JAZZ DE ACÁ: Actividad local

"El jazz, como muchas otras artes se explica a sí mismo, y sólo la experiencia de su audición permite comprenderlo’’.

LAS ACTIVIDADES PASADAS:

Habáname. Un recorrido por la canción cubana de ayer y de hoy. Susana Martínez, voz (Cuba) Juan Prada, piano, Sergio Tulbovitz, percusión y  E. "Checo" Anselmi, en bajo. En, Paullier y Guana Bar. V Jazz. Verónica Pérez, voz, Martín Tejada, guitarra, interpretan adaptaciones y canciones de jazz y bossa. En Amadeo. Cuarteto de Saxofones. Presentaron su nuevo repertorio. En, El Museo del Vino. La Tin Banda. Se presentó en el marco del festival de percusión popular de Montevideo. En Sala Zitarrosa. La Candombera. (Jazz Cuarteto + invitados) Alejandro Luzardo y compañía, el candombe, el jazz y la fusión de ritmos afro latinos. En La Conjura.

PRÓXIMAS OCURRENCIAS (Quién, Dónde, Cuándo?)

Sol Bauzá. Viernes de So(u)l. Un nuevo ciclo donde ésta inquieta batalladora recorre distintos tópicos y autores. Viernes 31 de Mayo y último viernes de cada mes. Museo del Vino. Flip Flop Band. Atravesando tiempos. Anita de Rogatis me recuerda - y envía presta esta información - que dice: Freddy Ramos, guitarras; José Luis Pérez, batería y percusión y, Gustavo "Mamut" Muñóz, bajo. La raíz más profunda y principal de nuestra música (el Candombe) enriquecida con otros estilos musicales. Domingo 2 de Junio, Sala Zitarrosa. Jazz Tour Uruguay. El cartel por ahora confirmado es: Cristina Branco. Luego de su exitoso concierto el año pasado, vuelve Cristina Branco a deleitarnos con su hermosa voz y su magnífica forma de interpretar el fado. Presenta Embajada de Portugal e Instituto Camoes. 13 de Junio - Teatro Solís, Sala Principal. Salif Keita. Keita es conocido como “la voz de oro africana”, uno de los mayores impulsores del afro-pop y líder del primer grupo africano en ser nominado a un Grammy. 17 de Junio - Auditorio Nacional del Sodre. Cedric Hanriot Groovematic. Cédric se ha impuesto rápidamente como uno de los músicos y compositores más vistos en la escena del jazz actual. 27 de Junio - Teatro Solís, Sala Zavala Muniz. Presenta Embajada de Francia. 6to Festival de Jazz de Montevideo. La sexta edición, de este ya clásico evento musical Montevideano, tendrá un desarrollo similar al del año pasado, con clínicas, conciertos en el Teatro Solís, en la Plaza Matriz, en diferentes salas de los barrios de la ciudad. Del 18 al 23 de Noviembre. Jazz Tour 2013 en Carmelo. Nuevo ciclo presentado por José Reinoso. Pretende ser un ciclo anual de conciertos de artistas de renombre internacional a llevarse a cabo en el pintoresco y renovado Teatro Uamá de la ciudad de Carmelo, y producido por el reconocido músico carmelitano. 

Macarena Rodríguez: Visión contemporánea

Cantante, músico, y actriz argentina. Su último disco de jazz, La Búsqueda, explora un repertorio ecléctico (The Beatles, Spinetta, Fito Páez, standards y new standards) a partir del sonido acústico, la improvisación y un lenguaje expresivo personal, representativo de un bagaje cultural latinoamericano y cosmopolita. Fue presentado en clubes, hoteles y festivales de Buenos Aires y el interior del país, y en gira por Marruecos y Europa durante el 2011.

Macarena Rodríguez Robledo nació en capital federal, Buenos Aires, Argentina. Desde chica mostró inquietudes artísticas participando y destacándose en cuanto evento colegial hubiere, y tomando talleres infantiles de danza clásica, expresión corporal, comedia musical, teatro, mimo, tap, coro, desde los 5 años hasta la adolescencia. El apoyo familiar, las guitarreadas con su papá y una abuela materna con historia en la lírica completaron el entorno de su infancia musical.

En la Búsqueda de profundizar en la música como camino principal ingresó en la carrera de Músico Profesional en La Escuela de Música de Buenos Aires, donde se formó en piano, composición, audio-perceptiva, improvisación, producción y grabación, pedagogía,  etc.

Como cantante solista incursionó en los géneros del pop, funk y soul hasta llegar al jazz; en el año 2007 formó un grupo acústico con Adrián Mastrocola en piano, Gerardo De Mónaco en contrabajo y Germán Boco en batería, reconocidos músicos de la escena local, con quienes se presentó en el circuito de jazz de Buenos  Aires.

Actualmente trabaja en su próximo álbum de estudio en Buenos Aires, junto a grandes figuras de la música popular de culto en Argentina, como Diego Schissi, Andrés Beewsaert, Pablo Motta, Oscar Giunta, Ricardo Cavalli y Roxana Amed. Además,  prepara su 3ra gira Europea “Aires Buenos del Sur”, con música propia y de legendarios autores sudamericanos desde una mirada musical contemporánea y jazzística. Tiene comprometido su perfeccionamiento vocal en Alemania con el Maestro Rabine hasta el 2015, lo que la proyecta a pasar una temporada al año en Europa, donde también desarrolla su carrera mediante shows y giras junto a músicos locales.

Garota de Ipanema: Un tema, una revolución

"Ella era el paradigma de la mujer carioca; una mujer dorada, mezcla de flor y sirena, llena de luz y de gracia pero cuya visión es también triste, pues lleva consigo, camino del mar, el sentimiento de lo que pasa, la belleza que no es nuestra. Es un don de la vida en su lindo y melancólico fluir y refluir constante". Las palabras son, como no, del poeta Vinicius de Moraes describiendo a la musa inspiradora de una de las canciones más justamente valoradas de la historia de la música. La original y genuina Garota que se paseaba por delante de la terraza del bar donde Tom y Vinicius solían sentarse a tomar unas copas se llama en realidad Heloísa Eneida Menezes Paes Pinto. Actualmente, Helo, es la dueña de una cadena de locales de venta de bikinis llamada, obviamente, Garota de Ipanema.

Garota de Ipanema es la más conocida bossa nova de todos los tiempos. Compuesta en el año 1962 por el maestro Antonio Carlos Jobim, con letra de Vinícius de Moraes la pieza fue llamada originalmente "Menina que passa". El tema estaba pensado para una comedia musical titulada Dirigível (Dirigible), una obra en la que estaba trabajando Vinicius. En este punto Garota de Ipanema ya era el tema que todos conocemos en la actualidad, pero la letra que siempre hemos oído es una segunda versión. La primera decía así:

Vinha cansado de tudo, de tantos caminhos

Tão sem poesía, tão sem passarinhos

Com medo da vida, com medo de amar.

Quando na tarde vazia, tão linda no espaço

Eu vi a menina que vinha num passo

Cheio de balanço caminho do mar.

