en 1978 hizo su álbum debut "Taylor Made". Al año siguiente recibió una llamada de Stephane Grappelli invitándolo a tocar en una serie de conciertos en Francia.
El gran violinista de jazz quedó tan impresionado que le pidió que se uniera en un tour de una costa a costa en los Estados Unidos, incluyendo el Carnegie Hall de Nueva York y el Hollywood Bowl. Esto fue el principio de una colaboración de unos once años que incluyó numerosas giras mundiales y más de 20 álbumes, realizando grabaciones con Michel Legrand, Peggy Lee, Yehudi Menuhin, Nelson Riddle y la banda sonora para la película de Louis Malle "Milou en Mai".
Junto a su trabajo con Grappelli, todavía perseguía su carrera solista, recibiendo la amplia aclamación crítica para su álbum "Sarabanda" grabado en Los Angeles en 1987 y destacando al bajista John Patitucci, al percusionista brasileño Paulinho Da Costa y producido por el bajista de Toto, David Hungate. En 1990 Taylor hizo su primer álbum para Linn Records, "Don't Fret", y decidido concentrarse completamente en su carrera solista. Su segundo álbum, "Change of Heart", siguió pronto y en 1993 él grabó su álbum solista críticamente aclamado, "Artistry", que encabezó el UK Jazz Charts durante seis semanas. En el mismo año Grappelli y Taylor se reunieron brevemente otra vez para hacer un álbum de dúo, "Reunion", para el sello Linn y que fue motivo de un documental de TV de la BBC. Al público británico le fue familiar su siguiente grabación "Spirit of Django" por su versión de 'Johnny and Mary' de Robert Palmer que fue usado para el famoso “Nicole - Papá!” comercial de TV para Renault Clío. "Portraits", su sexto álbum para Linn Records fue grabado en Nashville, Hamburgo y Escocia y, aunque principalmente es un álbum solista, esta fue una oportunidad para Martin de trabajar otra vez con dos viejos amigos, David Hungate y el legendario guitarrista Chet Atkins.
"Years Apart", otra oportunidad para la Spirit of Django band, fue presentado en 1996 logrando la aclamación crítica y la popularidad pública. Este también ganó premios en dos categorías en el BT British Jazz Awards en dos categorías: Best Guitar y Best Small Group. Siendo un concertista muy buscado, Martin Taylor pasa la mayor parte de su tiempo viajando por el mundo, Europa, América, el Extremo Oriente y Australia son destinos comunes. Cuando no viaja vive en una granja en Escocia donde escribe la música para TV y películas.
El sábado, 15 de junio de 2002, Martin fue nombrado como Miembro de la Orden del Imperio británico. Este honor, concedido a Taylor por Su Majestad la Reina por sus servicios al jazz, le fue presentado en el Palacio de Buckingham. "Yo estoy completamente asombrado y absolutamente emocionado", comentó Taylor. "Realmente es un honor ser reconocido de este modo por hacer lo que me gusta del mejor modo posible -la música ha sido la inspiración de mi vida y yo no podía imaginarme alguna vez haciendo otra cosa. ¡Es brillante!"
Fuentes varias / musicaquecuelga.blogspot.com

NOVEDADES Y SUGERENCIAS 1

Virginia Ramírez
Manos y Alma
Independiente
2009
Virginia Ramírez, con manos y alma venezolana. Para poder ubicarlos en el contexto, en esta parte de Latinoamérica donde la música es pródiga en ritmos, en diversidad de géneros y melodías en influencias como en tradiciones. Donde con naturalidad surgen músicos, intérpretes y compositores que hacen de aquella “exuberancia” un mundo musical y armónico de riquísima variedad y calidad. Y, para comprender donde nace y se desarrolla la inquietud musical, la imaginación como inspiración de Virginia Ramírez, antecedo a mis notas, algunos comentarios vertidos por quienes comparten con más vecindad.
"Manos y alma". La pianista venezolana Virginia Ramírez ha publicado su nuevo CD, "Manos y alma", que fusiona ritmos venezolanos y afro-caribeños con el jazz y con otros estilos musicales de la música global. El álbum trae once temas instrumentales, que unen ritmos y tradiciones musicales de Venezuela con elementos afro-caribeños y la sutileza del jazz. Manos y alma contiene ocho piezas compuestas por la pianista venezolana, además de otras de Chucho Valdés, Pablo Camacaro y Antonio Lauro. Asimismo, la canción Manos y alma – interpretada a dos pianos por el maestro Gerry Weil y por Virginia Ramírez – tiene elementos románticos con la delicadeza típica de la balada.
En esta producción discográfica Virginia Ramírez cuenta con invitados destacados, entre los que se encuentran grandes maestros de la música contemporánea venezolana como Aquiles Báez, El Goyo Reyna, Alexis Cárdenas, los integrantes del grupo C4trio, Roberto Koch, Diego Maldonado, Carlos Eduardo Arellano, Alexander Livinali, Nene Quintero, Marisela Lovera, Gerry Weil, Adolfo Herrera y Heriberto Rojas.
La agrupación musical de Virginia Ramírez, se encuentra integrada por el baterista Diego Maldonado, el bajista Rosneth Medina, el guitarrista Carlos Eduardo Arrellano, el Goyo Reyna en las palmas y los jaleos flamencos, el percusionista Nene Quintero, con la propia Virginia Ramírez en el piano, los arreglos y la dirección musical.
Pablo Aguirre /jazzsiglo21.blogspot.com
“Sin duda, este es un excelente trabajo que pasará a ser referencia obligada de las nuevas generaciones. Sólo me queda felicitar a Virginia por este logro. ¡Éxitos!”
Aquiles Báez, Nueva York, febrero de 2009.
“Manos y alma es una producción artística que, sin ser altamente pretenciosa, es rica en refinamiento, elegancia, swing y creatividad…”
Pablo Aguirre. BBC de Londres, marzo 2009.

