viernes, 16 de septiembre de 2011

Jazz de Acá: ACTIVIDAD LOCAL

‘‘El jazz, como muchas otras artes se explica a sí mismo, y sólo la experiencia de su audición permite comprenderlo’’.

LAS ACTIVIDADES PASADAS:
Chucho’s Steps. Ya hace un buen tiempo que el pianista cubano Chucho Valdés, se presentó con The Afro Cuban Messengers, en la sala del Sodre pero, tenemos vivo, y muy presente aquella “avalancha” de música y espíritu jazzístico unido a lo caribeño. El maestro Valdés, inmenso…en su presencia y creatividad, director y anfitrión circunspecto y preciso. Chucho Valdés & The Afrocuban Messengers son: Chucho Valdés (piano), Mayra Caridad Valdés (voces), Lázaro Rivero Alarcón (bajo), Juan Carlos Rojas Castro (percusión), Yaroldy Abreu Robles (percusión), Dreiser Durruthy Bombalé (percusión batá y voces), Carlos Manuel Miyares Hernández (saxo tenor) y Reinaldo Melián Alvarez (trompeta). El público felizmente acudió en buena cantidad a las excelentes instalaciones de la Sala Fabini, del Auditorio Nacional Adela Reta (Sodre) y pudo disfrutar de un espectáculo que pocas veces se ha de repetir por estos lares. Nuestro buen amigo y colega Enrique, a la salida, preguntó sobre mi opinión al respecto de lo presenciado y qué puntaje le daría. Tuve que ser sincero con el, pues he visto videos grabados en festivales europeos del mismo espectáculo y debo decir que lo vivido esa noche, fue superior. De los 10 puntos posibles, para Chucho y su gente: 15 puntos y mucho Axé!. Bobby McFerry…También fue uno de los puntos altos de la temporada. Un artista único y con una propuesta igualmente singular. Quienes tomaron la decisión y tuvieron la mejor voluntad de ir a disfrutar de su arte, sin duda, no lo van a olvidar. Solo el artista y el público…en un diálogo ciertamente musical, histriónico y de gran creatividad que por momentos fue interactivo, dejando a los asistentes con ganas de mucho más. (JR)

PROXIMAS OCURRENCIAS (Quién, Dónde, Cuándo?):
El Jazz Tour 2011. Ha cambiado sustancialmente la “grilla” que se venía manejando. Intuimos que las dificultades - que no faltan - han incidido en no poder consolidar la presencia de grandes y representativas figuras del género en nuestra ciudad. 4to. Festival de Jazz Montevideo. Del 1º al 6 de noviembre se realizará la cuarta edición de este importante festival con la participación de reconocidos músicos del exterior y de nuestro país. Richard Galliano. En noviembre el acordeonista franco italiano Richard Galliano, actuará solo, de acuerdo a lo último que hemos sabido. Más información: http://www.jazztour.com.uy/  Sudei: 60 años de Jazz. Festival que hace parte de la conmemoración del 60º aniversario de la fundación de SUDEI (Sociedad uruguaya de intérpretes) La comisión especialmente formada a los efectos, a preparado un encuentro de 2 días en los cuales se presentarán diversas propuestas en diferentes estilos y en formatos que van desde el clásico trío de Jazz a las Big Band. Sala Zitarrosa 14 y 15 de Noviembre.

