viernes, 30 de noviembre de 2012

Mathias Eick: Entre Europa y América


El compositor, trompetista y multi-instrumentista noruego Mathias Eick, a pesar de su juventud y de sus dos únicos trabajos discográficos publicados, es ya uno de los músicos más reconocidos del norte de Europa. Tiene una capacidad sorprendente para poder pasar de un instrumento a otro. Toca con absoluta soltura trompeta, bajo, vibráfono, piano y guitarra; don del que pocos músicos pueden presumir. Su primera aparición musical profesional la hace con tan solo 23 años de edad participando en el álbum del guitarrista Jacob Young, disco que llevó por título genérico “Evening Falls”. Sus influencias musicales se reparten entre Europa y America. Entre los músicos que más le influyen cabe citar a los trompetistas Chet Baker, Dizzy Gillespie, Clifford Brown, Ruby Braff, Tomasz Stanko y Nils Petter Molvaer. Destacable es en el apartado de influencias musicales la ascendencia que tiene sobre Mathias Eick el trompetista noruego Arve Henriksen. Ha tocado y grabado con la Trondheim Jazz Orchestra, Chick Corea, Iro Haarla, Manu Katché o Jacob Young. Es miembro de pleno derecho de la formación musical Jaga Jazzist. La banda de Mathias Eick se compone de dos baterías, bajo y piano. Los componentes suelen variar, pero siempre son músicos noruegos de reconocido prestigio. En el año 2007 gana el galardón The International Jazz Talent otorgado por The International Jazz Festivals Organization de Nueva York. Dos años más tarde, en 2009, obtiene otro importante premio: The Statoil Talent Award. La banda con la que habitualmente graba sus producciones discográficas está formada por Andreas Ulvo (piano), Torstein Lofthus y Gard Nilssen (baterías) y Audun Erlien (bajo). En el año 2007 participa como músico invitado en la grabación del segundo álbum del batería Manu Katché que llevó por título “Playground”, trabajo discográfico que lo consolidó como trompetista de elite. Mathias Eick inicia su carrera como músico solista en el año 2008 con la presentación de su primer álbum titulado “The Door” y en el que participan músicos de la talla de Jon Balke, Audun Erlier y Audun Kleive. El disco debut de Mathias Eick, publicado por el sello discográfico ECM Records, incluía temas como “Cologne Blues”, “October”, “Williamsburg” o “December Fly”, entre otros. Con este trabajo en solitario y con su anterior bagaje musical, Mathias Eick se encumbra como uno de los trompetistas de más renombre en Europa.
Referencia: nosolosmoothjazz.com

La Polillazzera: La improvisación (2)


Con mucha frecuencia, en la bibliografía de distintas publicaciones se observan nombres y autores que, además de repetirse y reiterarse como fuente de información en innumerables ediciones, estas obras – debido a la época en que fueron escritas – están prácticamente “desaparecidas” en nuestros días. Cuando por azar o por una eventualidad se tropieza con uno de estos raros ejemplares, la Polilla Jazzera que uno lleva por dentro, sabe que el “alimento” en estos casos consiste en conservar ese material y, dado la importancia del tratamiento procurado al tema desde la perspectiva histórica, la conveniencia de revisitarlo y compartirlo. De eso se trata. Otra mirada, a partir de aquella mirada. (JR)