Jobim y Vinicius no estaban conformes con ella hasta que un día, cuando ambos estaban en el bar Veloso (hoy Garota de Ipanema, en la esquina de Prudente de Morais y Montenegro, actualmente rua Vinicius de Moraes), decidieron rebautizar la canción y dedicar los versos a una muchacha que solía pasar rumbo a la playa:

Olha que coisa mais linda, mais cheia de graça

É ela a menina que vem e que passa

Num doce balanço caminho do mar.

Moça do corpo dourado, do sol de Ipanema

O seu balançado é mais que um poema

É a coisa mais linda que eu já vi passar.

Fue el 19 de marzo de 1963, cuando se realizó la primera y posiblemente la más famosa grabación para la cual la discográfica Verve contó con el gran saxofonista de jazz Stan Getz, con el guitarrista y vocalista brasileño João Gilberto, que vino acompañado de su joven esposa Astrud (quien al final participaría como vocalista en dos cortes, uno de ellos Garota de Ipanema) y con Tom Jobim que se sentó al piano. El resultado fue uno de los discos más vendidos de la historia del jazz, el LP "Getz/Gilberto". Norman Gimbel adaptó la letra al inglés y la grabación de Astrud Gilberto, João Gilberto y Stan Getz (rebautizada "The Girl from Ipanema") se convirtió en un éxito mundial.

Garota de Ipanema ha sido desde entonces interpretada por una increíble variedad de artistas. De hecho prácticamente todos los grandes del jazz la han tocado alguna vez, pero la melodía llego a trascender a su propio estilo y músicos (y no tan músicos) de todos los lugares y géneros posibles se vieron con ánimos de ofrecer su personal visión sobre el tema.

Fuente: jazzfunkbossaok.blogspot.com

Melissa Aldana: cosechando...

Melissa Aldana nació en Santiago de Chile el 4 de Diciembre de 1988. Muy joven, cuando solo tenía 7 años, empezó sus estudios de música y saxo con su padre, Marcos Aldana. Marcos es uno de los primeros músicos chilenos con reconocimiento internacional, siendo el primero en participar en el Thelonius Monk Competition, así como participar en giras por todo el continente americano y Europa, convirtiéndose en uno de los formadores musicales más importantes de Chile. Tener a su padre como profesor de alumnos privados continuamente era perfecto para que Melissa sintiera mayor atracción hacia el instrumento y la música en sí.

Rápidamente desarrollo una increíble técnica que le permitió participar en el concurso internacional “Bravo Bravissimo”, ganando el 1º premio. También participó en la TV de Miami, en el concurso “Quiero ser una estrella”, donde junto con otros jóvenes talentos del mundo entero, también obtuvo el 1º premio. Además de lo anterior, tuvo varias apariciones en televisiones en Milán (Italia). Habiendo vivido todas estas experiencias en su corta vida, empezó a mejorar cada vez más su técnica y su musicalidad, pudiendo entrar a la escena del Jazz de Chile, ganándose un gran respeto entre sus colegas músicos.

En mayo de 2006 fue invitada a actuar en vivo con Randy Brecker, en sus dos conciertos en Chile. En ese mismo año tuvo la oportunidad de conocer al gran Danilo Pérez, quien más tarde le invitó a ella y a su padre a actuar en el Festival Internacional de Jazz de Panamá. Asimismo, le invitó a Melissa a Boston, a una audición en Berklee College of Music y en New England Conservatory. Melissa decidió ir a Berklee College of Music y le otorgaron la beca más importante de la Institución, la Berklee Presidential Scholarship.

Llega a Boston sin saber inglés, sin un dólar en el bolsillo (con todo pagado por Berklee) y sin conocer a nadie. Los días se le hacen interminables, el frio helado y la soledad una constante. Siendo su situación completamente opuesta a lo que había dejado en Chile, era consciente de que era realmente lo que estaba buscando. Sabía que lo único que podía hacer es esforzarse y estudiar puesto que todo tendría una recompensa y que la situación iba a evolucionar. Y así fue. Así comenzó sus estudios en el prestigioso Berklee, acabando sus estudios en 2009 con un Bachelor Degree on Performance.

Actualmente Melissa vive en Brooklyn, actuando en los clubs más importantes de Jazz de la ciudad de Nueva York, tales como Blue Note, Iridium, Lincon Center, Puppets, Fat Cat, Smalls,… teniendo el honor de compartir escenario con grandes músicos de Jazz tales como Benny Golson, Greg Osby, George Garzone, Francisco Mela, Antonio Sanchez, etc.

Tomado de: boguijazz.com

Elizabeth Shepherd: Jazz para el público

Por mucho tiempo se ha considerado que el jazz es un género para un público selecto; sin embargo, Elizabeth Shepherd una de las principales exponentes de este género en Canadá, nos muestra que los intérpretes están buscando cada vez más conectar a sus audiencias con este género sin importar si son expertos de estas melodías o simples amantes de la música.

Elizabeth Shepherd, pianista, cantante y compositora de soul-jazz, y recientemente nominada al premio Juno 2013 (el Grammy canadiense) al Mejor Álbum de Jazz Vocal del Año por su disco “Rewind”, comparte su historia, los personajes que a su gusto están marcando la pauta en América y las tendencias de este género en movimiento.

La conciencia sobre los problemas sociales que enfrenta el mundo, los valores como la fraternidad y la protección hacia los demás, han sido una constante en la vida de Elizabeth Shepherd, cuyos padres ofrecían su servicio voluntario en el movimiento internacional del Ejército de Salvación, cuando ella era una niña y acudía a diario a escuchar bandas y coros en las iglesias, en un ir y venir entre Canadá y Francia.

Alejada del purismo, Elizabeth Shepherd se define a sí misma como cantante y compositora de soul-jazz, creadora de melodías con un estilo muy personal y sofisticado, que mezcla los ritmos y acordes del soul, funk, bossa-nova y blues.

Elizabeth asegura que el jazz se encuentra moviéndose en una nueva dirección en América, con exponentes como la cantante y bajista estadounidense Esperanza Spalding y la cantante de moda en Nueva York, Gretchen Parlato.

Shepherd considera que el principal reto del jazz sigue siendo la percepción que se tiene de éste como algo aburrido y denso, inclusive como música de museo. Pero el jazz debe mantenerse vivo, abrirse y abrirse, evolucionar. Los músicos deben comenzar a improvisar, aunque sea más complicado, deben ser honestos con la gente y buscar que su música conecte con el público, afirma.

Fuente: Xóchitl Austria / altonivel.com.mx

La Polillazzera: La Improvisación (5)

Con mucha frecuencia, en la bibliografía de distintas publicaciones se observan nombres y autores que, además de repetirse y reiterarse como fuente de información en innumerables ediciones, estas obras – debido a la época en que fueron escritas – están prácticamente “desaparecidas” en nuestros días. Cuando por azar o por una eventualidad se tropieza con uno de estos raros ejemplares, la Polilla Jazzera que uno lleva por dentro, sabe que el “alimento” en estos casos consiste en conservar ese material y, dado la importancia del tratamiento procurado al tema desde la perspectiva histórica, la conveniencia de revisitarlo y compartirlo. De eso se trata. Otra mirada, a partir de aquella mirada. (JR)

Continuación…(…) En las versiones "hot" nacidas bajo el sol de la improvisación, cuando el artista "gets in the groove" como se dice en la jerga de los músicos norteamericanos, existe siempre una profunda influencia recíproca entre los instrumentistas. La chispa de invención que se enciende en un ejecutante se contagia a los demás miembros de la orquesta. Después de que un solista  ha engendrado un pasaje cuajado de belleza, el que debe seguirlo en el orden de la versión - si ella se realiza mediante sucesiones de solos, de acuerdo con lo que se denomina "Memphis school" o, "Take your turn" - tratará de emularlo; de crear un fuego más ardiente; de lograr mayor fecundidad en sus hallazgos sonoros. De tal suerte, se establece un clima de rivalidad, de mutua superación, que puede llevar, y lleva - particularmente en las improvisaciones colectivas a las que nos referiremos de inmediato - a las regiones más puras de la invención musical.

