domingo, 18 de abril de 2010

EN CLAVE DE JAZZ: El web-magazine

Esta edición, (habitualmente en el portal Aurora.com) ahora como Blog, ha dejado de ser “provisoria”, convirtiéndose en el vehículo que, como siempre, nos permite el contacto y la mutua comunicación . JR

JAZZ DE ACA: Actividad local

‘‘El jazz, como muchas otras artes se explica a sí mismo, y sólo la experiencia de su audición permite comprenderlo’’.

LAS ACTIVIDADES PASADAS:
Piazzolla x Piazzola. El baterista Daniel "Pipi" Piazzolla con Escalandrum en un homenaje a su abuelo Astor. Excelente proposición musical en el marco de las "Sesiones de Otoño" con las que el Jazz Tour, dio continuidad a esta temporada 2010, en el estupendo escenario del Teatro Solis, en este caso. Daniel es nieto de Astor Piazzolla, su especialidad el jazz. Aunque maneja a la perfección todos los estilos. El repertorio elegido como el orden en que fue estupendamente interpretado, en parte llamó mi atención y, en parte, confirmó mi teoría respecto a la música de Piazzolla como, a la música que generalmente escuchamos y preferimos - en privado - disfrutar. Música que, normalmente, no es la que más se conoce ni la más difundida en la mayoría de los casos. Como acertadamente comentó un lector del blog "Jazz y otras yerbas" - el cual edito - en una nota de parecido contenido. Ahí Aretino dijo: "Es algo asi como apoyar en público lo que disfrutamos en privado, como una vez lo planteo Rubén Blades".
"Pipi", es un músico criterioso y creativo, un buen tipo además, humilde, profesional y a mi entender uno de los mejores bateristas de estas latitudes, que utiliza todas las posibilidades polirrítmicas de su instrumento sin asperezas o excesos. Sabe guiar a sus compañeros y ser uno más. Equipo, sumatoria en favor del resultado, donde la música no es una competencia ni una carrera de ver quien hace cosas más rápidas y/o difíciles, por eso, hace la diferencia. Se concentra y entra en su mundo cuando toca, busca el espacio y juega con los tiempos.
Escalandrum nace en marzo de 1999 por la inquietud de Daniel “Pipi” Piazzolla de formar un grupo capaz de aportarle al jazz contemporáneo el color de la música de esta parte del mundo.
Damián Fogiel (Saxo), Gustavo Musso (Saxos), Mariano Sívori (Contrabajo), Martín Pantyrer (Saxo y Clarinete bajo), Nicolás Guerschberg (Piano) y Daniel Piazzolla (Batería) todos, estuvieron cómodos, distendidos y, a la altura de las exigencias.
Escalandrum según Escalandrum: “La música está escrita, pero también hay espacio para la Improvisación, para la expresión del momento. Escalandrum se mueve, cambia. Por la atracción al cambio mismo, al proceso creativo y a las ganas de forzar cada vez más el limite, nuestros límites”.
Sin titubeos. Del 1 al 10, mi puntaje es de: 11 puntos.

PROXIMAS OCURRENCIAS:
El Jazz Tour 2010 y las Sesiones de Otoño.
En Montevideo, durante el mes de abril, tendrá lugar el desembarco de varias músicas y expresiones artísticas del mundo. El Teatro Solís, la Sala Zitarrosa y el Auditorio Nacional Adela Reta, serán las sedes de recibir a grandes músicos, voces y danzas internacionales...Celtic Legends. Es actualmente el espectáculo irlandés de baile, música y tap dance más importante y que mejor refleja la cultura de ese país. Miércoles 21 de abril, Complejo Cultural Plaza. Diego "El Cigala". Diego Ramón Jiménez Salazar, es una de las voces más destacadas en el cante flamenco actual. Jueves 22 de abril, Auditorio Nacional Adela Reta (Sodre). Maria Joao. Una de las voces portuguesas de jazz más bellas del momento, junto al pianista Mario Laginha, se presentarán en Montevideo, el domingo 25 de abril, en el Teatro Solís. Apoya: Embajada de Portugal. Kurt Rosenwinkel. El jueves 20 de mayo, en el Teatro El Galpón, actuará el guitarrista norteamericano Kurt Rosenwinkel, quien deslumbra por su singular estilo. 3er. Festival de Jazz de Montevideo. El 2010 será el año del 3er. Festival de Jazz de Montevideo, con la participación de Sylvain Luc y Philip Catherine en dúo de guitarras, el pianista italiano Enrico Pieranunzi, y distintos músicos uruguayos y extranjeros. Presentado por la Intendencia Municipal de Montevideo, el Ministerio de Turismo y Deporte y el apoyo de distintas Embajadas. Lila Downs. La producción se encuentra trabajando a fin de confirmar la presentación de esta gran artista que va de la ranchera al jazz y de la cumbia colombiana al soul, ganadora del Grammy Latino en 2005, que llegaría por primera vez a Uruguay.