Continuación…Idénticas características revisten las expresiones musicales y poéticas de los afroamericanos. El látigo, el cepo, la maza, el collar, el “tumbadero” y otros “placeres” de los esclavistas, no lograron borrar una tradición artística que se remonta muy lejos en el tiempo y en el espacio.
Por eso el lenguaje musical creado por la raza de Cam no es jamás monótono. El hombre de tez oscura siempre evita caer en la uniformidad de la expresión. Nunca se refleja la rutina en el espejo de sus manifestaciones artísticas. Su arte es esencialmente dinámico.
Tanto los cantos litúrgicos, como los seculares, están imbuidos de este dinamismo. Mediante las corrientes de la improvisación y la variación, que se alimentan de sus raíces, éstas conservan siempre su verdor; se perpetúa su vitalidad. Pues dos personas no entonan un mismo verso o una misma melodía en forma idéntica. No se puede hablar de una versión “estándar” de ellos. Como en el “jazz”, cada uno lo interpreta a su manera. Se intercalan variaciones de “tempo”, de ritmo, de timbre, de melodía. La habilidad de los bardos desempeña un papel descollante. Hay casi tantas versiones de cada canto, como cantantes, ha dicho el compositor y musicógrafo doctor Robert Nathaniel Dett. Porque el lenguaje de la raza negra vive en función de la variedad de sus formas y de su contenido.
Música esencialmente popular, de ascendencia negra y folklórica - teoría que no admite por un instante discusión - y que conserva su cálido aliento, nada extraño resulta que en el “jazz” la improvisación tenga asignado un papel de tan subida trascendencia. Con ello, pues, la música sincopada no procede arbitrariamente, sino que recoge una tradición de antiguo arraigada en sus creadores, los negros, y en sus antecesores, las diversas ramas del árbol folklórico de las negrerías yanquis. Pues todas ellas viven de la vitamina de la improvisación: el “shout”, los “spirituals” los cantos de trabajo, los “hollers”, los “blues”, las baladas, las canciones de danza.
Además, como sus creadores eran músicos espontáneos, lógico es que este elemento adquiera tan señalada importancia. “La vida activa del “jazz” está ligada a la improvisación” expresa el crítico belga Albert Bettonville.
Y, desde el punto de vista artístico, se justifica su valor, porque constituye, sin duda alguna, una forma natural y llana de “componer” y ejecutar música. Realizada por instrumentistas hábiles e inspirados, se eleva a las más altas cumbres de la expresión musical; es la esencia del “jazz”, según sostiene Abbe Niles. (Continúa)

Tomado de: “Estética del Jazz” de Néstor R. Ortiz Oderigo / Ricordi Americana, Buenos Aires, Argentina, 1951
Foto: Mobile Strugglers

Bill Evans: Los sonidos del silencio


El disco para los que ya no están…
Bill Evans fue un pianista estadounidense de jazz con una gran soledad interior; culto y obsesionado por su música. Tenía, como él mismo le llamaba, un “problema de confianza”, que lo hacía trabajar minuciosamente cada detalle de sus composiciones. A su juicio carecía de talento, por lo que tuvo que lograrlo tocando varias horas por día. De padre alcohólico y madre religiosa, durante la mayor parte de su vida adulta vivió una gran adicción a la heroína. Los resultados fueron sórdidas condiciones de vida, una brillante carrera, dos matrimonios fracasados (el primero terminó con un dramático suicidio) y una muerte temprana (a los 51 años).
You Must Believe In Spring es el secreto a voces mejor guardado de la discografía de  Bill Evans. Entrar en él, es como entrar a una secta, en la cual, sólo cumpliendo con el rito de escuchar el disco religiosamente, a través de las distintas etapas de la vida de uno, es posible finalmente, luego de años de fidelidad, obtener el acceso al lugar de formación del silencio. Es un disco que vino del silencio, para dejarnos mudos. Muchos en el mundo del jazz y fuera de él, comentan por lo bajo, que este es el disco de los sonidos del silencio. Es como un excelente vino de evolución eterna, más pasa el tiempo y más se lo degusta. El añejamiento lo agiganta en sus virtudes.
Es una parte indispensable del enorme catálogo grabado de Bill Evans, por razones musicales, pero su peso y significado musical dentro de él, lo convierten en “la síntesis”, el disco que contiene, todos los Bill Evans posibles.