Ocioso es manifestar, pues, que el temple en que se practique la improvisación guarda estrecha atingencia con la calidad de las ideas musicales que cada miembro del conjunto aporte. De ahí que, cuando un improvisador se halla rodeado de elementos de positiva laya, tienda a superarse.

(...) La improvisación en el "jazz" acusa, además, un carácter especial, pues, invariablemente va acompañada, cuando es genuina y está realizada por maestros del género, de la típica entonación "hot", de las inflexiones y del énfasis rítmico o "swing" que caracteriza al "jazz" afronorteamericano castizo. Porque es en la ejecución improvisada donde la música rítmica pone en juego, hasta el máximo, toda la capacidad de sus recursos técnicos y expresivos.

Todo esto, en cuanto a la improvisación en general. Pero todavía nos resta hablar específicamente de la improvisación en grupo, colectiva o polifónica, característica de la escuela de Nueva Orleans.

Bajo el evidente influjo de la música folklórica afro estadounidense, cuyo carácter es polifónico - a excepción de los "hollers", de los "blues" y las baladas épicas y narrativas - la estética sonora que tratamos desarrolló, desde su nacimiento, una técnica polifónica y contrapuntística, que excluía la instrumentación en octavas o en unísonos.

Como consecuencia de ello, el ejecutante prescindió, sin esfuerzo, de la exactitud y la meticulosidad de la labor en las secciones de la orquesta. Se consagró, más bien, a la improvisación a varias voces y a la ejecución flexible y "abandonada". Y en este terreno, erizado de dificultades de orden técnico, logró descubrir una nueva dimensión en la realización orquestal, preñada de hallazgos originales y de improvisaciones singulares. (Continúa)

Tomado de: “Estética del Jazz” de Néstor R. Ortiz Oderigo / Ricordi Americana, Buenos Aires, Argentina, 1951

Foto: Músico callejero en Memphis

Lizz Wrigth: voz del Jazz

Lizz Wright, es reconocida por la crítica como heredera de la tradición vocal de Abbey Lincoln y como una de las mejores voces femeninas del jazz actual.

Nació en 1980 en la ciudad de Hahira (Georgia), lugar donde se respira la música. Su padre era director musical y pianista de la iglesia local y animó a su hija a aprender himnos clásicos de soul, pero también de blues y jazz. Tras acabar sus estudios en Atlanta, en el año 2000 se unió al grupo In The Spirit, que pronto ganó fama como el mejor grupo de jazz de la ciudad. Dos años más tarde es fichada por el sello Verve. La sensualidad de su voz y su particular elegancia al mezclar soul, jazz y pop - la empezaron a comparar con Anita Baker o Cassandra Wilson - , pero sobre todo sus magníficas interpretaciones en diversos homenajes a Billie Holliday, llamaron la atención de la crítica, y desde entonces no ha dejado de actuar por medio mundo y de grabar.

 Salt (2003) fue su debut discográfico, al que le siguió Dreaming Wide Awake (2005), que alcanzó el número uno en las listas de jazz contemporáneo. En 2008 graba su tercer álbum, Orchards, y ese mismo año nos sorprende con una elegante actuación en el Festival Internacional de Jazz de Granada. Su más reciente trabajo Fellowship, con el bajista Me'Shell Ndegéocello y Angélique Kidjo, la consagran como una de las más bellas voces femeninas del panorama jazzístico actual.

Adventure Music: 10 años

Adventure Music

Ten Year (3 CD's)

(Compilado por Monday Michiru)

Adventure Music Records

2012

Brasil es un manantial inagotable de música. Ella fluye desde todas las esferas. Desde lo pop, lo contemporáneo, lo regional, lo folclórico, lo culto y otros aún por definir en su mestizaje. Aunque la industria disquera gire alrededor de los ídolos de occidente y su marcada preponderancia, la creatividad y lo popular saben agarrarse de la mano en Brasil para darnos una sonoridad sin par. Adventure Music cumplió una década y lo celebró con tres discos donde su repertorio es básicamente brasileño.

Dando por descontado que se trata que de un buen muestrario o catálogo de la clase de música que se produce en Adventure Music, también hay que señalar el meritorio y fino trabajo que su editor, Monday Michiru ha hecho, al mantener en la selección algunos de los mejores exponentes musicales, arreglistas, compositores etc., de la música Brasil producida fuera de ese gran país, al lado de excelentes representantes de la región y Latinoamérica toda.

De hecho, Adventure Music, el sello grabador creado por Richard Zirinsky Jr. y Mike Marshall en 2002, ha descubierto muchos artistas nuevos que eran prácticamente desconocidos en los Estados Unidos y más allá. Aunque la mayoría de los músicos en Adventure Music pertenecen al  mejor y virtuoso jazz y músicas del mundo, de Brasil, también se pueden encontrar grandes artistas de los Estados Unidos, Colombia, Venezuela y Argentina, así como impresionantes colaboraciones interculturales.

Lo que hay que señalar también, y explica de alguna forma la existencia de este material y de este sello y su producción, es que hay un serio problema con el acceso a la música brasileña fuera de Brasil. Los sellos brasileños tampoco no se interesan mucho en dar servicio a Norteamérica y Canadá. Esto podría ser debido al hecho de que Brasil es un país enorme y sellos como Biscoito Fino - probablemente el más grande de Brasil - parezca satisfecho con las ventas locales en su país. Y si esto parece una diatriba es porque hay una enorme cantidad de seguidores de la música brasileña, tan rica y variada como el jazz moderno y la música clásica o la música afro-caribeña, y esto es lo que hace que esta compilación motivada por el décimo aniversario sea tan valiosa para transmitir y difundir esta premisa, estos artistas y su trabajo.