LA ESPERANZA, ES UN RIESGO QUE TENEMOS QUE CORRER:
La temporada de este año. Como es “normal”, la temporada empezó lenta y tarde con los primeros fríos del año. Fríos que, en lo personal, no me facilitan precisamente las cosas pero, que tampoco logran - del todo - excluirme. Temporada pobre en muchos sentidos, especialmente si analizamos la oferta (sobre-oferta) y la calidad de la misma. Por supuesto que, en lo que atañe al Jazz y sus conexos, estuvo o, más bien, comenzó con mucho ímpetu, con excelentes perspectivas de buen cartel y mejores nombres. Pero, las condiciones de la economía “global”, dirán por ahí, seguramente truncaron muchas de esas expectativas. La “sobre-oferta” en el Jazz, es poco probable que se de. No es una tarea fácil el poder “traer” las figuras que últimamente se han podido apreciar. Tampoco es algo sencillo el “armar” buenas grillas o carteles a partir de las propuestas del patio. Paradójico pero cierto. Los músicos uruguayos reconocidos - en otros lares y circunstancias - por su “ductilidad” por su maleabilidad efectiva e ingenio a la hora de abordar distintos géneros y estilos, en casa son, o se comportan “de entrecasa”. El que por distintas razones, necesidad o hábito, tengan por norma, el tocar de todo un poco (y un poco de todo y con todos) con la proverbial premisa del “más o menos”, “así nomás”, haciendo “parrilla” (cifra y acordes sin notas escritas) termina por jugarles en contra, colocando a todos en la misma bolsa. Sus propuestas, acaban - lamentablemente - por ser un reflejo de esa actitud, una mezcla sin mucho criterio. Muchos quieren cosechar, aún sin haber sembrado. Pero, son tiempos de cambios. Y estos se irán sucediendo. Sabemos de músicos uruguayos, entre tantos y buenos que - justo es reconocer los hay - que van madurando, creciendo y, entendiendo, que deben comprometerse con su propuesta, elegir un camino y tomar riesgos (arreglísticos, compositivos, interpretativos, etc.), apostar a la calidad y al trabajo, como forma de lograr los objetivos. (JR)

En Clave de Jazz-Radio por Magoya 90.5 FM desde Maldonado, Uruguay. En Clave de Jazz-Radio, "El Jazz y, la Nuevas Tendencias", la edición Radio de este Web-magazine, programa creado y conducido por Jorge Rocha, con el apoyo de los comunicadores Walter Álvarez y Carlos Peláez, se transmite, en su 4º año consecutivo, localmente desde Maldonado en Uruguay. Las propuestas, proyectos de una gran cantidad de músicos de las tres Américas (y no solo continentales) nuevos, desconocidos, conocidos, noveles y famosos, todos, reunidos para honrar la música, la diversidad cultural y, ser difundidos y mostrados en un marco de integración y conocimiento. El encuentro es, todos los sábados, de 19:00 a 21:00 horas por Magoya 90.5 FM.

LO DIJO:
Lilian Saba: "El jazz ofrece una sensación potencial de libertad a partir de lo que cada uno "es" desde su propia identidad".
Luc Delannoy / Carambola: "El jazz, por su capacidad incluyente, de hospitalidad, porque está abierto a las fusiones, es un lugar generoso que favorece la eclosión de nuevas identidades".

Foto: Logo “Jazz de Acá” (JR)

Diego Piñera: Reflexiones

Nace en el año 1981 en Uruguay. Muy joven empieza a tocar la batería y deja con 18 años su tierra natal para estudiar en la Universidad de Arte y Música en la Habana, Cuba. Aquí profundiza sus elementos afrocubanos tocando el drumset y los timbales. Ha tocado con conocidos músicos cubanos como Enrique Pla y Joaquín Pozo. Del 2001 al 2004 estudia en el Berklee College of Music en Boston. Aquí graba el disco "Ongoing Dream" con Edu Tancredi presentando a Antonio Sanchez, Jerry Bergonzi y Miguel Zenon. Desde el año 2004 Diego Piñera vive y trabaja en Berlin donde toca con músicos como Wilson DeOliviera, Dan Freeman, Johannes Haage, Andreas Schmidt, Martin Auer y Christian Grabandt. Dirige dos asambleas en la escuela de música en el centro de Berlin y da clases en distintos instituciones en Alemania. 2005 gana el primer premio del Jazz and Blues Award en Berlín con "Clave Azul".
Diego Piñera ha encontrado entre el jazz, el latín y la música improvisada su propio lenguaje rítmico que fascina con su sensacional técnica y polimetría moderna.
Reflexiones. Segundo CD (en el sello Perro Andalúz) de este talentoso baterista uruguayo radicado en Berlin, nuevamente en formato trío. Aquí repite en el bajo el legendario Popo Romano y en las teclas la participación de Pablo Marichal, otro joven talento uruguayo (actual integrante del cuarteto Sicarios), teniendo además como invitado especial el creativo saxo de Eddy Porchile en dos temas. Y como el título lo indica Piñera nos lleva un paso adelante en su etapa compositiva, así como en la superación constante de su asombrosa técnica, la misma que lo está llevando a numerosas colaboraciones con grandes músicos europeos que lo premian con dedicadas composiciones que aquí están registradas.