Fuente: Guille / el-parlante.com

Florencia Ruiz, Luz de la noche


Florencia Ruiz
Luz de la noche
Adventure-music records
2011

Dice la Revista Bla (Uruguay), en su reseña: “Ruiz es lo que la crítica musical gusta llamar un secreto bien guardado. Una intérprete y compositora sensible, inquieta y talentosa, una joya salida del under, conocida principalmente por algunos pocos, con un estilo que transita naturalmente, sin simulacros, por fuera de lo convencional.
Publicó su primer álbum hace 11 años, y ha trabajado junto a destacados músicos del Río de la Plata. En su último disco, el quinto de su carrera, cuenta con la colaboración de, entre otros, Hugo Fattoruso y Ariel Minimal, y ofrece un puñado de canciones intimistas (algunas recuerdan a la versión más despojada de Björk), revestidas de una instrumentación ecléctica y finos arreglos que hacen que todo suene orgánico, luminoso, natural”.
Por su parte, Oscar Jalil, de RollingStone Argentina, comenta: “La chica que pinta canas domina al natural las diferentes formaciones instrumentales, en duelos de tensión y detallismo rioplatense para orquestas mínimas. Sobre arreglos de cuerdas y ambientaciones del silencio, resuena un emocionado clamor: "Entre los que quieren venir, hay un rincón para decir luz de la noche".
Ciertamente y sin simulacros me parece fuera de lo convencional, under, en su natural expresión y acepción del término y seguramente hay una luz al final del túnel, en el trabajo que, a no dudar, se reconoce minucioso y cuidado, en lo musical y arreglístico.
Luego, lo que transmite…al menos en mi apreciación es, otra cosa.
Distingo, tal cual es nuestra práctica habitual, tres temas como resumen de la propuesta: el corte Nº 2 “Estuve así”, que confirma y define la tendencia general de la propuesta, donde la instrumentación sobresale. Sigo con el tema “Nada de vos”, el Nº 8 en el orden, que rompe apenas, con la línea general de sonidos y vos, para finalizar con el track Nº 11 “Lo perpetuo”, quizás el más rítmico en el conjunto que, sobresale. (JR)

Yamandú Costa / Hamilton de Holanda, Live!


Yamandú Costa / Hamilton de Holanda
Live!
Adventure-music records
2011

En 2008 se registró un concierto en vivo con Yamandú Costa y Hamilton de Holanda en una actuación en el Auditório Ibirapuera, en São Paulo.
Los genios brasileños, Hamilton de Holanda y Yamandú Costa, son los actores contemporáneos más célebres en sus respectivos como  emblemáticos instrumentos, la mandolina de diez cuerdas y la guitarra de siete cuerdas. Impulsados ​​por la intención de sembrar las semillas del  espíritu de la música, llevan al público a un viaje musical con un alcance global que trasciende géneros, a la vez que arraigado en los auténticos sabores de Brasil.
“Como era de esperar, la habilidad que "Yam" y "Ham" demuestran es sorprendente. Si bien ambos músicos tienen una buena comprensión de los estilos tradicionales de la música brasileña como el choro, la samba y lo clásico, continuamente se enfrentan en la creación de un sonido muy moderno”. Comentan los especialistas de Jazzreview
Yamandú y Hamilton, fusionan sus experiencias individuales para crear un repertorio propio, donde el estado de ánimo del público se convierte en una parte integral de la travesía musical.
Cada tema es único, con ricas melodías e improvisaciones que ahondan en lo desconocido antes de levantarse con incrustes inolvidables de magia.
Este, es uno de esos discos para deleitarse escuchándolo sentado muy cómodamente en nuestro lugar favorito de la casa y, de ser posible, haciendo “nada”, mirando a través de la ventana, la calle, la noche…la ciudad. Excelentemente armado, ensamblado e interpretado, es disfrutable de punta a punta. Difícil…separar tres temas, ardua tarea pero, considerando que se trata de resumir en ellos el trabajo general, comienzo por señalar el tema Nº 2 “Chamamé”, un compendio de calidad y técnicas, compositivas e interpretativas, climas y ambientes absolutamente logrados, después, diría que la pieza Nº 5 “01 byte 10 cuerdas” donde ambos instrumentistas se lucen apoyándose mutuamente. Finalizo con el corte Nº 9 “Estaciones” que, reúne en su desarrollo, poesía, fuerza y ritmo. (JR)