Usualmente desgrano en tres temas el concepto de los discos que reseño, en esta ocasión, esta tarea - que nadie me pide pero, cuyo desafío me resulta cautivante - obviamente será triplicada en su dificultad, porque solo destacaré un tema por cada CD. Ahí voy: del CD 1, me decido por el track N° 12 "Adeus América" (Samba Meets Boogie Woogie) esto es Brasil, su alegría, su espíritu y se gente donde Ud., se encuentre y lo ponga con el agregado de sonar, pese a todo, con saudade. En el disco 2, señalo el tema N° 14, "Flor de Vida" (Yamandú Costa y Hamilton de Holanda) soberbia interpretación, cautivante. Ya en el CD 3, voy a separar deliberadamente, además, una pieza realizada por un artista no brasileño, para balancear la cosa. Me decido por la N° 7, "Cumbia cienaguera" (Antonio Arnedo) impresiona su audición, entre otras cosas, por el dramatismo y realismo mágico que desprende. El trío de CD's, es maravilloso. Mención aparte para la presentación de este compilado que, sin ser exquisita, es elegante, cómoda y con toda la información a la mano. (JR)

Fuentes y referencias: Rafael Mieses, George W. Harris y Ángel Romero

Ricardo Silveira, el narrador

Ricardo Silveira

Storyteller

Adventure Music Records

2012

Adventure Music decidió el re-lanzamiento, de "El cuenta cuentos" o "Narrador" un buen ejemplo de la labor que realiza el sello y su gente en los EE.UU. El álbum fue grabado en los estudios de Los Angeles con la participación de una lista de instrumentistas locales e internacionales. Aunque la música suena a la fusión de aquella costa, Ricardo se las arregla, junto con sus increíbles habilidades técnicas, para incluir ese maravilloso toque brasileño. Después de todos estos años, el álbum todavía suena muy bien.

Ricardo Silveira es un compositor talentoso que parece saber lo que la gente le gusta oír, aunque él dice que no es su motivación, componer para el éxito. Es sólo uno de sus talentos. Como arreglista, tiene mucho buen gusto y pule sus composiciones hasta que suenan de la manera que él quiere o necesita. En este álbum el guitarrista cambia de guitarra acústica a la guitarra eléctrica. La guitarra acústica, naturalmente, de una forma melódica, suele hacerlo recordar sus raíces en la bossa nova.

Entonces, pongamos el concepto de este disco, en tres temas, comenzando con el surco N° 3, "Storyteller", el que además le da nombre al CD, un arreglo de samba, técnicamente bien ensamblado para el lucimiento del guitarrista. De ahí pasamos al track numerado como 8, "After de Rain", singularmente  estilizado, casi "cool", con percusiones no tan mecánicas o que lucen sampleadas al oído. Termino con la pieza N° 10, "That day in Tahiti", una balada que poco a poco va derivando hacia algo "lounge" pero, aun así es efectiva. A no dudar, el material luce bueno, pasa el examen pero, la exigencia, no se traduce a una fórmula. (JR)

Referencias: Kees Schoof 

Phillipe Baden Powell: Piano Masters

Philippe Baden Powell

Piano Master, Series, Vol 2

Adventure Music Records

2012

"El piano es una tierra misteriosa que sólo puede ser explorada a través de su rica costa. El pianista se convierte en un caballero al servicio de la música y todas las piezas que se tocan, son un viaje musical ".

Hijo de Baden Powell y hermano del guitarrista Louis Marcel Powell, Philippe Baden Powell comenzó sus estudios de piano a los siete años en Baden-Baden, Alemania. Después de mudarse con su familia a Río de Janeiro, Brasil, que ha estado tocando desde que tenía 15 años en Brasil y en el extranjero, con su padre y su hermano y también en actos en solitario, tanto como pianista clásico y popular.

Este disco, se trata del segundo volumen del proyecto "Piano Masters Series", que el sello estadounidense Adventure Music dedica a pianistas brasileños contemporáneos.

Piano Masters así, logra su propósito con una experiencia íntima entre el artista y su público. El álbum fue grabado originalmente en 2008 en una sesión de un día y cuenta con seis composiciones originales de Philippe Baden Powell, las que realizó junto a composiciones de otros artistas estelares, incluyendo música de Baden Powell padre, Vinícius de Moraes, Thelonious Monk, Egberto Gismonti, Edu Lobo, Caetano Veloso y John Coltrane. Toda la música está muy bien realizada en el estilo incomparable y "tremendamente rítmico" de Philippe, como algunos críticos lo han llamado. Vamos a intentar resumir en 3 piezas de las 13 que comprenden el CD, para evaluar su concepto. Arranco con el tema N° 3, "Consolacao" donde apenas suenan las primeras notas, advertimos ese "tremendo ritmo" que señalábamos antes, en una ejecución igualmente sentida. Sigo con el track N° 9, "Sou voce", arreglada y ejecutada puntillosamente bien y, culmino, con el surco N° 11, "Giant Steps", donde la evidente dificultad para traducir al piano la mente de Coltrane, no es escollo para Philippe. Y va de oxímoron: el encuadre le quedó redondo. (JR)

Referencias: Egídio Leitão 

Retro Jazz: Jazzeando lo dominicano

Pengbian Sang & Retro Jazz

Jazzeando el cancionero dominicano, Vol 1

Independiente

2013

Retro Jazz nació el 23 de Septiembre de 2011 en el espacio Fiesta Sunset Jazz. El reconocido músico Pengbian Sang hace uso de su formación y experiencia como arreglista, orquestador y jazzista, para entregar una combinación de la belleza y elegancia de las canciones dominicanas más populares, con la profundidad armónica del jazz, la sensualidad del bossa y la energía y espontaneidad de las improvisaciones.

Con un repertorio integrado por canciones dominicanas de diferentes épocas, interpretados en versiones de jazz, bossa, jazz latino, reggae y funk, nace "Retro Jazz", una nueva agrupación que de seguro contribuirá a reducir la distancia entre el gran público de la música popular y el selecto público amante del jazz.

Acompañado por músicos de reconocida trayectoria, y de la cálida voz de Laura Rivera, Pengbian nos trae desde criollas hasta populares merengues, desde románticos boleros hasta sabrosas salsas, recreados de manera tal, que aunque rítmica y armónicamente son diferentes a las versiones originales, mantienen su riqueza melódica y, por supuesto, la belleza de sus letras.

Personal: Pengbian Sang (bajo, arreglos y dirección musical) Laura Rivera (voz), Jesús "Gury" Abreu (saxofones), Federico Méndez (guitarra), Álvaro Dinzey (teclados), Remy Taveras (batería) y Edgar Molina (percusión).

El contenido y el sonido de esta producción es la más pura esencia del maridaje entre éste repertorio de populares canciones dominicanas, estos grandes músicos y sus lenguajes, unidos por un mismo espíritu de colaboración y vocación de llevarlas hacia la belleza, elegancia y excelencia artística. La idea conceptual resumida en 3 temas, entonces en mi criterio sería de la siguiente manera. Comienzo por asomarme al surco N° 2, "La ventanita", con sus aires de bossa nova lounge, permiten además, apreciar el buen gusto del arreglo y la corrección de la interpretación. Sigo y me encuentro con el track N° 7, "Ojalá que llueva café", excelente versión (entre tantas que uno puede haber escuchado) muy bien lograda siento, la presentación armónica y melódica de la pieza, instrumental, realizada en varias partes bien distintivas. Finalizo, con la pieza marcada con el número 11, "Pena por ti", dotando de fuerza rítmica y vocal, sin que lo mismo distorsione el resultado emotivo buscado. Es preciso señalar la excelencia instrumental y técnica, puesta de manifiesto en todos los solos y en todos los temas.