LA ESPERANZA, ES UN RIESGO QUE TENEMOS QUE CORRER:
Leía en un artículo:..."Indudablemente. Desde hace ya muchos años ha venido decayendo la importancia de la música en el bagaje cognitivo que los ideólogos de la Educación recomiendan para nuestras sociedades actuales y del futuro. La música no es una asignatura curricular, y queda integrada en el “paquete” de apreciación y expresión artística, a la que ya ni se le asigna un libro en todos los años de primaria, lo que da por resultado que paulatinamente la sociedad en general haya ido cayendo en una gran ignorancia en cuanto a música, con la consecuencia de que el músico que se dedica al género no comercializado en la radio y la televisión, se encuentre en condiciones de marginalidad y desplazamiento profesional".
Todo esto me hace reflexionar sobre el panorama musical y en específico sobre la cultura de espectáculos en nuestro país, donde el predominio cuasi anárquico del "gusto personal" – normalmente muy malo – y la desinformación de los programadores o, el perfil de la empresa o la política de la dirección, cuando no, los gurúes del rating de los diferentes "medios", TV, radio etc., continúan, diciéndole a la gente qué escuchar y dónde asistir, dejando la diversidad y la calidad de infinidad de excelentes propuestas de lado. Se subestima obscenamente a toda la audiencia, porque el público dicen – quienes manejan el negocio, los medios, la difusión masiva – eso es lo que quiere!!!
A mediano plazo la radio, por ejemplo, tal y como la conocemos se volverá menos relevante en la medida en que la gente acceda a música programada en forma más cercana a sus gustos en distintos lugares y momentos.
Consciente de esta realidad, Eliseo Cardona (crítico musical de Miami) dice: "Tal vez se trate de una noción romántica en tiempos del pos-posmodernismo (whatever the fuck that means). Pero la buena música debe venderse sola. Su principal motor lo pone a funcionar ese poderoso mecanismo que conocemos como radio bemba (el boca a boca). Después intervienen la pasión, el celo, la lealtad, la dedicación, acaso la locura. No hay mejor promotor que un fan. No hay mayor publicista. Fundamentalmente porque un fan es un creyente, alguien que se parte el alma por aquello que lo seduce. Somos leales a las músicas que nos permiten un poco de felicidad. (…)
En ocasiones los músicos contribuyen a la distorsión. Algunos hablan de su música —aun de aquellas cosas que escriben— como quien lee un manual para armar una tostadora rusa. Si ellos tratan a su propia obra con torpeza, ¿qué pueden esperar de sus oyentes? Otro asunto es crear música y nada más que música. Una imagen vale más que mil palabras. Pero la buena música no tiene precio. Y cuando lo tiene, el fan lo paga aunque tenga que pasar hambre. (…) En este sentido, aun cuando la publicidad se imponga por su inteligencia, siempre será una imposición. Nadie tiene por qué tatuarse el culo con su marca de condones favoritos. Una agencia de publicidad podrá pagar por esa y otras tonterías. Pero al final quedará como otra prueba de que la estupidez humana no tiene límites. Tampoco la creatividad. Cuestión de elección”. (JR)
Ver también:
http://jazzyotrasyerbas.blogspot.com/2007/11/la-trascendencia-intrascendente.html#comments
http://jazzyotrasyerbas.blogspot.com/2007/03/el-sndrome-de-unos-pocos.html#comments

EN CLAVE DE JAZZ-Radio: por Magoya 90.5 FM desde Maldonado, Uruguay. En Clave de Jazz-Radio, "El Jazz y, la Nuevas Tendencias", la edición Radio de este Web-magazine, programa creado y conducido por Jorge Rocha, con el apoyo de los comunicadores Walter Álvarez y Carlos Peláez, se transmite, en su 3er. año, localmente desde Maldonado en Uruguay. Las propuestas, proyectos de una gran cantidad de músicos de las tres Américas (y no solo continentales) nuevos, desconocidos, conocidos, noveles y famosos, todos, reunidos para honrar la música, la diversidad cultural y, ser difundidos y mostrados en un marco de integración y conocimiento. El encuentro es, todos los sábados, de 19:00 a 21:00 horas por Magoya 90.5 FM.

LO DIJO:
Bob Dylan:
"Yo echo de menos a esos personajes de la música que tenían algo que decir".
Foto: Logo “Jazz de Acá” (JR)

BREVES DEL MUNDO

Rumbo al quinquenio en el aire. En Clave de Jazz-Radio, "El Jazz y, la Nuevas Tendencias" – la edición Radio de este Web-magazine – se transmite, desde República Dominicana, para toda la isla y áreas del Caribe, asimismo, a todo el mundo por Internet. Un recorrido por la diversidad de las músicas americanas folklóricas y tradicionales, expresiones locales, regionales, el sincretismo musical. Sus influencias como su fusión y mezcla, con la libertad que provee el manejo de los elementos y conceptos del jazz contemporáneo. Creado y conducido por Jorge Rocha, cuenta con la producción de Alexis Méndez en Santo Domingo. Como hace ya más de 4 años, va todos los domingos: de 12:00 m.; a 2:00 pm (hora de RD, -4:00 GTM) por 96.1 Quisqueya FM y, en la Red: http://www.compasillo.com/ (Clic en: Audio) y también en: http://www.certvdominicana.com/

ESCUCHAR EL PROGRAMA AQUÍ: A la derecha de su pantalla, está a la disposición, una edición actual -aunque por obvias razones, de archivo - de EN CLAVE DE JAZZ-Radio, "El Jazz y, las Nuevas Tendencias", en su versión Internacional. Periódicamente pondremos a la disposición, nuevas emisiones.

Adventure-music Record. Ha devenido en una excelente alternativa, con propuestas y material original de artistas latinoamericanos. Su catálogo, como listado de artistas es impecable y de particular relevancia. Sus materiales son especialmente cuidados, la presentación de sus CD, gráficamente y estéticamente acordes al contenido, dando a entender que siempre el público, a quien va dirigido, es lo importante. Cuando uno tiene en la mano un CD de Adventure se siente atendido y tomado en cuenta. Por fuera y por dentro todo un placer. Adventure Music maintains offices in New York and Oakland, California. Adventure Music, a new independent record label, is bursting onto the domestic music scene with the release of three discs by leading musicians: Antonio Arnedo, Claudia Villela, Gui Mallon, Itiberê Orquestra Família, Jobim Symphonic, Jovino Santos Neto, Kenny Werner, Luiz Avellar, Marcos Amorim, Maria Marquez, Mike Marshall, Moacir Santos, Modern Traditions Ensemble, Nelson Angelo, Nicola Stilo, Orquestra Popular de Câmara, Psychograss, Ricardo Peixoto, Ricardo Silveira, Tom Lellis, Toninho Horta, Weber Lago, Daniel Santiago, Hamilton de Holanda, Mario Adnet, Philippe Baden Powell y Lucía Pulido entre otros.
http://www.adventure-music.com/ / info@adventure-music.com
Música Maestro. Este espacio, dedicado a la difusión de la música caribeña, entra en su noveno año de transmisión ininterrumpida. El espacio ha logrado consolidarse, no solo como programa de radio, sino como proyecto de difusión y estudio de las diferentes músicas del Caribe. El programa Música Maestro, se transmite todos los domingos de 3:00 a 5:00 (hora dominicana) por Quisqueya FM (96.1) Escúchalo, busca http://www.compasillo.com/ entra en: Audio. También en la Red por: http://www.certvdominicana.com/ Música Maestro es producido y conducido por José Federico, Julio Virdes y Alexis Méndez. Recuerda que Música Maestro es asunto del Caribe.
http://musicamaestrord.blogspot.com/