João Donato: en total sintonía

João Donato de Oliveira Neto es un pianista de jazz brasileño y bossa nova, probablemente mejor conocido por sus numerosos álbumes como líder de banda. Primero trabajó con Altamiro Carrilho y llegó a tocar con otros maestros como Tom Jobim, Astrud Gilberto, así como anfitrión de otros.
Nació en Río Branco, la capital del estado de Acre, Brasil, el 17 de agosto de 1934. Su padre, también llamado João Donato, era piloto y en su tiempo libre le gustaba tocar la mandolina en su casa. Su madre cantaba y la hermana mayor, Eneyda, resultó ser pianista también. El más joven, Lisias, se convirtió en el socio principal en las composiciones de su hermano.
En 2007, el escritor americano Allen Thayer escribe, entre las doce páginas que escribió sobre João para Wax Poetics, la revista New York Jazz: "João Donato merece un lugar entre las leyendas de la música brasileña, junto a Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, Dorival Caymmi, Ary Barroso y muchos otros, a pesar de su experimentación (...) con varios géneros de la música que convierte a cualquier intento de clasificar en un reto".
En un texto publicado en Internet, Alexandre Carvalho dos Santos, sugiere la música de Donato como una forma de curación para la depresión: "Recomiendo escuchar a João Donato, no sólo a alguien que esté interesado en la música de primera clase, un pianista impresionante y una selección de composiciones históricas. Se lo recomiendo a cualquiera que necesite un anti-depresivo, una sesión de acupuntura o cualquier otra forma de relajación profunda.
Escucha música las 24 horas: la música que existe y está grabada y aquella que le viene a la mente y que rápidamente, para no olvidar la melodía, trata de anotar en algún papelito o registrar electrónicamente, hasta que pasado un tiempo, comienza a decantar y echa en la basura lo que él considera como tal y salva lo que pueda transmitirle a las personas un buen estado de ánimo, pues no le gusta impregnar sentimientos desagradables, como aquellos que transpone a la composición cuando está deprimido o con el “astral bajo”, como dicen los brasileños.
Para Donato, “la música es una religión”, a la que hay que dedicarse en cuerpo y alma, no es un “vacilón”, que puede dar espacio a otras cosas y pasiones. Hay que estar en total sintonía con ella, pues es algo “sagrado, más espiritual, una diversión sana”. Es “algo sencillo que cala en el corazón, algo infantil...”

Referencias: Ricardo Alvear / lamusicasalsa.net
Antón Vélez Bichkov / esquife.cult.cu