Quedamos esperando ya, el volumen 2 (JR)

TAMBIÉN HEMOS RECIBIDO:

Hamilton de Holanda Quinteto / Brasilianos 3
Piano Masters / Weber Iago / Vol. 3
Mario Adnet / Amazonia
Piano Masters / Jovino Santos Neto / Vol. 4
Benjamín Taubkin + Adriano Adewale / The vortex sessions
Hamilton de Holanda & André Mehmari / Gismonti-Pascoal
Mariano Braun / Sr, Monk
Pedro Martins / Dreaming High
Ricardo Silveira-Roberto Taufic / Atlánticos
Ricardo Silveira-Vinicius Cantuária / RSVC
Discos los cuales, estaremos oportunamente revisando y comentando para Uds., en nuestras próximas ediciones.

Estimados amigos de “En Clave de Jazz”:
En nuestro deseo y afán por contribuir, por colaborar a la mejor difusión, a la mayor promoción de todas las actividades y proyectos que se realizan en el género, les solicitamos tener en cuenta lo siguiente:
Actualizamos periódicamente. A los músicos y profesionales, casas discográficas o productores, que deseen hacernos llegar - con la debida anticipación - sus trabajos y noticias, con mucho gusto las recibiremos y, las incluiremos en las secciones correspondientes.
Reseñas y Notas: Se agradece enviar el texto editado en formato y fuentes usuales; evitando el uso de redacción en "sólo Mayúsculas" (excluyente) y, las fotos adjuntas, deben venir adaptadas para su uso en la web. 
E-mail: jorgerochac@gmail.com 
Eventualmente con copia a: uru_ven@yahoo.com 
CD’s, Libros, Otros: Si en lugar de noticias son grabaciones, material de difusión etc., por favor hacerlo a la dirección de correo postal aquí indicada. Recibirán -como siempre- la necesaria y adecuada cobertura en la sección de reseñas discográficas o, donde concierna en "En Clave de Jazz" (Web-magazine y también, en la edición Radio).

Dirección: Arquímedes 1162, El Prado, Montevideo C.P. 11.700, Uruguay.

Muchas gracias 
Jorge Rocha

Jazz de Acá: ACTIVIDAD LOCAL

"El jazz, como muchas otras artes se explica a sí mismo, y sólo la experiencia de su audición permite comprenderlo’’.

LA ESPERANZA, ES UN RIESGO QUE TENEMOS QUE CORRER:

Como dice el verso de Facundo: "Si es benigno o es maligno ese uruguayo perfil, no es fácil de concebir, pero, para ser honestos, en el almanaque nuestro, el año empieza en abril". Otros que pretenden separar o suavizar la cuestión alegan que en realidad se trata del "año político", como sea, el movimiento cultural recién en estas fechas comienza a tomar forma, al menos desde el punto de vista del espectador...

Por supuesto que es muy difícil conocer y/o saber cuál es la programación, que se está preparando, gestando o cuando menos, que artistas, espectáculos o eventos, podremos esperar a tener en cartel. Por otra parte, es sabido que, en lo que a productores y empresas productoras concierne, las instituciones municipales y estadales que habilitan y conceden permisología, no tienen, no disponen, no habilitan, una base de datos, un sitio web, algo que, al menos sirva para la consulta...incluso de colegas o interesados que permita conocer que se está planificando y cuando, sea para no "pisar" fechas, no juntar eventos de artistas o perfiles similares y, cosas por el estilo. Puedo darme cuenta de que esto, a algún productor u "organizador" pueda parecerle poco lógico, aventurado y hasta loco, desde el punto de vista de intereses particulares pero, insisto en que, un poco de orden, favorecería a toda la producción de espectáculos y, especialmente los de la ciudad capital.

Dentro de este "orden", podríamos incluir los espectáculos que tienen que ver con el género que nos ocupa en particular, el Jazz y sus alrededores. Donde, la coherencia no sería un algo a considerar desdeñable. Ya que todos vamos a alegar después que "tiramos de la carreta", no sería para nada una mala idea, que tiremos todos en la misma dirección.

PRÓXIMAS OCURRENCIAS (Quién, Dónde, Cuándo?)

Jazz Tour Uruguay. Arrancando el año presenta a Cristina Branco, quien ha grabado su nuevo disco “Alegría”, el cual presentará en Montevideo, junto a los clásicos de su carrera. 13 de Junio, Teatro Solís, Sala Principal. Cedric Hanriot Trío, presentado por la Embajada de Francia. Cédric se ha impuesto rápidamente como uno de los músicos y compositores más vistos en la escena del jazz actual. 27 de Junio, Teatro Solís, Sala Zavala Muniz. 6to Festival de Jazz de Montevideo. La sexta edición, de este ya clásico evento musical Montevideano, tendrá un desarrollo similar al del año pasado. Del 18 al 23 de Noviembre de 2013. Jazz Tour 2013 en Carmelo. Nuevo ciclo presentado por José Reinoso. Pretende ser un ciclo anual de conciertos de artistas de renombre internacional a llevarse a cabo en el pintoresco y renovado Teatro Uamá de la ciudad de Carmelo, y producido por el reconocido músico carmelitano. 27 de Abril. Día internacional del jazz 2013. 30 de Abril. Cuando Herbie Hancock fue nombrado Embajador Cultural de buena voluntad de la UNESCO, una de las primeras cosas que hizo fue instaurar un día internacional del jazz a celebrarse todos los años este día. Jazz Tour presenta, gran Jam en el Teatro Solís. Por su parte, la finca El Sosiego, en Lapataia Punta del Este, el 28 de Abril, celebrará el Día Internacional del Jazz.
Post Data: nos recuerda nuestro querido amigo Enrique Hetzel que, el día 24 de Abril, en la sala Zitarrosa, se presenta la Audem Big Band (?) con la dirección de Pedro Linale en el marco de los festejos por los 75 años de Audem.

Guillermo Romero: pianista singular

Pianista, compositor, arreglador y docente, nacido en Buenos Aires, Argentina, el 31 de enero de 1966. Considerado como un músico original por sus conceptos armónicos, con influencias de la música europea de los siglos XIX y XX, logró combinar felizmente, estos elementos con la estética jazzística, y esto le valió el reconocimiento del público y de sus colegas, tanto en su país como en el exterior.

Su trío, integrado por Oscar Giunta en batería y Jerónimo Carmona en contrabajo, se caracteriza por su creativa interacción. El repertorio se compone de composiciones originales (concebidas especialmente para la formación), y standards, tratados desde una singular perspectiva.

Desde el año 2003, Romero actúa periódicamente en Dúo con el pianista Jorge Navarro. Juntos grabaron "Pianistas" (2005), un disco que rinde tributo a varios compositores de Jazz que a la vez fueron intérpretes de piano; es la primera grabación de Jazz en la Argentina realizada en estudio con dos pianos acústicos.

También, junto al saxofonista y compositor Ricardo Cavalli, Guillermo Romero se presenta asiduamente desde el año 2001, tanto en Buenos Aires como en el interior del país. El Dúo Cavalli-Romero, que basa su repertorio principalmente en temas originales de ambos intérpretes, y algunas versiones de los standards, grabará su primer disco a fines de 2007.

Desde temprana edad, su formación tuvo dos vertientes principales: la clásica, estudiando guitarra, piano y Armonía en el Conservatorio Nacional "Carlos López Buchardo", y la popular, que realizó en forma autodidacta. Más adelante se perfecciona con dos grandes referentes de la música en Argentina: estudia composición y arreglos con Horacio Salgán, y técnica e interpretación pianística con Aldo Antognazzi.