Marisa Monte: Un puente entre lo tradicional y lo moderno

Marisa Azevedo Monte nació el 1° de julio de 1967, en Río de Janeiro, Brasil. Es una de las cantantes brasileñas más originales de los años 90, no sólo por su terciopelada voz sino también por su gusto por la experimentación artística.
A principios de la década de los 80, Marisa, estudió canto lírico y participó en un montaje del musical Rocky Horror Show, dirigido por Miguel Falabella y llevado a escena por alumnos de teatro del Colegio Andrews, A raíz de esto, comenzó a presentarse de manera informal en bares cariocas. En1985, al contar con la mayoría de edad, permaneció varios meses en Italia para profundizar en los estudios del canto lírico y mantenerse en contacto con el mundo de la ópera, pero poco tiempo después desistió del género y decidió comenzar a interpretar música brasileña.
En esa época, en Venecia, realizó un show de música popular brasilera, en donde la escuchó Nelson Mota, el que sería el director de Tudo veludo, un show que se estrenaría en 1987 en el canal JazzMania, en Río. El éxito fue inmediato, tanto con público como con la crítica. A pesar de no tener ningún disco grabado, fue considerada una de las más prometedoras voces de la música popular brasileña.
Después de pequeñas temporadas con ingresos agotados en teatros cariocas, Marisa comenzó a presentarse en otras capitales con gran éxito. Gracias a su estilo y repertorio único que iba de la música popular brasilera al rock brasilero, de clásicos de jazz y blues a la samba tradicional, de Phillip Glass a los Titãs, de Lobão a Gershwin, rápidamente se volvió una figura de culto en aquel país.
En 1989 lanzó su primer disco, "MM" (EMI) en el cual destacó su repertorio ecléctico, integrado por samba, jazz, funk, blues, soul, bossa nova y rock con diversas generaciones y estilos musicales. Tuvo un éxito nacional espectacular con "Bem que se quis" (Bien que se quiera), versión brasilera de una canción italiana de Pino Daniele, y fue recibida como la gran revelación del año. Vendió más de 500 mil discos y apareció como la nueva estrella de la música brasilera.
El segundo disco, "Mais" (1991), producido por Arto Lindsay en Nueva York, marcó su estreno como compositora y fue bien recibido en numerosos países como EEUU, Japón y muchos de Europa e Iberoamérica, impulsando su carrera internacional. Para este disco contó con el apoyo de los artistas Ryuichi Sakamoto, John Zorn y Mark Robot
El disco "Cor-de-Rosa e Carvão", lanzado en 1994, contó con una mayor aportación y participación de artistas conocidos tales como Gilberto Gil, Paulinho da Viola, Carlinhos Brown, Nando Reis (Titãs), Laurie Anderson y Naná Vasconcelos. Con este material profundiza aún más la integración de las nuevas formas y ritmos brasileros con modelos musicales clásicos de samba, jazz, blues y funk.
En 1996 lanzó Barulhinho Bom (ruidito bueno), con dos CDs, uno con una actuación en vivo y otro con un video en el que aparece con Os Novos Baianos, Arnaldo Antunes y Pastoras da Portela entre otros, y en el que se recogen escenas de la grabación del disco. Posteriormente editó un libro que contenía fotos suyas y sus composiciones tanto poéticas como musicales.
En el 2000 lanzó el disco titulado "Memórias, Crónicas, e Declaracões de Amor" (Memorias, crónicas y declaraciones de amor), el cual fue lanzado ya por su sello Phonomotor - este disco vendió más de un millón de copias y ganó un Grammy Latino como mejor álbum. La gira tuvo más de 150 shows en Brasil y en el mundo y fue registrada en DVD (2001).
En 2002 grabó junto a Arnaldo Antunes y Carlinhos Brown, Tribalistas, un disco casero y artesanal. El single “Já sei namorar” fue número uno en las principales listas de las radios tanto de Brasil como de muchos otros países.
Después del nacimiento de su primer hijo Mano Wladimir en 2002, Marisa se dedicó a dos proyectos paralelos y muy diferentes: una profunda investigación del samba carioca y la creación de músicas con Carlinhos Brown, Arnaldo Antunes, Nando Reis, Adriana Calcanhotto, Marcelo Yuca y Seu Jorge, que resultaron en el lanzamiento simultáneo, en 2006, de "Universo ao Meu Redor", (con sambas de compositores históricos y contemporáneos) e "Infinito Particular" (con su nueva música y asociaciones). Ambos tuvieron gran éxito popular y de crítica, resultando en una exitosa vuelta a los escenarios después de seis años y una nueva gira internacional.
En 19 años de carrera, Marisa ha vendido más de 9 millones de discos alrededor del mundo, acumulando premios y críticas que la reconocen como una de las más grandes cantautoras de la música brasilera moderna, siendo un puente entre la música tradicional y el pop contemporáneo, integrando diferentes géneros musicales y sorprendiendo siempre al público con su originalidad y la calidad de su voz.
Fuente: MTV

Arturo E. Schneider: "El alemán"