Virginia Ramírez comenta. “Desde niña, antes de nacer, mi mamá Enriqueta me cuenta que ella pasaba horas con los audífonos en la barriga y me ponía a escuchar música clásica... Bach, Mozart, Vivaldi, Rachmaninov, Chopin, entre otros. Después que nací, en la casa siempre estaba en contacto con la música. Mi papá, Asdrúbal Ramírez, me despertaba en las mañanas con canciones venezolanas. Él tocaba el cuatro o la guitarra y cantaba. La verdad es que no me gustaba levantarme tan temprano para ir al colegio, así que él se invento lo de las canciones para despertarme”...
La pianista y compositora Virginia Ramírez lanza al mercado su segundo material discográfico Manos y alma en el que deja entrever su amor por la música y alcanza una madurez artística sorprendente.
En once temas instrumentales, Virginia nos trae la unión de los riquísimos ritmos y tradiciones musicales de Venezuela, fusionándolos con interesantes elementos afro-caribeños y la sutileza del jazz. El merengue, el joropo, el tambor y una visión amplia hacia el world-music se hacen sentir en esta propuesta musical.
“He tomado de los colores de nuestro inmenso mosaico de ritmos y melodías para describir con música lugares e historias que son luz, danza, barro, canto, montaña, selva y mucho más de esta belleza que somos y tenemos. Me he adentrado en la raíces de nuestra historia musical para vislumbrar a partir de allí un nuevo horizonte que me permite abrazarme con la música del mundo y encontrar ese hilo mágico que nos une con otros continentes y otras culturas”…dice Virginia.
Virginia Ramírez, actualmente, se destaca como una de las figuras jóvenes del nuevo jazz venezolano. Su dominio del piano posee fuertes raíces tanto en el jazz como en la música clásica y venezolana.
Es muy poco lo que a esto se puede agregar como no sea que, el CD tiene una presentación gráfica muy bien lograda. El librillo interno de excelente impresión contiene profusa información y excelentes fotografías complementarias e incluye, además de un enunciado de la autora, un acertado análisis del material que firma el destacado pianista, venezolano, Luis Perdomo. Dejan su manifiesto igualmente, Aquiles Báez y Pablo Aguirre.
Para también manifestarme, voy a señalar tres de los once temas (nada sencillo por cierto) que componen el CD y que creo reúnen y representan lo conceptual del todo en esta lograda producción. Comienzo por “Dulcinea”, que es la pista Nº 2, delicada y sutil pero, resuelta y absolutamente femenina. Sigo con “Sr. Jou”, el tema Nº 7 en el orden, magnífica versión de una magnífica y representativa pieza y…redondeo con “Seis con catira”, con todo ese color y aroma de venezolanidad. (JR)