"Confieso que aplaudí, sobre el final de "El loco son ustedes". La grabación del Dúo Navarro-Romero, me había transportado a una sala de conciertos. La frescura , el swing, ideas melódicas y el pulso rítmico de estos dos magníficos pianistas hacen de este viaje por standards y originales un banquete auditivo." comentó Carlos Franzetti

" ... Guillermo Romero, una de las figuras jóvenes que emerge con luces propias y poseedor de un gran talento..." opinaba Manolo Juárez

Soy Elis Regina Carvalho Costa...

Caetano Veloso dijo de ella que era "cursi, vulgar y llena de talento". Y tal vez, no le faltaba razón pero lo cierto es que la voz y habilidad interpretativa de Elis Regina la colocan sin duda entre los grandes de la música brasileña.

Elis Regina nació en Porto Alegre (Brasil) el 17 de marzo de 1945 en el seno de una familia humilde. Su madre era ama de casa mientras que su padre trabajaba en lo que buenamente podía. Su hermano, Rogerio, era dos años menor que ella.

La primera experiencia de Elis Regina ante un micrófono se produjo en 1952 cuando contaba con tan sólo 7 años de edad pero los nervios le impidieron emitir un sólo sonido. Esa anécdota sería trascendental en su devenir futuro ya que Regina siempre sufrió ataques de pánico en los momentos previos a sus conciertos.

En 1965 cantó en el primer gran festival de música popular brasileña. Participaba con un controvertido tema llamado "Arrastrao" que estuvo a punto de ser prohibido por el la dictadura brasileña. Regina acabó el tema con voz grave, los brazos en cruz y lágrimas en los ojos. Ganó el primer premio y su carrera despegó de forma fulgurante. De repente Elis pasó a ser una absoluta celebridad. Era habitual ver su imagen en portadas de revistas o en la televisión. Con sólo 21 años se había convertido en la artista mejor pagada de Brasil.

Alrededor de esa época, en 1969, Elis Regina se encontraba de gira por Europa. Durante una conferencia con la prensa se le ocurrió comentar que Brasil estaba gobernado por gorilas, haciendo alusión a la junta militar que regía los destinos del país. Sólo su status de estrella impidió que las autoridades brasileñas la persiguieran por dichas declaraciones tal y como había sucedido con otros prominentes músicos de su generación, que llevaban algún tiempo exiliados de su país por motivos ideológicos.

En el año 1980 su matrimonio con Cesar Camargo Mariano llegó a su fin. Fue alrededor de esa época cuando Regina empezó a consumir cocaína de forma regular. Su vida era demasiado agitada y ella era en exceso perfeccionista para abarcarlo todo. Fue entonces cuando Elis se enamoró de un abogado llamado Samuel McDowell con quien se casó en terceras nupcias a finales del año 1981.

El 19 de enero de 1982, la noticia de la muerte de Elis Regina se extendió como la pólvora y a las 2 horas de encontrarse su cuerpo sin vida en la habitación de su domicilio todo San Pablo la conocía ya. Decenas de miles de fanáticos acapararon las calles de Brasil en uno de los funerales más impresionantes que se hayan celebrado jamás. En la lápida de Elis, pequeña como todas, se leen también los nombres del padre y el hermano Rogerio, accidentado en 1996.

Tan sólo dos semanas antes había afirmado con expresión rotunda “Soy Elis Regina Carvalho Costa, la mujer que pocas personas van a morir conociendo”.

Tomado de: jazzfunkbossaok.blogspot.com

Bebo, rides again

Su verdadero nombre era Ramón Emilio Valdés Amaro y nació el 9 de octubre de 1918 en Quivicán, un pequeño pueblo de guajiros y tierras rojas a 40 minutos de La Habana. Bebo llevaba la música en la sangre desde que nació. Antes de salir de Quivicán fundó con un amigo de la infancia su primera banda, la Orquesta Valdés-Hernández, y desde entonces compaginó el piano con su vocación de arreglista y compositor.

En los años cuarenta, estando ya en la orquesta de Julio Cueva, compuso uno de sus primeros mambos, La rareza del siglo, en momentos en que la música popular cubana se modernizaba a toda velocidad.

Por aquella época el jazz arrasaba en Estados Unidos y los músicos norteamericanos viajaban a la isla para descargar con sus colegas cubanos. Bebo participó en no pocas de aquellas legendarias jazz session, que tenían como animador principal al percusionista Guillermo Barreto. En medio de aquel hervidero, el 8 de junio de 1952, con una banda de veinte músicos dio a conocer en los estudios de RHC Cadena Azul su nuevo ritmo, la batanga. Entre los tres cantantes que integraban aquella orquesta estaba el gran Benny Moré.

A finales de los cincuenta Bebo colaboró con Lucho Gatica, en México. En 1960, en medio de una gira decidió exiliarse en Estocolmo (Suecia), donde se caso con Perhson y rehízo su vida. Durante más tres décadas estuvo alejado de la música. Sólo amenizaba las veladas en el piano-bar de un hotel de la capital sueca cuando, en 1994, lo llamó Paquito D´Rivera y le invitó a grabar un nuevo disco, Bebo Rides Again, una colección de clásicos cubanos junto a temas originales de Valdés.

Su último disco fue "Bebo y Chucho Valdés, Juntos para siempre", un homenaje en el que padre e hijo repasaron juntos el repertorio y los ritmos de la música cubana que siempre tocaron juntos y que Bebo interpretó como nadie.

Bebo Valdés murió el 22 de marzo de 2013, en Estocolmo, a los 94 años de edad.

Eloy Casas / pianistasdelmundo.blogspot.com

Niels-Henning Orsted Pedersen: técnica y estilo

Hijo de una aficionada a la música (su madre era organista de iglesia), comenzó estudiando piano, aunque pronto su vocación de contrabajista le llevó a dedicarse al estudio del instrumento y a especializarse en él. Debutó en una orquesta de músicos no profesionales, pero enseguida su depurada técnica le llevó a integrarse en un circuito como el jazzístico, proclive a albergar en su seno a jóvenes talentosos próximos al virtuosismo instrumental.

Desde luego que el contrabajista danés era el prototipo de músico muy joven que entraba en el circuito mostrando una técnica y ejecución envidiables. Esto le llevó a tocar, casi en una de sus primeras citas jazzísticas, en el trío del fantástico Bud Powell, leyenda viva de la era bop. Contaba a la sazón 16 años, casi un insulto y una irreverencia para otros muchos músicos de la historia del jazz.

En 1963 atracó en la banda de Quincy Jones; en 1964 fue incluido en la banda de Dexter Gordon y, en 1965 -todavía con 19 años-, tocó con Roland Kirk. Fue una época en la que recaló, además, en los grupos de algunas figuras del jazz norteamericano, como Bill Evans, John Lewis, Sonny Rollins o Johnny Griffin, este último -junto quizá Dexter Gordon- tan proclive a tocar en Europa y junto a músicos europeos.

Su máximo reconocimiento le llegó sin embargo cuando Oscar Peterson, uno de los pianistas más técnicos y con más personalidad de la historia del jazz, lo contrató para tocar en su trío, en sustitución, ni más ni menos, que de Ray Brown. Con este pianista grabó algunos álbumes importantes, como The Good Life (1973), Oscar Peterson Trío Transition (1976) o Giants (1977).