A los 82 años, el santafesino Arturo Eric Schneider sigue en actividad como instrumentista, arreglador y director de Big Band.
Schneider comenzó su carrera profesional en Rosario, Argentina, con grupos locales. En 1950 se radicó en Buenos Aires, ingresó en la orquesta de Barry Moral y prosiguió sus estudios de clarinete, saxos y flautas, armonía y orquestación con Ruggero Lavecchia, Alfredo Montanaro, Jorge Barone y Martín Darré, respectivamente. Sus actuaciones continuaron con diversas orquestas populares, cantantes, la Sinfónica Nacional, la Filarmónica Nacional y presentaciones en el Teatro Colón de Buenos Aires. A partir de 1960, trabajó con infinidad de artistas: Víctor Buchino, Carlos García, Rodolfo Mederos, Lucio Milena, Osvaldo Berlingieri, Dante Amicarelli, Pancho Nolé, Buby Lavecchia, Pocho Gatti, Eduardo Armani, Xavier Cugat, Nat “King” Cole, Los Bambucos, Lalo Schifrin, Johnny Ray, Ethel Smith, Cab Calloway, Ray Nolan, Johnny Mandel, Celia Cruz, Henry Mancini, Don Costa, Burt Bacharach, Baby López Fürst, Néstor Marconi, Billy May y muchísimos más.
Viajó varias veces a Europa, Japón y Estados Unidos y fue músico estable por dieciocho años consecutivos de la Orquesta de Canal 13, en Buenos Aires.
Grabó, actuó y viajó durante muchos años con el compositor, arreglador, director y bandoneonista Astor Piazzolla. Cabe mencionar su participación en saxo alto y clarinete, en el histórico concierto de Astor Piazzolla and his New Group, en el Carnegie Hall de Nueva York, el 24 de mayo de 1976.

Foto: Arturo Schneider en saxo. Teatro Solís de Montevideo invitado del maestro Panchito Nolé (24.03-10)

María Joao: Buscando todas las posibilidades

Maria João nació en Lisboa el 27 de Julio de 1956. Es una de las cantantes de jazz más geniales de Portugal y del mundo. Su música incorpora una mezcla electronica con varios ritmos étnicos, jazz moderno, y avant-garde. Y además es notable la plasticidad vocal que la caracteriza.
Empezó su carrera musical en 1982, en la Escuela de Jazz del Hot Club, y se unió a la Big Band de la escuela en abril.
En el verano del mismo año empezó a cantar con su propia banda. Durante 1983 trabajó en Portugal con el Quinteto Maria João, y en la TV portuguesa.
El salto en la escena musical lo dió en el International Jazz Festival of Cascais en 1984, en donde tanto la audiencia como la critica resaltaron su genial actuación.
Con "Cal Viva" Maria João, presentó una banda completamente conformada por portugueses en su tour de noviembre de 1991, que se basaba más que sus otros proyectos en la música tradicional de Portugal. Con esta banda editó un nuevo CD en Enja Records durante el otoño de ese mismo año.
Portuguesa con ascendencia mozambiqueña, María Joao es una imprevisible y talentosa cantante que abarca un extenso repertorio que surge del jazz, de donde proviene y donde hizo todo el comienzo de su carrera, pero que se extiende en una diversidad de direcciones.
"Yo pienso que la música que hacemos con Mario (Laginha) tiene como dos pies: el izquierdo sería el jazz del que tomamos la libertad de improvisar, la capacidad de recorridos múltiples, la belleza armónica y melódica y la libertad de inventar y el otro pie es la música pop, la brasileña y africana",
"Tengo una voz muy versátil y estoy guiada por la curiosidad y la necesidad de inventar. Adoro intentar cosas nuevas y correr riesgos, siempre quise buscar todas las posibilidades que como intérprete me da el instrumento con el que trabajo que es mi voz",
Personaje extrovertido y arriesgado huye de todo estereotipo interpretando desde música africana a estándares de jazz, pasando por orquesta sinfónicas, Big Bands, grupos de música portuguesa, de free, entre otros. Actualmente su pareja artística es Mario Laginha, con quien realiza un extraordinario trabajo.
En 1983, Maria Joao grabó su primer disco. En este trabajo, Quinteto Maria João, el piano corría a cargo de Mário Laginha. La complicidad entre ambos fue creciendo a lo largo de un cuarto de siglo, cientos de conciertos y 11 discos grabados.
Fuentes: www.radiozero.cl / mx.news.yahoo.com

Jazz Tour 2010. La Embajada de Portugal y el Instituto Camoes presentan a María Joao. Acompañada de Mário Langinha (Piano) Domingo 25 de abril, Teatro Solís de Montevideo

Abraham Laboriel: versatilidad y talento

Abraham Laboriel (Ciudad de México, 17 de julio de 1947) es un bajista mexicano que ha participado en más de 3000 grabaciones.
Inicialmente formado en guitarra clásica, encontró el encanto del bajo eléctrico cuando estudiaba en la Escuela Berklee de Música.
Es uno de los bajistas de sesión más solicitados en el mundo, tocando para una larga lista de importantes artistas. También cuenta con dos discos como solista y fue un miembro fundador de los internacionalmente aclamados grupos de fusión, Koinonia y Friendship.
La revista Guitar Player lo describe como: "el bajista mas versátil de nuestros tiempos". Laboriel es padre del baterista Abe Laboriel Jr.
Aunque actualmente es un bajista conocido mundialmente, Abraham Laboriel, nacido en México, originalmente fue instruido en la guitarra clásica bajo el tutelaje de su padre, un compositor y guitarrista de gran talento. Henry Mancini incentivo a Laboriel a que se mudara a Los Angeles, California y siguiera la carrera de músico.
Habiendo colocado su primera grabación a la tierna edad de 10 años con un grupo local de rock ‘n’ roll, y después de realizar actuaciones en México durante sus años adolescentes como músico y actor, Laboriel empezó con el bajo asistiendo a clases en la Berklee School of Music en Boston, consiguiendo la licenciatura en composición en 1972. Allí grabó con un miembro de la facultad, el vibrafonista Gary Burton, y luego estuvo de gira con Johnny Mathis y Michel Legrand. También trabajó con el famoso compositor y director de orquesta Henry Mancini, que en 1976 persuadió a Abraham para desplazarse a Los Angeles.
Este desplazamiento demostró ser la salida de una diversa e inmensamente exitosa carrera de estudio, tocando y grabando con grandes del jazz y fusión como George Benson, Ella Fitzgerald, Herbie Hancock y Joe Pass, y en el campo del rock y pop, con nombres como Aretha Franklin, Dr John, Robbie Robertson, Michael Jackson y muchos más. Entre sus numerosos créditos en bandas sonoras de películas están The Color Purple, Nine to Five y Terms of Endearment.
Abe ha trabajado con artistas de la talla de Roberto Carlos, Ron Kenoly, Hosana Music, Andy Pratt, Stevie Wonder, Barbra Streisand, Al Jarreau, Dolly Parton, Elton John, Ray Charles, Madonna, Paul Simon, Keith Green, Lisa Loeb, Quincy Jones, Russ Taff, Engelbert Humperdinck, Crystal Lewis, Chris Isaak y Michael Jackson.
Participo junto con Justo Almario en el disco "Alabanza y adoración en vivo desde España" de Marcos Vidal.
Además de su trabajo con los grupos Koinonia y Friendship, el último contando con el guitarrista Lee Ritenour, Laboriel ha lanzado tres discos como solista -Dear Friends, Guidum and Justo y Abraham- que hábilmente muestran sus consumados talentos. Como Larry Carlton dijo una vez: “Hay muchos grandes intérpretes de bajo en este mundo, pero hay un, y sólo un Abraham Laboriel."
Cuando Laboriel grabó su tercer álbum como solista (Dear Friends, Guidum e Justo & Abraham), reunió a un grupo de músicos: Alex Acuña, Al Jarreau, Jim Keltner, Phillip Bailey entre otros.