Juan Sebastián Monsalve: rumbos contemporáneos

Sin lugar a dudas Juan Sebastián Monsalve es uno de los grandes innovadores de las nuevas generaciones de la música colombiana. Desde sus inicios al lado de la agrupación María Sabina, Monsalve se mostró como un compositor que se la jugaba por expresar ideas poco convencionales. Desde el lenguaje del punk, la música clásica del norte de la India, los currulaos, la cumbia, el vallenato y la champeta, el bajista decantó un sonido extraño y sugerente como lo ha sido durante más de diez años Curupira, quizás el proyecto con el que más reconocimiento ha obtenido.
Productor y arreglista de proyectos tan diversos como 1280 Almas, Cabas, Victoria Sur, Kraken y Cuatroespantos, entre otros, este aventajado músico también se involucró en los terrenos del jazz desde muy joven. De hecho en 1993, con la composición "Diez piezas para cuarteto de jazz", ganó la beca "Francisco de Paula Santander" otorgada por Colcultura. Ocho años más tarde, siguiendo las sendas del jazz grabaría Bunde nebuloso, un disco esencial en la breve historia del jazz en Colombia que tiene en Juan Sebastián Monsalve uno de sus creadores más activos.
Paralelo al trabajo con el ensamble electrónico-vocal Comadre Araña -con quienes estrenó disco en 2008-, Monsalve tuvo tiempo para madurar un poderoso trío de jazz junto a la pianista Adriana Vásquez y el baterista Pedro Acosta.
Enfrentados a uno de los formatos más difíciles del género, este trío hace gala de una impecable interpretación que recorre viejas piezas como “Las Plazas” (grabada hace unos años por Victoria Sur) y “Yuma en Guagua”, editada originalmente en Bunde Nebuloso.
Raga que Zumba es un disco que a través del jazz hace un recorrido por músicas insospechadas como las sabaneras (“La turca vallenata”, “La puya rota” y “Lo se las siete sale sol”) y otras provenientes de los llanos colombo-venezolanos como lo es el caso del corte “Raga que zumba”, un genial encuentro que, conducido por la misteriosa voz de Anandita Basu, permite el cruce entre el zumba que zumba (aire tradicional de los llanos) y las ragas indias.
El viaje que propone Monsalve evoca un estilo de jazz alejado de fórmulas trasnochadas y se logra ubicar en su tiempo tal cual lo podemos percibir en “El madrugón”, “El trébol” y “Sombra”; la única licencia clásica que se permite el trío es la sorpresiva versión de “Coqueteos”, composición de Fulgencio García que acá se renueva, toma, en definitiva, rumbos contemporáneos.
Raga que zumba viene a engrosar la discografía de jazz colombiano que día a día crece en forma y estilo.

Eva Cortés: el mestizaje cultural

Llegó a Sevilla desde su Tegucigalpa natal, previa escala en Madrid, cuando tenía sólo 4 años.
La cantante y compositora, ha incorporado en otros trabajos las cadencias latinoamericanas, que la arrullaron en su infancia. Pero su primera gran pasión musical fue el blues, y luego el jazz, que ha mezclado con ecos andaluces.
Postulada como una de las más firmes promesas del Jazz español, Eva Cortés ha cosechado excelentes críticas. Sin olvidar sus raíces latinas, ni sus años en París, la cantante deslumbra con un repertorio que mezcla frescura y seducción.
Su música refleja las influencias recibidas de su mestizaje cultural, así como de los diferentes géneros musicales desarrollados a lo largo de su trayectoria como cantante.
Eva Cortés nació en Tegucigalpa, Honduras, creció en Sevilla y reside actualmente entre Madrid y París. Su música refleja las influencias recibidas de su mestizaje cultural, así como de los diferentes géneros musicales desarrollados a lo largo de su trayectoria como cantante. Durante su infancia, al crecer en una familia de gran tradición musical, estuvo expuesta a la música tradicional Latinoamericana. Sin embargo escuchamos en sus primeras composiciones a la edad de16 años, una fuerte influencia del blues.
La música es un sin vivir. “Te obliga siempre a cuestionarte. Es un desafío permanente porque te estás midiendo contigo misma todo el tiempo”, concluyó Eva Cortés, que ha sido elogiada por críticos como una de las compositoras y cantantes más interesantes de la escena de jazz en español.
Back 2 The Source. Es la mirada personal de Eva Cortés a lo que ella considera el pilar de su influencia musical, el jazz. Escoge temas standards populares (Henri Mancini, Cole Porter o Rogers & Hammerstein II) y construye sus propios solos vocales, con una nítida influencia del jazz femenino de los cuarenta y levísimas notas flamencas arropadas por la guitarra española. De hecho, en su música siempre hay una relación directa con el jazz, "fundido" con elementos tanto de la música tradicional latinoamericana como andaluza y es que, habiendo nacido en Honduras, creció en Sevilla y, en la actualidad, reside entre París y Madrid.
Interpretado en castellano, inglés y francés, sorprende por sus impecables arreglos (las versiones en castellano son del desaparecido Augusto Algueró), la sólida base instrumental conseguida a base de muy buenos músicos (Pepe Rivero al piano, Toño Miguel al contrabajo, la batería de Marc Miralta y Georvis Pico, y las guitarras de Javier Limón y Mark Whitfield) y la cuidada producción (grabado en Casa Limón), que hacen de Back 2 The Source un disco elegante, medido y exquisito.
Sin duda, este es el álbum que afianza a Eva Cortés como una de las figuras más solidas del panorama del jazz vocal español.