Con Tete Montoliú, no cabe duda, Ørsted Pedersen formó una de las asociaciones más estables y firmes de la escena jazzística internacional, como puede escucharse en los discos Tête à Tete y Tete!, ambos grabados en la década de los años setenta. En Tête à Tete, además, colaboró el sensacional músico Albert “Tootie” Heath.

Por otro lado habría que decir que sus solos eran llamativas improvisaciones que abordaban melodía y armonía de manera exhaustiva. Por ello le tentó tanto la formación de dúo, donde tal vez mejor se expresaba este llamativo contrabajista y donde mejor se percibía lo puntilloso de su estilo. Por otro lado, su contundencia en el acompañamiento -en el que predominaban tanto el pizzicato como la interpretación con arco- hizo que muchos líderes lo llevasen consigo, pues siempre culminaba las expectativas de manera sobresaliente. Un acompañante europeo de lujo, que supo labrarse un hueco de honor en la historia del jazz reciente y, a su vez, uno de los músicos europeos con mayor proyección internacional.

Ricardo P. Virtanen / www.mcnbiografias.com

La Polillazzera: La Improvisación (4)

Con mucha frecuencia, en la bibliografía de distintas publicaciones se observan nombres y autores que, además de repetirse y reiterarse como fuente de información en innumerables ediciones, estas obras – debido a la época en que fueron escritas – están prácticamente “desaparecidas” en nuestros días. Cuando por azar o por una eventualidad se tropieza con uno de estos raros ejemplares, la Polilla Jazzera que uno lleva por dentro, sabe que el “alimento” en estos casos consiste en conservar ese material y, dado la importancia del tratamiento procurado al tema desde la perspectiva histórica, la conveniencia de revisitarlo y compartirlo. De eso se trata. Otra mirada, a partir de aquella mirada. (JR)

Continuación…(…) A las orquestas de más de una decena de ejecutantes les resulta imposible entregarse a la improvisación sin descender al caos. Necesitan de un arreglista que imponga orden, escribiendo un arreglo, lo cual solo beneficia a los ejecutantes mediocres o a los que no son más que excelentes lectores - "paper men", como se dice en la jerga de los músicos norteamericanos -  pero que, lanzados a la creación espontánea, se muestran incapaces de improvisar medio "chorus" sobre el patrón armónico de un "blues", sin sumirse en la afectación y la falsedad. Mas levantan barreras en la senda de los improvisadores genuinos e inspirados; de los músicos que tienen algo que decir, que son los auténticos creadores de la música sincopada. Pues el arte "hot" vive y respira a través de estos realizadores.

Engendrar una castiza atmósfera "hot", con todos sus matices y acentos, sus "breaks" y cadencias, a través de un puñado de instrumentistas y sin servirse del hilo conductor del arreglo, no es faena exenta de dificultades. Todo lo contrario. Necesario es dominar hasta los últimos secretos del mecanismo de los instrumentos; poseer una facultad de invención melódica de fuste, ser dueño de un elevado grado de inspiración, y tener un cabal sentido de la improvisación, del ritmo, de la ejecución en "ensemble"  y de la forma. Los instrumentistas que reúnen todas estas cualidades, no son muchos. De ahí que no sean muchos los genuinos "jazzistas".

No pocos son los lectores eficientes, los ejecutantes capacitados para "cantar" un  los que poseen inspiración para cultivar el arte difícil de la improvisación; para crear un "chorus" tras otro, con absoluta seguridad técnica, coherencia, y expresión: para dar el acento justo, el tono, el matiz genuino de las legítimas interpretaciones "hot". Para ello, no solo debe ser  un buen ejecutante sino también un creador.

Spike Hughes, compositor, musicógrafo y contrabajista irlandés, hablando de la improvisación sincopada anota: "El lego que escucha un disco de veinticinco centímetros, grabado por un conjunto de "jazz", no oye la música de un compositor sino de varios compositores, porque cada ejecutante que improvisa su propia melodía alrededor de un tema común debe estar al nivel de un compositor. Cuando he escrito sobre el "jazz" he tenido siempre dificultad en explicar que la improvisación constituye una forma de composición, de la misma manera que la composición es una forma de la improvisación. En el primer caso, uno escucha el acto de la creación musical mientras ella tiene lugar, en tanto en el otro se oye el mismo acto después de haber tenido efecto, en ambos casos, la música es "compuesta". (Continúa)

Tomado de: “Estética del Jazz” de Néstor R. Ortiz Oderigo / Ricordi Americana, Buenos Aires, Argentina, 1951

Foto: Louis Armstrong

Jacky Terrasson: el arte de la improvisación

Jacques-Laurent Terrasson nació, por esas casualidades del destino, en Berlín el 27 de Noviembre de 1966, su padre es francés y su madre natural de Estados Unidos, a los 12 años descubre el jazz a través de los discos de su madre.

Estudió piano clásico en el prestigioso Lycee Lamartine, influenciado por el jazz que ha estado escuchando y por ciertos padrinazgos que le hacen conocer a fondo los trabajos de Bud Powell, continúa sus estudios en el Berklee College de Boston.

En 1997, y gracias a su amistad con Javon Jackson realiza su primera grabación para el sello Blue Note con un disco que llevará su mismo nombre, el cual es producido por Betty Carter.

En una meteórica carrera, gana el prestigioso premio para pianistas "Thelonious Monk Competition". Esto le supone un cambio sustancial en sus relaciones con la casa Blue Note, que mejora considerablemente el contrato al artista y desde ese momento lo considera su "niño mimado".

Desarrolla su arte musical impactando a todos los oyentes. Demuestra ser un maestro en el arte de la improvisación, y posee además una especial elegancia y exuberancia en sus interpretaciones, con innovaciones armónicas y melódicas. Su obra personal se desarrolla fundamentalmente en la formación del trío que lleva su nombre, acompañado por bajo y batería.

En el 2007 realiza su primera grabación de solo piano con composiciones propias y algún "standard".

Hoy, Terrasson es solicitado para actuar en los clubes, festivales de jazz y las salas de conciertos más prestigiosos del Mundo.

María Márquez: sentimiento nacional

María Márquez

Tonada

Adventure-Music Records

2013

Con estudios realizados en Berklee College of Music, de Boston, la venezolana María Márquez, ha ido desarrollando un concepto muy particular de trabajo al fundir expresiones musicales autóctonas con los más avanzados recursos técnicos y conceptos vanguardistas de música electrónica. Su vida profesional se ha desarrollado principalmente en Estados Unidos, país donde reside, pero sin abandonar el contacto con la tierra natal. Se ha paseado por los terrenos del jazz, la música brasilera, la electrónica y, como punto de partida para toda su labor, la música folklórica venezolana.

Y no es por mi indisimulada venezolanidad, adquirida por muchos años de vivir en esa bendita tierra, sino por alabar la excelencia de una intérprete, una artista maravillosa, que mi entusiasmo aflora. Su actualidad y sentido vanguardista van de la mano con su capacidad vocal tan singular, por momentos como un "ronroneo" exótico - "La voz de María Márquez, es de una calmada sensualidad que se mete profundamente en el cuerpo y envuelve las canciones" (Anapapaya.com) - como con la elección del repertorio, los arreglos y la magnífica instrumentación lograda. Buen gusto y creatividad con mucha calidad por donde se lo mire. Además de los arreglos de María Márquez y la solvencia de los músicos ejecutantes, sobresale el trabajo de John Santos y Hernán Gamboa.