La Polillazzera: Africanismo del Jazz (2)

Con mucha frecuencia en la bibliografía de distintas publicaciones, se observan nombres y autores que, además de repetirse y reiterarse como fuente de información en innumerables ediciones, estas obras – debido a la época en que fueron escritas – están prácticamente “desaparecidas” en nuestros días. Cuando por azar o por una eventualidad se tropieza con uno de estos raros ejemplares, la Polilla jazzera que uno lleva por dentro, sabe que el “alimento” en estos casos consiste en conservar ese material y, dado la importancia del tratamiento dado al tema desde la perspectiva histórica, la conveniencia de revisitarlo y compartirlo. De eso se trata. Otra mirada, a partir de aquella mirada. (JR)
Continuación…Por consiguiente, para juzgar sus auténticos quilates es necesario conocer el fondo que la respalda y, sobre todo, enfocarla desde un punto de mira distinto del de la música nacida de fuente europea.
En la música africana, el ritmo alcanza una importancia tal, que hasta se ha llegado, por ello, a ignorar la trascendencia de sus melodías, de sus polifonías y de los nutridos coros de voces excepcionales, cuyos cantos “hacen parecer groseras, simples, rudimentarias a las canciones populares francesas”, según dice André Gide.
Las faenas agrícolas colectivas, los grupos de remeros o cualquier otra labor que requiera movimientos rítmicos regulares, se acompañan de instrumentos de percusión.
Los tambores, en los ritos sacro-mágicos, desempeñan un papel de señalada consideración. Cada uno de los dioses posee un “toque” particular, mediante el cual se lo evoca, y los ritmos del tam-tam contribuyen a la posesión o trance en que caen los fieles. El tamborero goza de un tratamiento especial dentro de la comunidad y se los respeta por el virtuosismo de su arte.
Las melodías africanas que no son tan breves como a menudo se ha dicho, puesto que Nicholas G. J. Ballanta Taylor halló muchísimas de doce y de dieciséis compases, acusan una marcada tendencia a ondularse en forma descendente, rasgo éste que ha heredado de la música afro-americana en general y los "blues" en particular. Las frases son de breve extensión y se reiteran con frecuencia. Es común el empleo de intervalos menores que los semitonos y las escalas exhiben mayor variedad que las de la música de origen europeo.
Pero es necesario subrayar tres rasgos de la mayor consecuencia: la alta complejidad rítmica que logra el arte sonoro africano, especialmente en lo que concierne a las superposiciones de varios ritmos distintos o, polirritmias; el fraseo “off beat” de las melodías, y la forma antifonal o responsorial, en la que el líder del canto entona un fragmento y el coro le responde con otro, generalmente invariable: el “refrain” o estribillo. Por eso se denomina “call and response” o sea “llamado y contestación”. El “refrain” o estribillo es lo que en poesía se llama “ritmo negro” o “rima suplementaria”. Es el equivalente del famoso “¡Oyé ye yumbá!” de los candombes afro-rioplatenses. Y aparece lo mismo en la “rumba”, la “conga” o el “son” afrocubano, que en el “candomblé”, “xangó” o “macumba” afro-brasileño, así como en los cantos de trabajo, en los “negro spirituals” y hasta en los “blues” afro-estadounidenses.
Teniendo en cuenta los usos para los que están destinados los cantos del oeste de Africa, podemos clasificarlos en los siguientes grupos: canciones de trabajo, cantos ceremoniales, canciones de cuna, cantos de juego, cantos de danza, canciones bélicas y de amor.
Continúa…

Tomado de: “Estética del Jazz” de Néstor R. Ortiz Oderigo / Ricordi Americana, Buenos Aires, Argentina, 1951

