Dayramir González: Jazz cubano actual

Dayramir González nació el 18 de octubre de 1983 en La Habana (Cuba). Procede de una familia de músicos, y su padre le fue introduciendo esta magia desde los 4 años. Comienza sus estudios de Piano clásico a los 7 años de la mano de Amado Touza y Miriam Valdés (hermana de Chucho), siguiendo sus estudios de nivel medio bajo la mirada del prestigioso pianista y compositor cubano Huberal Herrera. Con una formación clásica sólida, Dayramir comienza a los 16 años su vida profesional con el grupo del ex-Irakere Óscar Valdés, tocando en todos los clubes de jazz de La Habana y participando en el Festival de Jazz "Jazz Plaza” (2000 y 2001).
En 2002 prepara un quinteto de jazz formado por jóvenes de la ENA (Escuela Nacional de Arte), con el cual se presentan al Festival de Jazz de ese año, compartiendo escenario con la saxofonista Janne Brunnet, Timbalaye o Ramón Valle, entre otros. En las siguientes ediciones (2003 y 2004) se ha presentado como invitado con diferentes formatos, compartiendo escenario con Chucho Valdés, Bobby Carcasses, Ernán López -Nussa, Pacho Terry, Omara Portuondo o Teresa García-Caturla, entre otros.
En 2005 integra la nómina de excelentes músicos que agrupa el batería Giraldo Piloto, Klimax, haciendo una gira por Tenerife y compartiendo escenario con Jerry Rivera.
A mediados de ese año en paralelo a su labor con Klimax decide crear su propia formación, Dayramir & Habana enTrance. A finales de año gana el Jojazz, concurso para jóvenes jazzistas que organiza el Instituto Cubano de la Música, el cual le permite entrar en el mundo discográfico, colaborando con músicos de la talla de Elmer Ferrer y tres grandes saxofonistas: los ex-Irakere Javier Zalba y César López, y el también clarinetista y ex-integrante del grupo de Pablo Milanés, Orlando Sánchez (Cubajazz).
Dayramir muestra una visión del jazz cubano actual, rescatando la línea de continuidad genealógica del danzón y la contradanza (géneros que fueron primarios a mediados del siglo XIX y XX en Cuba), teniendo gran aceptación por la crítica especializada.
(festivaljazzplaza.icm.cu)

Carme Canela: una voz con carácter

Carme Canela es una de las voces destacadas del jazz emergente Español. Con un estilo muy singular, Carme Canela cuenta con un currículum sólido, que incluye colaboraciones con diversos artistas de prestigio internacional.
Nacida en Barcelona, a los 16 años inicia su carrera musical como vocalista de la Orquesta Encantada con la que registra 4 discos.
Cursa estudios con Dee Kohanna del Aula de Música Moderna y Jazz de Barcelona, en el Taller de Músics, recibe clases de técnica vocal con Joaquim Proubasta y Maya Mayska y asiste a diversos seminarios internacionales con profesores como Sheila Jordan entre otros.
Su experiencia musical abarca colaboraciones con músicos del ámbito jazzístico internacional y español como: Bruce Barth, Kurt Rosenwinckel, Mike Mossman, Lluís Vidal, Joan Albert Amargós, Perico Sambeat, David Mengual, Dani Pérez, Gorka Benítez, Laura Simó , Zé Eduardo, Albert Bover, Iñaki Salvador, Jordi Bonell, Carles Benavent, Bernardo Sassetti, Agustí Fernández, Robert Ashley y con diversas formaciones como La Orquesta de Cámara del Teatre Lliure, el Albert Guinovart Ensemble, la Big Band del Taller de músicos y la Big Band Jazz de Terrassa.
Han dicho de ella...
Carme Canela es seguramente una de las mejores voces femeninas del momento. Formada en el mundo del jazz no sólo domina la técnica vocal, sino también esa que se aloja en el músculo que está bajo las tres costillas del lado izquierdo. Cante lo que cante lo hace suyo, lo lleva para su casa y le da su tiempo y su espacio.
Sabe acompañarse de los mejores músicos que son además compositores de buena parte de las músicas que interpreta en este espectáculo.
Xavier Pintanel / Cancioneros.com
Carme Canela, con una larga experiencia en el panorama jazzístico catalán y español, ofrece sus arriesgadas versiones, en catalán, castellano o inglés, tanto de los standards más recordados como de perlas escondidas del repertorio vocal jazzístico.
Las buenas cantantes de jazz se han convertido de un tiempo a esta parte en una rarísima especie a la que habrá que proteger con especial mimo si se quiere evitar su desaparición total. El problema, grave fuera de nuestras fronteras, roza en España lo alarmante. Por eso resulta particularmente grato dar la bienvenida a Carme Canela. A pesar de su juventud, la barcelonesa acredita un swing elegante, una voz con carácter y una autoridad técnica que le permite enfrentarse con total confianza a los clásicos del jazz más comprometidos. Incluso en las baladas, suerte suprema, para cualquier vocalista exigen e, impone un estilo original que nunca se inspira más allá de lo razonable en las grandes cantantes blancas y en maestras negras del género tan extraordinarias como Shirley Horn.