Referencias: latribuna.hn / elperiodic.com / laprensa.hn / lauvaylaparra.blogspot.com

La Polillazzera: Africanismo del Jazz (12)

Con mucha frecuencia, en la bibliografía de distintas publicaciones se observan nombres y autores que, además de repetirse y reiterarse como fuente de información en innumerables ediciones, estas obras – debido a la época en que fueron escritas – están prácticamente “desaparecidas” en nuestros días. Cuando por azar o por una eventualidad se tropieza con uno de estos raros ejemplares, la Polilla Jazzera que uno lleva por dentro, sabe que el “alimento” en estos casos consiste en conservar ese material y, dado la importancia del tratamiento procurado al tema desde la perspectiva histórica, la conveniencia de revisitarlo y compartirlo. De eso se trata. Otra mirada, a partir de aquella mirada. (JR)
Continuación…(…) Cabe subrayar también entre los africanismos del “jazz”, la acentuación de los tiempos débiles del compás o arsis, en lugar de los fuertes o tesis, lo que da por resultado el fraseo “off beat” o “tiempo al aire” de las melodías característica ésta que ya había sido advertida en la música del Africa Occidental. Stephen Chauvet, en su libro sobre la música de la gente de color, en el cual anota ciento dieciocho cantos africanos, dice que los nativos “se acompañan batiendo las manos siempre sobre el segundo tiempo y no sobre el primero como lo hacemos nosotros”. Y Gilberto Valdés, el compositor cubano, asevera que la música negra de su país rara vez se acentúa en los tiempos fuertes.
Conviene hacer referencia asimismo a la interrupción del canto o de la ejecución instrumental con interjecciones o frases cantadas, gritadas o habladas, com puede observarse, entre otros ejemplos, en las versiones del “blues” titulado Dipper mouth blues, donde ya es tradicional insertar la frase “Play that tihing””; la iniciación de las interpretaciones por el “chorus”, en lugar de hacerlo por el “verse”, el cual se suprime con frecuencia; la intensa relación existente entre la melodía y el acompañamiento rítmico, que, en las canciones negras, se efectúa mediante varias clases de tambores, maracas, varillas percutidas unas con otras, golpeteo de los pies y manos y, cortos gritos no musicales. (…) Además, no es pura casualidad el hecho de que los cultores de mayor aliento de la música sincopada son negros.
Otras peculiaridades puramente africanas del “jazz” las hallamos en la importancia que adquiere el ritmo, pues no hay música “hot” sin este elemento vital; la frecuente reiteración temática - “riff” - que figura, prominente, en la música negra de todos los meridianos, etc.
En las expresiones vocales, la preeminencia absoluta de la música sobre la poesía, cuyas palabas son trituradas, cortadas, desfiguradas o convertidas en sonidos inarticulados y onomatopéyicos de los instrumentos de la orquesta es, sin la menor duda, otra transculturización afroamericana.
Esta forma de canto inarticulado, en la cual las palabras se desnudan de sentido semántico para conservar sólo su valor sonoro y rítmico, y que tanto se ha prestado a absurdas distorsiones en manos de cantantes subalternos, incapaces de penetrar la honda belleza que encierra esta manera de interpretación vocal, en manos de artistas del largo alcance de Louis Armstrong, se denomina “scat” o “skat”. En ella, la voz humana frasea de modo muy sincopado, imitando los instrumentos de la orquesta. (Continúa)