Richard Rodgers: la música y los personajes

Compositor estadounidense de comedias musicales. Se hizo famoso por sus colaboraciones con los escritores Lorenz Hart y Oscar Hammerstein II. Estudió en la Universidad de Columbia y en el Instituto de Artes Musicales (actualmente Juilliard School) de su ciudad natal. Cuando todavía era un adolescente, Rodgers ya estaba componiendo canciones para un espectáculo amateur de un club de chicos.
En 1918, en la Universidad de Columbia, conoció a Hart, con quien comenzó una fructífera colaboración. Su primer trabajo en equipo, en la misma Columbia, fue el espectáculo de variedades Fly with Me, del año 1919. Tras un año y medio en la universidad, abandonó sus estudios para trabajar a tiempo completo y de forma exclusiva en la composición de obras musicales para teatro.
El primer éxito profesional de la pareja Rodgers y Hart fue la revista The Garrick Gaieties, de 1925, que incluía la canción Manhattan. En 1936 consiguieron que se produjera su comedia On Your Toes. Esta producción se puso en escena con el ballet de jazz Slaughter en la Décima Avenida, con coreografía de George Balanchine; en ella se introdujeron como novedad números de ballet y se estableció un baile serio como parte permanente de la comedia musical.
Entre otras de sus colaboraciones destacan Babes in Arms de 1937 -que incluye las canciones My Funny Valentine y The Lady is a Tramp-, I Married an Angel (1938), y The Boys from Syracuse (1938), adaptación de una comedia de Shakespeare, Comedy of Errors. Their Pal Joey (1940), que John O'Hara convirtió en adaptación de una serie de sus historias cortas; ésta se transformó, desde el entretenimiento escapista que pretendía ser, convirtiéndose en un drama serio.
Demasiado realista para su época cuando se produjo la obra por primera vez, fue repuesta en 1952; cosechó entonces un enorme éxito. Entre sus canciones se incluía Bewitched, Bothered, and Bewildered. Su colaboración final, un año antes de la muerte de Hart, fue By Jupiter (1942). Entre las canciones para obras de teatro y películas que popularizaron Rodgers y Hart se encuentran My Heart Stood Still, The Lady is a Tramp y la ya mencionada Bewitched, Bothered, and Bewildered.
En 1942 Rodgers comenzó a trabajar en colaboración con Hammerstein -colaboración que duraría diecisiete años, y que finalizó con la muerte de Hammerstein- en una adaptación de la obra de Lynn Riggs, Green Grow the Lilacs. Con Oklahoma!, de 1943, disfrutó de un éxito sin precedentes en Broadway ya que se mantuvo durante 2.248 actuaciones; por ella recibió el Premio Pulitzer en 1944, y fue considerada por la crítica como un importante avance en el desarrollo del musical en Estados Unidos.
Con coreografía de Agnes de Mille, incluía canciones como Oh, What a Beautiful Morning, The Surrey with the Fringe on Top y People Will Say We're in Love. Carousel, de 1945, y la experimental Allegro, de 1947, tuvieron un éxito menor, pero South Pacific, de 1949, llevó a Broadway un éxito casi tan grande como el que tuviera Oklahoma!, y con ella ganó su segundo Premio Pulitzer en 1950. Se trataba de una obra con un inusual tratamiento de los prejuicios raciales y una habilidosa capacidad de encajar la música con los personajes, e incluía canciones como Younger than Springtime, Some Enchanted Evening y I'm Gonna Wash That Man Right Outa My Hair.
Entre sus colaboraciones cabe destacar El rey y yo (1951), Pipe Dream (1955); The Flower Drum Song (1958); y Sonrisas y lágrimas, de 1959. Rodgers es autor de la música y letra de la obra No Strings, de 1962, y de la música de Do I Hear a Waltz?, de 1965, y Rex, publicada en 1976. Además, compuso la banda sonora de numerosas películas, como el documental Victory at Sea, de 1952.
Fuente: biografiasyvidas.com

NOVEDADES Y SUGERENCIAS 1

Quinteto Pintín
Quinteto Pintín
Sondor / Quinteto Pintín
2009
El género popular rioplatense, desde una óptica moderna y fresca.
Cinco connotados músicos del entorno, de distintas edades como corrientes y estilos – intercambiando ideas y sugerencias – resolvieron desarrollar juntos un grupo de tipo camerístico, que aprovechara el espacio creativo sonoro así generado y, amalgamar el concepto rítmico-musical de Pintín Castellanos con tendencias actuales para una suerte de creación – valga el término – “neo-tradicional”, acompañando esta iniciativa con la incorporación de diferentes elementos e, introduciendo instrumentos vistos como, no convencionales, con composiciones propias de sus integrantes y arreglos modernos para un versátil y ecléctico repertorio. Así, nace el Quinteto Pintín.
Este, “segmento", en el contexto musical, no tiene en el país – y en la región son muy pocos – los exponentes que, a partir de una formación con músicos de probada calidad, solvencia técnica y experiencia, esto les permita moverse con soltura en el género y con la libertad de expresarse musicalmente. El Quinteto Pintín viene a ocupar ese lugar.
Se ha caído, muchas veces, en la monotonía, la que puede llegar a desalentar al público, manteniéndolo en la rutina al conservar los mismos elementos y, es oportuno tomar nuevos rumbos. La permanencia del tango, la milonga, el candombe y lo popular se propicia por su capacidad de renovarse. A eso, en los hechos, apunta la propuesta del Quinteto Pintín.
El Quinteto Pintín, personifica un espacio creativo para el tango, la milonga, el candombe y, el folklore rioplatense con énfasis concreto en lo nacional. Con un tratamiento moderno y contemporáneo, dispone de arreglos ambiciosos y preparados especialmente, en un repertorio que contempla la excelencia tanto musical como, la calidad de interpretación y puesta en escena.
Son interpretaciones las que, en su conjunto, buscan resumir el concepto, el pensamiento del Quinteto Pintín y sus integrantes el que, además de testimoniar y homenajear (al inspirador), es un vehículo de promoción, de divulgación del género popular rioplatense, desde una óptica moderna y fresca.
El Quinteto Pintín está integrado – en la realización fonográfica – por el maestro Panchito Nolé, en el piano, la dirección musical y arreglos, Gastón Buenseñor en batería y percusión, Cono Castro en contrabajo, Maximiliano Nathan en el vibráfono y, Miguel Trillo en bandoneón. Esta producción contó con el apoyo del Fonam. (JR)