Federico González / El Pais / Madrid

Jazz Tour 2009 festejando su 10º Aniversario, presenta el 8 de Diciembre, en el Teatro Solís de Montevideo a Carme Canela, presentando "Sencillos Deseos" canta a Gioconda Belli.
Auspiciado por la Embajada de España en Montevideo

La Polillazzera: La Orquesta de Jazz (3)

Con mucha frecuencia en la bibliografía de distintas publicaciones, se observan nombres y autores que, además de repetirse y reiterarse como fuente de información en innumerables ediciones, estas obras – debido a la época en que fueron escritas – están prácticamente “desaparecidas” en nuestros días. Cuando por azar o por una eventualidad se tropieza con uno de estos raros ejemplares, la Polilla jazzera que uno lleva por dentro, sabe que el “alimento” en estos casos consiste en conservar ese material y, dado la importancia del tratamiento dado al tema desde la perspectiva histórica, la conveniencia de revisitarlo y compartirlo. De eso se trata. Otra mirada, a partir de aquella mirada. (JR)
Continuación. (…) En cuanto se generalizó el empleo de los saxófonos en las orquestas sincopadas, varios tradicionales conjuntos que cultivaban las maneras de Luisiana alteraron su vieja instrumentación, dando cabida a la creación del músico belga.
La agrupación de King Oliver, en sus registros fonográficos efectuados a principios de 1923, ya cuenta un saxófono bajo, y más tarde, a fines de noviembre del mismo año, con uno algo, en manos de Stomp Evans. Las grabaciones de la Cook’s Dreamland Orchestra, que datan de la misma época, presentan ya un trío de saxófonos: dos altos y un tenor, además del clarinete de Jimmie Noone. Jelly Roll Morton incluye, asimismo, saxófonos en algunos de sus discos grabados entre 1923 y 1924.
En lo que respecta a las orquestas integradas por músicos blancos, la Original Dixieland Jazz Band, en sus grabaciones realizadas a partir de diciembre de 1920 (Margie, Palesteena, Sweet mama, etcétera) incorporó al saxofonista alto y barítono Bennie Krueger, alterando así el “ensemble” polifónico. Por su parte, los New Orleans Rhythm Kings no se sustrajeron a esta tendencia, sino que siguieron la misma huella; en sus discos gramofónicos efectuados en 1922 cuentan con la colaboración del saxofonista Jack Petties.
Mientras tanto, a medida que aumentaba el número de los miembros de la sección melódica de las orquestas de “jazz”, los estilos y las escuelas iban evolucionando, desarraigándose ambos, cada vez más, de los castizos fundamentos afro-estadounidenses de Nueva Orleans y abandonándose la polifonía horizontal, típica de Luisiana, en beneficio del “ensemble” preconcebido y arreglado.
Por entonces, el saxófono fue aceptado en el seno de la orquesta “hot” no solo como un instrumento útil, sino también imprescindible. Desde luego que esto es absolutamente inexacto. Y se lo empleó en dúos, en tríos o cuartetos, en armonizaciones junto con los instrumentos de metal, así como en los solos. (…)
Los saxófonos se construyen en seis registros distintos: sopranino, soprano, alto, tenor, barítono y bajo, por lo común en las tonalidades de si bemol y mi bemol. En el “jazz”, los registros preferidos, en razón de la flexibilidad de sus voces, son el alto y el tenor, aunque también se emplean el soprano, en el cual Sidney Béchet es un maestro inigualable; el barítono, manejado a la maravilla por Harry Carney, de la orquesta de Duke Ellington, y el bajo, como “astro” ha sido, durante mucho tiempo, Adrián Rollini.
Continúa…