Tomado de: “Estética del Jazz” de Néstor R. Ortiz Oderigo / Ricordi Americana, Buenos Aires,
Argentina, 1951
Foto: Dancing-Gakonga-Ndombolo


El Jazz vocal

El jazz vocal constituye por si solo una amplia panorámica dentro del extenso universo del jazz. No obstante, son los instrumentistas, quienes han hecho crecer y evolucionar el jazz en los momentos decisivos, y cualquier análisis sobre las grandes voces del jazz, no deben obviar esa realidad. Es muy difícil encontrar cantantes de jazz cuya esencia pertenezcan por completo al jazz: Louis Armstrong, Billie Holiday, Ella Fitzgerald, o Jimmie Rushing, son algunos ejemplos. La gran mayoría son solo cantantes populares que musicalmente hablando, cantan jazz.
En los orígenes del canto jazzistico, está como casi en todo, el blues. Es el blues folklórico y rural, cantado en los campos de algodón y en las plantaciones rurales por los esclavos procedentes del continente africano, en las prisiones y en los caminos, el que se usa para expresar el dolor, el abandono, la adversidad, la desesperación o cualquier otro sentimiento personal y social. A la esclavitud, sucedió la segregación racial, y con ella, la intensa corriente migratoria llevó a la población negra a los ghettos de las grandes ciudades a finales del siglo XIX. El blues viajó con ellos y se hizo urbano. Ese canto se difundió no solo entre tabernas y lupanares, sino que el mundo del vodevil, el cabaret y el teatro se hicieron eco de ese canto llevando el blues a las comedias musicales negras de Harlem y Broadway. Cuando las cantantes negras de la época: Mamie Smith, Gertrude "Ma" Rainey, Bessie Smith, o Ethel Waters se desprendieron del manto opaco del vodevil, pusieron los pilares que sostienen todo el canto jazzistico que hoy conocemos. Luego llegó Louis Armstrong, ya convertido en un genial cornetista, innovador y eje básico del jazz moderno. Su aportación a la música vocal fue adaptar su voz -nada privilegiada por otra parte- a los ritmos que ya había conseguido con su instrumento. La voz quebrada y el registro de su corneta, gozaban de una misma maestría rítmica, un dominio creativo de la tensión y la distensión (el swing), de los acentos, las sincopas y las pausas que es lo que constituye en última instancia la excelencia del cantante de jazz.
Billie Holiday, Ella Fitzgerald y Sarah Vaughan -en este orden- ocupan en términos de prestigio, la cima del jazz vocal femenino. Billie Holiday adoptó el fraseo de Louis Armstrong y el temperamento expresivo de Bessie Smith para convertirse en una cantante inigualable en los tiempos medios, redistribuyendo sus acentos y pausas dentro de los límites de la canción; Sarah Vaughan, utilizó su potente registro vocal para aproximarse a una canción como lo haría un instrumentista de viento; y Ella Fitzgerald, además de ser la cantante que más ha calado entre el gran público, consiguió que el "scat" se convirtiera en una herramienta musical completa y autosuficiente.

Referencia: cadenabazaar.com
Foto: (Ilustración) Sarah Vaughan / Vel Verrept

Aquiles Báez: A mis hermanos...