René Marie, Black lace freudian slip


René Marie
Black lace freudian slip
Motema Records
2011

Black lace freudian slip…que podría ser: “Desliz freudiano en encaje negro” es una colección de trece canciones originales escritas por René Marie y grabado con su trío formado por Kevin Bales en el piano, Rodney Jordan en el bajo y Quentin Baxter en la batería, con Bill Kopper invitado especial en guitarra acústica, Lionel Young en guitarra eléctrica y violín, Dexter Payne en la armónica y como invitado muy especial Michael Croan (hijo de María) en voz.
Sin lugar a dudas honesto y sin pretensiones, con su trabajo René Marie ha atraído a una legión de fans y críticos musicales en todo el mundo, todos los que lo han encontrado no sólo entretenido, sino de inspirada perfomances. El pasado verano, el Washington Post quedó entusiasmado con su concierto de jazz, el mejor de ese verano, exaltando su voz profundamente conmovedora y repertorio único. Exquisito, agregó el diario The Miami Herald. En el nivel más alto de desempeño, dijo Los Angeles Times.
Un material emotivo y con una directa como mundana sensualidad en sus letras e interpretación. Soul, blues y hasta gospel, exquisitamente interpretados tanto vocalmente (scat’s incluidos) como musicalmente desarrollados.
Resumiendo en tres temas la propuesta, comienzo por el tema Nº 2 “This for Joe”, interesante arreglo con “aires” latinos y blues, sigo con el track Nº 8 “Rim Shot”, En donde el soul predomina y cierro con la pieza Nº 13 “Tired” (cansado) Blues al mejor estilo gospel si cabe el término, para redondear un trabajo bien logrado. (JR)

Javier García y Andén Sur, Mate Voodoo


Javier García & Andén Sur
Mate Voodoo
Pai Records
2007

Dentro de una línea estilística que ellos mismos definen como Progressive Jazz Rioplatense, “Mate Voodoo” une los colores, ritmos y sonoridades de ésta música, con el espíritu del eléctric jazz contemporáneo. Con la participación especial del inigualable bandoneonista Néstor Marconi el CD cierra definitivamente la intención y el camino a seguir. Son once temas inéditos repletos de exquisitas interpretaciones, que adquieren el vuelo justo, reflejando así, la emocionante creatividad del conjunto.
“...Mate Voodoo sorprende por su frescura y libertad formal.  Tanto García como sus músicos (a los que habría que agregar, como ilustre invitado, a Néstor Marconi) tienen los elementos técnicos para hacerlo, además de un necesario des acartonamiento para dejar que la música, en sus múltiples diálogos genéricos, simplemente fluya”, comenta el diario argentino Página 12.
Este disco tiene ya unos años de editado pero, hace poco que llegó a mis manos. Cosa que no es extraña y por la misma razón, no es extraño que decida reseñarlo como si el tiempo no hubiese pasado, considerando que tiene un valor intrínseco que hay que destacar.
Me gusta la propuesta. Está bien desarrollada y “explicada” musicalmente, con la instrumentación y los arreglos. Suena urbano…suena bien.
Reúno en tres de los 11 temas la propuesta de Javier García y Andén Sur…comenzando por el track Nº1 “Opamanía”, un homenaje y una declaración de conceptos hacia la mítica para algunos, emblemática para los que más, banda “uruguaya” Opa. Sin ir más lejos, destaco la pista Nº 3 “Café de Malvín”…con la base rítmica de murga, se pasea por lo urbano y popular de Montevideo (el grupo es argentino) dándole un sonido regional, si Uds., quieren que, simboliza la empatía con estas expresiones y, cierro con el tema Nº 9 “La mesa de los galanes” que, engloba todo el sur en una mezcla de murga, candombe y bahión, para alrededor de esto, ir coloreando musicalmente el paisaje. (JR)

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Discos los cuales, estaremos oportunamente revisando y comentando para Uds., en nuestras próximas ediciones.
Sí, estimados y consecuentes lectores, subsanados algunos inconvenientes técnicos y de "fuerza mayor" seguiremos haciendo camino...

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Jorge Rocha