NOVEDADES Y SUGERENCIAS 2

Mario Adnet y Philippe Baden Powell
Afrosambajazz
Adventure-music records
2009
Los Afro sambas, son revisitados en este nuevo trabajo por dos compositores, arregladores e instrumentistas: Mario Adnet y Philippe Baden Powell.
Grabados originalmente por Baden Powell y Vinícius de Moraes en enero de 1966, el histórico cancionero en “Afrosambajazz”, muestra una interesantísima relectura orquestal contemporánea de aquellos clásicos como “Canto de Ossanha”, “Berimbau” o “Canto de Xangó”.
Acompañados de un grupo musical formado por músicos representativos en el escenario instrumental brasileño como, Marchos Nimrichter (piano eléctrico y acordeón), Jorge Helder (en Contrabajo) Armando Marçal (percusión) Edú Neves (saxo tenor y flautas) y Teco Cardoso (saxo barítono y flautas) entre otros. El trabajo de Adnet y Philippe (hijo de Baden Powell) concede a la obra de Baden y Vinicius una relevante identidad orquestal, yendo más allá del concepto original de canción popular. (Originalmente publicado en canal UOL Música)
El guitarrista Baden Powell, junto con uno de sus amigos más cercanos, el poeta Vinícius de Moraes, concibió un conjunto de canciones seminales para la música brasileña. Son los Afro sambas, lanzados en el disco homónimo en 1966, ricos en la mezcla de timbres y sonoridades y exaltando la coincidencia socio cultural brasileña, que lograban las interpretaciones de diversos artistas.
“Afrosambajazz” celebra el encuentro de los géneros más importantes de la música brasileña y norteamericana con su matriz africana.
Escritos – originalmente – para guitarra, voz y percusión estas poderosas canciones ganan con lujosos arreglos jazzísticos para Big Band y, con esos nuevos timbres, fraseos y armonías, van creciendo en peso y volumen y, ampliando la potencia de este notable conjunto de sambas, batuques, afoxés y ijexás, interpretados por el maestro Adnet, y el pianista Philippe Baden Powell.
Francamente, ya es osadía tratar de, en tres temas, resumir la propuesta de los artistas que, en el CD proponen 14 pistas pero, lo voy a hacer: para empezar – siguiendo el orden de aparición – el tema Nº 2 “Ritmo afro”, singular sin lugar a dudas, sigo con la pieza “Pai”, marcada con el Nª 10, con un aire que me recuerda al notable Moacir Santos y para cerrar el track Nº 12 “Berimbau”, todo un catálogo de excelencia arreglística. (JR)

NOVEDADES Y SUGERENCIAS 3

Ricardo Nolé & Templando
Jazzdombe
2010
Comenta Ricardo Nolé: “A este proyecto lo tenía en mente desde hace varios años: música afro-rioplatense con lenguaje jazzístico donde las composiciones y los arreglos de los instrumentos de viento tengan una fuerte interacción con la base rítmica. La intensión es generar un producto intenso con identidad. Así lo entendieron los músicos que participaron en este CD quienes vienen colaborando conmigo desde hace un par de años, poniendo toda su energía al servicio de la Música”.
Ricardo Nolé fue pianista y arreglador de Rubén Rada en la década del 80. En el 90 forma su primer piano trío con Alejandro Herrera y Quintino Cinalli desarrollando de manera original el género candombe. Una riquísima paleta armónica, inspirados desarrollos y un lenguaje jazzístico virtuoso son algunas de sus características. Tiene seis trabajos solistas publicados y varias colaboraciones en proyectos de jazz y música del Brasil.
Hace un año trajo los nuevos arreglos para el septeto Templando: un verdadero desafío musical. El proyecto tiene mucho del jazz latino de los cubanos, solos que requieren buena técnica de parte de los caños y tempos rabiosos y excitantes. La audiencia se entusiasma con la artillería pesada que dispara el grupo en vivo, es música groovera, divertida y muy interesante al mismo tiempo. (fernandolerman.com)

Templando:
Ricardo Nolé, pianos
Fernando Lerman, flauta, saxos alto y soprano
Juan Presas, saxo tenor
Sergio Wagner, trompeta
Jose Lopretti, Mariano Sivori, Guido Martínez, bajo
Turco Mokdad, percusión
Facundo Ferreira, percusión y batería

Contenido:
1. Sureña (Ricardo Nolé)
2. O Sambinha (Hugo Fattorusso)
3. Martuan (Rubén Rada)
4. Candonga Agridulce (Fernando Lerman)
5. Muy lejos te vas (Rubén Rada)
6. Templando viene sonando (Javier Mokdad - Facundo Ferreira)
7. Conversa de tambor (Ricardo Nolé)
8. Mito (Fernando Lerman)
9. Tizita (Ricardo Nolé)
10. Montevideo (Rubén Rada - Hugo Fattorusso)

TAMBIEN HEMOS RECIBIDO:

Alexis Cole / The Greatest Gift
Aquiles Báez / Ana María
Jacques Schwarz-Bart / Abyss
Quinteto Pintín / Quinteto Pintín
Virgilio Da Silva / Odysseia
Terje Lie / Urbanvacation
Samuel Torres / Yaoundé
Discos los cuales, estaremos oportunamente revisando y comentando para Uds. en, nuestras próximas ediciones.

Estimados amigos de “En Clave de Jazz”:
En nuestro deseo y afán por contribuir y colaborar a la mejor difusión y la mayor promoción de todas las actividades y proyectos que se realizan en el género, les solicitamos tener en cuenta lo siguiente:
Actualizamos quincenalmente: (cada 15 días, una nueva edición)
A los amigos músicos y profesionales, casas discográficas o productores, que deseen hacernos llegar sus trabajos y noticias, con mucho gusto las recibiremos y, las incluiremos en las secciones correspondientes.
Reseñas y Notas: Se agradece enviar el texto editado en formato y fuentes usuales; evitando en lo posible el uso de redacción en "sólo Mayúsculas" (excluyente) y, las fotos adjuntas, deben venir adaptadas para su uso en la web.
E-mail: jorgerochac@gmail.com
Eventualmente con copia a: uru_ven@yahoo.com
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Muchas gracias.
Jorge Rocha