Foto: Harry Carney

Tomado de: “Estética del Jazz” de Néstor R. Ortiz Oderigo / Ricordi Americana, Buenos Aires, Argentina, 1951

Ingrid Jensen: una trompeta femenina

Para Marian McPartland, decana del piano jazzístico, la canadiense Ingrid Jensen “toca la trompeta y el fliscorno con toda la brillantez y fuego de un verdadero virtuoso, siguiendo el espíritu de la musa mientras crea”. La pianista la califica como “cálida, sensible, excitante y totalmente honesta”.
Nacida en Vancouver, Jensen captó con su sonido la atención de uno de los grandes de la trompeta, Clark Terry, quien se volvió su protector. La experiencia fue sorprendente porque era uno de sus héroes, dice en entrevista. “Me impresionó por su habilidad de no verme como una chava blanca de Canadá sino como alguien que hace música. Siempre me apoyó mucho, era muy amable y gracioso conmigo. Es difícil verlo ahora porque creo que vive en Nebraska, pues deben cuidar mucho de él porque es muy frágil –tiene 88 años–. Pero por supuesto que lo veo cada vez que toca en Nueva York, donde vivo”.
Tener la oportunidad de haber estado cerca de un músico como Terry, uno de los cimentadores de la trompeta jazzística, fue un enorme privilegio, considera Ingrid, quien se presentó en el Festival Cervantino y ha realizado una intensa actividad en México con su grupo. Cuenta que también pudo relacionarse con otros músicos importantes durante su estancia en Europa, donde fue luego de estudiar en el Berklee College of Music. “Pude estar cerca de Art Farmer, quien me apoyó mucho, lo mismo que Clark Terry o Enrie Wilkins, actual director de la banda de Count Basie. Todos ellos me impulsaron a tocar. Creo que me hicieron darme cuenta que la música es mucho más que lo que algunas veces los medios quieren hacer ver. Esa fue una gran lección de humanidad”.
Todavía hace algunos años ser mujer trompetista le trajo algunos problemas en Nueva York, por lo que Jensen decidió irse a Europa. Ahora que ha vuelto a radicar en Nueva York siente que las cosas han cambiado, aunque no radicalmente. “Estamos llegando, lentamente –dice riendo–. Cada vez que leo revistas como Down Beat o JazzTimes veo que en las listas de la mayoría de los festivales y la gente que recibe cobertura de los medios son hombres. Si son mujeres es porque usualmente son cantantes o pianistas. Creo que todavía falta mucho por recorrer y mucho de eso tiene que ver con la percepción pública de las cosas, desde el punto de vista de escuchar en lugar de ver. Vivimos en un mundo muy visual. Las cosas no han cambiado mucho”.
Sin embargo, su autoridad como líder de sus grupos no es cuestionada por ser mujer. “Puedo contratar a la gente que quiere tocar conmigo porque les gusta cómo lo hago, así que no hay jaladas en ese sentido, las cosas son bastante directas y tienen que ver con la música. Diría que uno de mis retos es conseguir conciertos donde tenga mayor exposición, agentes que me apoyen más. Creo que la gente todavía juega los juegos seguros en cuestiones como ésta –contratar grupos liderados por mujeres–, así que sólo es cuestión de perseverar, ser paciente, seguir escribiendo y tocando con la gente que me gusta tocar”.