Y, el desafío es entonces, resumir en tres, de los once temas que ofrece su más reciente CD, el concepto general de la propuesta. Comienzo por señalar el tema N° 2 "Tonada" y que además da nombre el disco, el llano, su gente, la tradición, todo se asoma y nos toca en una versión tan singular como atrapante. Sigo con el track N° 6, "Comodín", de la autoría de María, un blues, cantado en inglés, como para remarcar la versatilidad y las querencias de la intérprete. Y, concluyo subrayando la pieza que lleva el N° 9, "Amazonas", las que nos lleva por la gracia de la voz de María y el aporte rítmico latino como interpretativo de su staff, a recorrer el sentimiento regional. Una joyita que hay que disfrutar. JR

Clarice Assad, evocando sus raíces

Clarice Assad

Home

Adventure-Music Records

2012

Con el lanzamiento de su tercer álbum en solitario, Clarice Assad nos presenta una visión de sus multifacéticos talentos como cantante, pianista, arreglista y compositor. La prensa ya ha empezado a notarlo y a alabarla. Classical Guitar Magazine dice que "ella tiene esa marca Assad, con un estilo de vuelo de dedos aplomados"; JazzTimes por su parte,  no escatimó palabras al afirmar que "pocos pueden rivalizar con la amplitud de la profundidad del clan Assad tri-generacional", y el New York Times lo resumía simplemente todo con: "un cantante carismática".

Con Home, Clarice no oculta su admiración, influencias e inspiración por nombres que incluyen a Elis Regina, así como una buena muestra de compositores brasileños,

Home explora el terreno variado que Clarice Assad ha expuesto en su formación. Ella se atreve a poner su toque, su marca personal en varias "normas" establecidas en la música brasileña y se espera que de esta manera, atraiga a nuevos oyentes, los que de otro modo no hubieran oído hablar de esas canciones.

La propuesta de Clarice en Home (Casa, Hogar) la podríamos resumir, no sin dificultad, en estos tres exponentes del disco. El track N° 1, "For Elis", un mix de tres piezas, clásicas del repertorio brasileño y particularmente de quien la Assad no desmiente su influencia: Elis Regina. Luego la pieza numerada como 6, "Dora" con un especial encanto en la voz y ejecución de Clarice y, cierro con el tema N° 8, "Acuarela do Brasil", una particular versión del clásico que, en su interpretación adquiere un dramatismo y un clima (pianístico) inusual pero, muy bien logrado. JR 

Monday Michiru: y su percepción

Monday Michiru

Soulception

Adventure-Music Records

2012

Monday Michiru es la hija del famoso saxofonista de jazz Charlie Mariano, y su madre es japonesa y una leyenda del jazz en sí misma, la pianista y arreglista Toshiko Akiyoshi. Michiru ha sido capaz de valerse de su pedigrí en una carrera propia y reveladora, apostando a un lugar dentro del jazz como cantante y compositor con su propuesta que artísticamente se une a lo brasileño rozando el ácid-jazz y el soul con un toque underground.

Monday Michiru no necesita presentación en su Japón natal, donde actuó en la película, Hikaru Onna. Ella ha sido una impulso importante para la música de baile underground y sigue siendo la reina indiscutible del movimiento acid jazz. Como solista, ha publicado más de doce álbumes, compilaciones de varios proyectos de remezclas y singles numerosos. En Soulception, Monday ha decidido fusionar sus talentos con algunas de las raíces brasileñas en el sello Adventure-Music. De este material, resumo en solo tres temas la propuesta. Arranco con el track N° 2 "Adventures", excelente instrumentación, arreglo y la voz de Monday nos anticipa su amplitud. Continúo y destaco la pieza numerada como 5, "Native tongue", una introducción al desarrollo de la canción en scat, donde se visualiza lo brasileño y luego la fuerza interpretativa del staff musical y la versátil voz de Michiru. Para cerrar me decido por el tema N° 9, "The elusive song", que define el estilo de Monday, soul y jazz con colores de Brasil y un excelente aporte general de los participantes de la mano de un arreglo apropiado. JR

Mónica de Nut Trío: los colores de Galicia

Mónica de Nut Trío

Mónica de Nut Trío

FreeCode Jazzrecord

2012

Este trío gallego propone una música tan atractiva como arriesgada, donde se citan el jazz, en varias de sus direcciones, la música clásica y el folclore gallego.

Este trío es la extensión natural del dúo Litanei, compuesto por la cantante Mónica de Nut y el bajista Paco Dicenta, en el que ya fusionaban la música clásica con el jazz, siempre con soportes tecnológicos y efectos, y a los que se le ha unido el guitarrista Virxilio da Silva.

No deja de ser paradójico que una región como es Galicia, un lugar marcadamente rural, con un notable problema de envejecimiento en su población, este ofreciendo algunas de las propuestas jazzísticas más interesantes y atrevidas del jazz que se hace en España. (José Manuel Pérez Rey)

La música de Mónica de Nut Trío, mezcla el lenguaje del jazz con el sonido acústico y las dinámicas de la música clásica, deja la puerta abierta a la experimentación, juega con efectos electrónicos e introduce rasgos de música de raíz gallega. En su repertorio se pueden encontrar versiones de standares del jazz y composiciones propias.

Este concepto, manifestado en tres piezas incluidas en el CD comenzaría por el tema N° 3 "Como deita o tempo" donde se manifiestan todos los colores de esa parte de España, en melodías y armonías muy bien ensambladas, siguiendo con la pieza que lleva el N° 6, "Music for a While" una balada, casi un "ave maría", estructurado musicalmente y vocalmente en forma muy emotiva, sedante. Termino con el track 7 "Por que non hei de cantare" un sonido experimental, electrónico que nos recrea lo gallego, lo regional. Obviamente no es un material para cualquier oído pero, vale la pena la experiencia. JR

TAMBIÉN HEMOS RECIBIDO:

Philippe Baden Powel / Piano Masters Series / Vol 2
Caseros Hollywood / Antitributo
Hamilton de Holanda Quinteto / Brasilianos 3
Adventure Music / Ten years (compilado por Monday Michiru)
Piano Masters / Weber Lago / Vol. 3
Ricardo Silveira / Storyteller
Mario Adnet / Amazonia
Piano Masters / Jovino Santos Neto / Vol. 4
Benjamín Taubkin + Adriano Adewale / The vortex sessions
Hamilton de Holanda & André Mehmari / Gismonti-Pascoal
Retro Jazz / Jazzeando el repertorio dominicano
Mariano Braun / Sr, Monk
Discos los cuales, estaremos oportunamente revisando y comentando para Uds., en nuestras próximas ediciones.

Estimados amigos de “En Clave de Jazz”:
En nuestro deseo y afán por contribuir, por colaborar a la mejor difusión, a la mayor promoción de todas las actividades y proyectos que se realizan en el género, les solicitamos tener en cuenta lo siguiente:
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Muchas gracias 
Jorge Rocha