NOVEDADES Y SUGERENCIAS 2

Jacques Schwarz-Bart
Abyss
Obliqsound
2009

Jacques Schwarz-Bart es un saxofonista de la isla de Guadalupe que ya obtuvo gran reconocimiento por parte de crítica y público (en especial en Francia) con su anterior trabajo, Soné Ka La (Emarcy-Universal 2006), en el que mezclaba de manera magistral jazz y g’wo ka, música tradcional de Guadalupe de alto y complejo contenido rítmico y melódico (uno de los tipos de música más complicados que se conocen).
Abyss supone la continuación en su estudio de ambas tradiciones -jazz y g’wo ka-, y su inmersión en territorios mucho más profundos de los dos estilos y su relación entre sí. El título es muy definitorio de lo que podemos escuchar: un disco de abismal contenido, infinito, rítmico pero no demasiado luminoso, jazzístico pero sin demasiado swing, un hallazgo que hará historia en el siempre espinoso mundo de la fusión entre el jazz y sus múltiples compañeros/as de viaje.
Schwarz-Bart ahonda en el maridaje entre el jazz y la música gwoka, original de la tierra que le vio nacer: "Guadalupe es muy pequeña: el más pequeño de los barrios de una ciudad tipo, tiene una población mayor que toda la isla. Lo asombroso es que una población tan pequeña pueda haber desarrollado una de las tradiciones rítmicas más ricas en el mundo. En el gwoka existen siete ritmos fundamentales y dos que fueron creados a lo largo de los últimos cuarenta años, y cada uno de estos ritmos tienen su lenguaje específico, sus variaciones, un tipo especial de improvisación y un repertorio de canciones propio".
Dice este saxofonista y flautista que el jazz está demasiado alejado de África. Y para aproximarlo a su esencia, propone, en su segundo álbum, una bella mezcolanza étnica con la música gwoke, natural de su lugar de origen.
Abismo. Jacques Schwarz-Bart - hijo de los novelistas André y Simone Schwarz-Bart - al crecer en Guadalupe en la casa natal de su madre, hecho natural que propicia la combinación de una serie de influencias, que van desde la percusión ka gwo de la música popular de Guadalupe, pasando por Gnawa la mística música marroquí, al rhythm and blues y el jazz.
Músicas en sí alegres, con excelentes percusiones típicas -ahora muy usadas- que, muestran un trasfondo melancólico y todas imbuidas de una singular emotividad. Profundo sentimiento creo es la definición que, instrumentalmente es impecable en todo el disco. 12 estupendas propuestas (10 piezas originales y 2 Remix adicionales), de la autoría de Jacques Schwarz, donde además cuenta con invitados especiales como John Scofield y, su propia madre Simone que nos dice una hermosa poesía.
Sintetizando la totalidad del ofrecimiento de Abyss en 3 temas, éstos en mi criterio son: "Abyss" el track Nº 2 que le da nombre a esta producción, donde Scofield se amolda con su guitarra, perfectamente a la idea. Luego, siguiendo el orden me inclino por "Big Blue", la pista Nº 5 donde el saxo de Jacques interactúa magníficamente con las voces y coros y, el tema Nº 8 "Simone", el cual comienza con una poesía a cargo de Simone Schwartz, con el saxo de su hijo a modo de telón de fondo y continúa llevándonos a los colores y sonidos característicos de Guadalupe. (JR)
Fuentes: zonadecompras.com / El País-España / Javier Martínez-El mundo

NOVEDADES Y SUGERENCIAS 3

Virxilio Da Silva
Odysseia
Free Code Jazz Records
2009
Un nuevo ejemplo de jazz gallego, de "jazz de calidade", el que parece contar con más fuerza en estos momentos en todo el país.
Aunque en este disco, de gallegos solo tenemos a Virgilio da Silva a la guitarra y Xan Campos al Fender, los demás son músicos estadounidenses.
Virgilio con solo 26 años hace gala de un conocimiento de la guitarra jazz y una madurez musical increíble. El disco se mueve entre un jazz clásico con recuerdos a los grandes de la guitarra como Wes Montgomery o Jim Hall, aunque no deja de lado el jazz más actual.
Un buen disco de jazz de guitarrista a la antigua usanza hecho por un grupo internacional que demuestra que con trabajo todo puede sonar encajado y bien. Un disco que nos dice que el nivel de la guitarra y del jazz gallego esta alcanzando cotas impensables hace muy poco tiempo.
Virxilio Da Silva. Ante nuestra (mi) poca familiaridad con las producciones jazzisticas provenientes de Galicia en España, nos vemos necesitados - en ocasiones - de recurrir a aquellos que están al corriente y, que conocen de primera mano a estos músicos y sus propuestas. Asi, vamos aprendiendo y, viendo la importante cosecha que ofrecen en calidad musical y conceptual los músicos gallegos.
Odyssseia. Primer disco a nombre del joven guitarrista gallego Virxilio Da Silva. Un auténtico lujo para el jazz gallego, me explican. El disco contiene seis temas originales del guitarrista y dos arreglos de temas standard.
Como leemos en el periódico Vigo al minuto digital: "Este disco pone de relieve varias cuestiones; que Virxilio da Silva ya es uno de los grandes guitarristas de Jazz en España, que el Jazz gallego está alcanzando un nivel altísimo, que el trabajo se está haciendo, y se está haciendo muy bien, y que no tenemos nada que envidiar a nadie".
Virxilio Da Silva, al frente de un quinteto en el que, además participan Walter Smith III (saxo tenor), Derek Nievergelt (contrabajo), Marcus Gilmore (batería) y Xan Campos (Fender Rhodes).
"Mirar para atrás es fundamental. Es preciso conocer la tradición, amarla y respetarla. De otra manera no sería posible caminar rumbo a ningún lugar interesante", expresa Virxilio preguntado acerca de lo perceptible que es en su disco, un claro respeto por la tradición del jazz.
La característica musical de su disco, es simplemente la música. La música que tiene en su cabeza en ese momento, y que se ve reflejada en su personal gusto por la tradición jazzística y los estandars.
Si fuese necesario resumir con solo tres opciones de las 8 proposiciones que contiene Odysseia en mi opinión, serán: el track Nº 1, arrancando nomás con mucho feeling y swing "2701", luego me inclino por la pista Nº 4 "Son dun dia de inverno" excelente por donde se lo mire (escuche, claro) y finalizo con el tema Nº 8 "Blues the mooche" con la singular presencia, exenta de excesos o protagonismos innecesarios que, la guitarra de Da Silva, propone en todo el disco. (JR)
Fuentes: I. Ortega / distritojazz.com / Vigoalminuto.com

TAMBIÉN HEMOS RECIBIDO

Terje Lie / Urbanvacation
Samuel Torres / Yaoundé
Popo Romano / Susurros montevideanos
Hamilton de Holanda Quintet / Brasilianos 2
Ricardo Silveira / Até amanhá
Discos los cuales, estaremos oportunamente revisando y comentando para Uds. en, nuestras próximas ediciones.