Xavier Quirarte / milenio.com / México

Novedades y Sugerencias

Benjamin Taubkin
Trío + 1
Adventure-music records
2009

La música brasileña y su diálogo con las otras culturas, viene siendo el campo de actividad y experimentación del pianista y compositor, Benjamín Taubkin. Realizó diversos viajes por América del Sur y América Central, con el objetivo de conocer mejor la producción musical local y establecer puentes y redes de intercambio.
Benjamín alcanza una sonoridad que viene dada por su trayectoria y trabajo con los grupos de los que forma parta y en los que participa en la fusión de elementos tradicionales y contemporáneos y, de su experiencia en Brasil, en América latina y en el mundo. Es una traducción de su visión de la integralidad de la música en la vida.
Este es el diálogo escondido entre los silencios de las notas. Esto es lo que distingue la música del pianista, Benjamin Taubkin, el percusionista Sergio Reze, el bajista Zeco Assumpção, en trompeta y flugelhorn Joatan Nascimento y (en una sola canción) el clima y los colores logrados con sorprendentes instrumentos construidos por él mismo de Fernando Sardo.
Ellos beben en la fuente de la música brasileña, Benjamín Taubkin extrapola a la libertad musical en dirección a una visión más amplia del lenguaje. Esto es lo que propone y nos muestra Trío + 1 en este muy recomendable CD.
De los 6 temas que ofrece este magnífico trabajo, algunos un poco extensos, como forma de poder desarrollar la temática musical deseada, me arriesgo a destacar, dos de ellos, como representativos de todo el trabajo, el Nº 3 "Baianinho" y el Nº 6 "Consolaçao" pero, por supuesto que todo el disco es de primera. (JR)

El jueves 7 de enero de 2010, en Maldonado, Uruguay, comenzará una nueva edición del tradicional Festival Internacional de Jazz de Punta del Este, antes conocido como Festival de Jazz de Lapataia. La primera jornada del festival tendrá la presentación del Benjamin Taubkin Trio + 1, en el cual el pianista se une a la trompeta de Jonatan Nascimento, el contrabajo de Zeca Assumpçao, la batería de Sérgio Reze y la voz de Tatiana Parra.

Novedades y Sugerencias 2

Tom Lellis & The Metropole Orchestra
Skylark
Adventure-music records
2009

Skylark, es la tercera entrega por Adventure-music, del aclamado vocalista de Jazz, Tom Lellis, con las siempre cautivantes características líricas de Lellis, en interpretaciones de obras instrumentales de Herbie Hancock, Chick Corea y Toninho Horta, un popurrí de canciones de Antonio Carlos Jobim, tres composiciones originales, y el tema que además le da nombre al CD: una inquietante versión de "Skylark" de Hoagy Carmichael.
Los arreglos de Skylark fueron realizados por, el ganador de un Grammy Vince Mendoza y otros artistas, destacando el concepto y las facetas de Lellis como vocalista, compositor y letrista acompañado por los 52 integrantes de la Netherelands Metropole Orchestra, dirigida por el también premiado con un Grammy, el bajista y compositor John Clayton.
Nacido en Cleveland, Ohio, Tom Lellis comenzó a cantar profesionalmente a la edad de 15 años. Residente en Nueva York, Tom Lellis, es parte de lo que parecía una especie en peligro en las últimas décadas: los cantantes de jazz. Un crooner de alto vuelo.
Skylark debe haber sido un desafío, incluso para un cantante de la estatura de Tom Lellis. Sin embargo, acierta gracias a esa seguridad demostrada en su trabajo y que hace parecer que nació para encarar esta aventura musical. Mucho merito para el resultado, lo tiene también, la selección del repertorio.
En Skylark, Tom Lellis celebra a los grandes cantantes y a la canción de décadas pasadas. Probablemente esa no era su intención pero, de todas formas, afortunadamente resultó. Lellis es un excelente cantante, con el estilo clásico de cantantes, como Frank Sinatra, Dean Martin y Barry Manilow. Skylark fue nombrado el "Top CD de Jazz Vocal de 2002" por la Jazz Education Journal’s. Tomando como ejercicio, el destacar un par de temas de las 8 pistas que, en este caso, componen el CD y que, éstos, puedan darnos una idea del total, me inclino decididamente por la pista Nº 3 “Straight up and Down” de Chick Corea (excelente) y luego, por la Nº 8 “Love Is” del propio Lellis (absolutamente disfrutable). JR

Novedades y Sugerencias 3

Oran Etkin
Kelenia
Motema music
2009

Kelenia, el título del CD, es una palabra que en el idioma Bambara significa el amor sentido por aquellos que son diferentes entre sí. Esto es muy apropiado cuando se consideran los antecedentes del original trío, y quienes se han sumado a esta grabación. Por supuesto, la música es una expresión de los sentimientos declarados en el título, así como los distintos antecedentes que llegan a través de la música.
El camino de la creación de Kelenia llevó a Etkin de su nativa Israel a Boston, para de ahí volver a estudiar y trabajar en el Oriente Medio, y luego a través de Malí, Haití, para recalar finalmente en el vibrante crisol cultural de Nueva York
Este es el primer disco de Etkin para Motema music, contando con la participación y para la conformación de la banda, con Balla Kouyate en el Balafón (xilofón), Makane Kouyate en Calabash y voz así como con Joe Sanders en el bajo. En este trabajo se destaca además la colaboración y la aparición del cantante Abdoulaye Diabate, el percusionista Mohamed Camara, también el guitarrista Lionel Loueke y John Benítez en bajo.
Para Etkin, el primer instrumento de viento fue el saxofón, pero como su educación musical fue avanzando, amplió su destreza musical también hacia el clarinete. Cuanto entró a la Universidad, decidió proseguir su licenciatura en Brandeis University en clarinete clásico y composición, así como pasar un año en la Rubin Academy of Músic en Jerusalén, donde también estudió música árabe.
Todas estas experiencias, se han reunido en perfecta sinergia de forma que, Oran Etkin está en su elemento. El reflejo musical de esa sinergia, Kelenia, es un intensamente personal y brillante trabajo.
"Un amanecer de nuevos sonidos que destacan composiciones inspiradas por lo africano y la música de jazz" (New York Daily News)
"Un compositor de eminente individualidad...un músico de extraordinario desempeño, un alma y una mente en búsqueda de la verdad estética" (Dr. Yusef Lateef: legendario saxofonista).
Para completar y complementar lo hasta aquí comentado, agrego que, es la primera vez que me acerco al sonido y a la propuesta de Etkin, aunque sí conozco de sus colaboradores algunas cosas y, finalizo, señalando (subjetivamente) dos temas de los 11 que nos ofrece este singular trabajo de Oran Etkin. Entonces, marco el Nº 3 “Kelenia” por lo evocativo y, el Nº 7 “Brink” por su musicalidad. JR

TAMBIÉN HEMOS RECIBIDO:
UY Trío (Magnone, Righi y Trasante) / Uy Trío
Aquiles Báez / Ana María
Alexis Cole / The Greatest Gift
Ithamara Koorax y Juarez Moreira / Bim Bom
Mario Adnet-Philippe Baden Powell / Afro-samba-jazz
Discos los cuales, estaremos oportunamente revisando y comentando para Uds. en, nuestras próximas ediciones.

Estimados amigos de “En Clave de Jazz”:
En nuestro deseo y afán por contribuir y colaborar a la mejor difusión y la mayor promoción de todas las actividades y proyectos que se realizan en el género, les solicitamos tener en cuenta lo siguiente:
Actualizamos quincenalmente: (cada 15 días, una nueva edición)
A los amigos músicos y profesionales, casas discográficas o productores, que deseen hacernos llegar sus trabajos y noticias, con mucho gusto las recibiremos y, las incluiremos en las secciones correspondientes.
Reseñas y Notas: Se agradece enviar el texto editado en formato y fuentes usuales; evitando en lo posible el uso de redacción en "sólo Mayúsculas" (excluyente) y, las fotos adjuntas, deben venir adaptadas para su uso en la web.
E-mail: jorgerochac@gmail.com
Eventualmente con copia a: uru_ven@yahoo.com
CD’s, Libros, Otros: Si en lugar de noticias son grabaciones, material de difusión etc., por favor hacerlo a la dirección de correo postal aquí indicada. Recibirán -como siempre- la necesaria y adecuada cobertura en la sección de reseñas discográficas o, donde concierna en "En Clave de Jazz" (Web-magazine y también, en la edición Radio).

Dirección: Avenida Del Libertador 1708, Apto. 1304, Montevideo 11800, Uruguay.

Muchas gracias.

Jorge Rocha

EN CLAVE DE JAZZ (El web-magazine) "provisorio".

Debido a cambios que se están realizando en los servidores y en el hosting del portal Aurora donde habitualmente Uds., nos siguen, realizamos esta edición alernativa que, nos permite el contacto y la continuidad. JR