Estimados amigos de “En Clave de Jazz”:
En nuestro deseo y afán por contribuir y colaborar a la mejor difusión y la mayor promoción de todas las actividades y proyectos que se realizan en el género, les solicitamos tener en cuenta lo siguiente:
Actualizamos quincenalmente: (cada 15 días, una nueva edición)
A los amigos músicos y profesionales, casas discográficas o productores, que deseen hacernos llegar sus trabajos y noticias - con la debida anticipación - con mucho gusto las recibiremos y, las incluiremos en las secciones correspondientes.
Reseñas y Notas: Se agradece enviar el texto editado en formato y fuentes usuales; evitando en lo posible el uso de redacción en "sólo Mayúsculas" (excluyente) y, las fotos adjuntas, deben venir adaptadas para su uso en la web.
E-mail: jorgerochac@gmail.com
Eventualmente con copia a: uru_ven@yahoo.com
CD’s, Libros, Otros: Si en lugar de noticias son grabaciones, material de difusión etc., por favor hacerlo a la dirección de correo postal aquí indicada. Recibirán -como siempre- la necesaria y adecuada cobertura en la sección de reseñas discográficas o, donde concierna en "En Clave de Jazz" (Web-magazine y también, en la edición Radio).

Dirección: Avenida Del Libertador 1708, Apto. 1304, Montevideo 11800, Uruguay.
Muchas gracias.
Jorge Rocha

jueves, 1 de abril de 2010

Rubén Blades: "Todos vuelven"

Montevideo, Uruguay. Como en 1983 junto a Seis del Solar en el Palacio Peñarol, y en 1992 junto a Son del Solar en el Estadio Franzini, Montevideo recibirá a Rubén Blades con los oídos, los ojos y las mentes abiertas, esas que su música y composiciones ayudaron a mantener atentas por una América Latina despierta, unida y en paz.
En este histórico concierto, Rubén Blades recibirá la distinción de “Visitante Ilustre de Montevideo” por parte de la Intendencia capitalina.
Rubén Blades nació en una pensión en un pequeño país latinoamericano (Panamá) pero se negó a ver limitaciones o barreras; su trabajo ha cruzado límites geopolíticos, culturas y géneros y ha hecho impacto en todo el mundo.
Como músico ha ganado 8 Grammys, incluyendo uno en la categoría World Music (Música del Mundo). Como actor ha ganado un Premio Cable ACE y ha recibido nominaciones al Emmy, Independent Spirit y Alma. ASCAP lo distinguió con su Founders Award y la Recording Academy, de los premios Grammy, con su Heroes Award.
"Si piensas y haces lo que sientes, eres feliz". Su álbum Siembra (1978) fue un súper éxito internacional, con canciones y arreglos que le hablaban tanto a la cabeza como a los pies, y con mensajes sociales alentadores e inspiradores. La canción narrativa "Pedro Navaja" rompió marcas y continúa siendo un clásico apreciado.
Este álbum revolucionario fue seguido de otro, Maestra Vida (1980), un drama musical de dos partes que usaba personajes para explorar temas sociales de forma muy personal. Blades mezcló conceptos teatrales y literarios con la música de las calles para contar su historia de una familia en el barrio.
Su inquietud lo llevó a incorporar influencias aún más amplias, lo cual produjo una trilogía de grabaciones premiadas con el Grammy: La Rosa de los Vientos (1996), con músicos y compositores panameños; Tiempos (1999) con el trío Editus, en el cual incorporó elementos de la música clásica contemporánea y jazz; y Mundo (2002), esta vez con Editus Ensemble y otros artistas, fusionando instrumentos y ritmos irlandeses, árabes y afro-cubanos.
Este álbum ecléctico ganó un Grammy por Mejor Música del Mundo y un Grammy Latino por Mejor Álbum Tropical Contemporáneo. Entre los artistas invitados estaban el gaitero Eric Rigler y la actriz y cantante de Broadway Luba Mason.
Los Seis del Solar. Formado para acompañar a Rubén Blades con un nuevo sonido y el espíritu fresco, Seis del Solar / Son del Solar combinado de las armonías y los teclados eléctricos de la fusión del jazz con la percusión latina en un sexteto apretado. La fuerza combinada de las canciones de Blades y el nuevo sonido trajo esta música a nuevos públicos y por un reconocimiento más amplio, incluyendo el primer Blades dos premios Grammy, para "Escenas" y "Antecedente".
Oscar Hernández (Piano), Eddie Montalvo (Congas), Ralph Irizarry (Percusión, timbales), Robby Ameen (Batería), Mike Viñas (Bajo y voz), Arturo Ortíz (Teclados y voz, Ricardo Marrero (Vibráfono).
Los músicos de apoyo son: George González (Bongos y maracas, campana), Reynaldo Jorge (Trombón) y Jimmy Bosch (Trombón)
Los conciertos del presente Tour “Todos Vuelven” cuentan con una integración tecnológica de modernos sistemas de video donde se presenta al público una recopilación de imágenes relacionadas con la realidad de la América presente y sus cambios en las últimas 3 décadas.
Otro aditivo para el público es que verá a Seis del Solar en varias oportunidades incorporar los trombones para convertir la banda en Son del Solar, y así evocar el 30 aniversario de “Siembra”, el disco más vendido en la historia del género de salsa, interpretando temas como Plástico, Pedro Navaja, Buscando Guayaba, y otros grandes éxitos de su muy productiva trayectoria como Maestra Vida, Pablo Pueblo y Plantación Adentro, de la época con Willie Colón, entre otros. La cita es el 21 de Abril, en el Velódromo Municipal de Montevideo.
(Producción: Rubén Yizmeyián)