Aquiles Báez Trío
A mis hermanos
Guataca
2011

A mis hermanos es el nombre de la nueva producción musical de Aquiles Báez, editada por Guataca Producciones. Composiciones de la autoría del guitarrista que se pasean por diversidad de géneros de la música venezolana con una notable influencia jazzística.
Báez está acompañado por dos músicos que considera formidables, el bajista Roberto Koch y el baterista Adolfo Herrera.
En “A mis hermanos” también participan el mandolinista Jorge Torres, del Ensamble Kapicúa; y las cantantes Mariana Serrano y Ana Isabel Domínguez
Luego de 32 años de trayectoria artística, el maestro Aquiles Báez puede afirmar enfáticamente que la música es una decisión personal y una forma de vida. Bajo esa premisa, critica la cultura de una "única canción favorita" y se vanagloria de tener más de dos mil canciones preferidas.
Recién mudado a Venezuela, luego de años de vivir en Nueva York, Báez considera que en el más hay más posibilidad para crecer como artista y ayudar a otros músicos. Continuará, sin embargo, con sus presentaciones en el extranjero.
En éste, el más reciente trabajo de Aquiles, se mantiene entre otras cosas como la calidad y la poesía compositiva, el criterio general de sus trabajos anteriores en el abordaje de la música venezolana y latinoamericana que, lo distingue y lo hace representativo.
Si tenemos que resumir en tres temas el espíritu general del disco, digamos que la pieza número 1 “A mis hermanos”, la cual además de darle nombre al trabajo, es una de las composiciones más reconocidas e interpretadas de Aquiles. Sigo con el track Nº 5 “A lo lejos”, evocación del gusto por lo brasileño (en lo latinoamericano) y culmino con el tema señalado con el Nº 8, “Paraguaipoa”, con los olores y colores venezolanos totalmente destacados. (JR)

Referencias:
Johanna AlvarezAlvarez / el-carabobeno.com

Claire Daly: El Proyecto de Mary Joyce

Claire Daly Quintet
Mary Joyce Projects: Nothing to lose
Daly Bread Records
2011

La saxofonista barítono y pianista Steve Daly Hudson ha compuesto música inspirada en el diario del viaje escrito por Mary Joyce. A ella se le unieron, el bajista Mary Ann McSweeney, el baterista Peter Grant, y el extraordinario beat box humano, Napoleón Maddox.
Claire Daly dio a conocer "El Proyecto de Mary Joyce: Nada Que Perder", un homenaje musical a la prima hermana de su padre, Mary Joyce, una pionero que hizo un viaje en trineo de perros desde Juneau hasta Alaska Fairbanks en 1935. Junto con el bajista Mary Ann McSweeny, el baterista Pete Grant y el “beat box” Napoleón Maddox, el proyecto es en honor a esta mujer aventurera, con 11 temas realmente originales. Tal vez es la primera vez que una “caja de ritmos humana”, siempre un elemento básico de los inicios del rap, ha sido utilizado en un ambiente de jazz. En el contexto de jazz, el efecto beat box viene a través de las formas de vocalizar como Al Jarreau o Bobby McFerrin.
Un proyecto muy personal de Daly, los motivos de la inspiración para este disco podrían ser desconocidas y, pasar desapercibidas por el oyente que no sabe nada acerca de la pariente de Daly que rompió todas las reglas en los años 30. Esta historia se explica en cierta forma, en el último tema del disco, titulado: “Epílogo”. Una grabación de espíritu libre, esto es de jazz de primera clase realizado por un grupo de profesionales que entienden la naturaleza personal del proyecto. Claire Daly y el Quinteto de Claire Daly: Un trabajo entretenido e inspirador. En plan de darles una idea del concepto total de la obra, en tres piezas, como es mi “utópica” insistencia, comienzo por separar el tema Nº 2 “Homage to Freedom”, con altas dosis de ingenio en los arreglos e interpretación. Luego voy a indicar el surco número 5, “Complicated love”, una pieza super sencilla pero no por eso menos determinante. Culmino con el track marcado con el 9, “Gotta go”, en el cual se lucen todos los integrantes con la misma dosis de sencillez que se aprecia en todo el disco. (JR)

El Buenos Aires de Polentaitum

Polentaitum
Milongas de la ribera
Independiente
2009

Polentaitum confirma el rescate permanente de los géneros de nuestra ciudad y la región que nos contiene, el Río de la Plata. En esta búsqueda, atravesada por los colores de nuestro Buenos Aires presente, la propuesta descansa fuertemente en la rítmica, pata fundamental de la conformación del tango como género, extensible a las milongas, candombes y murgas porteñas. La irrupción del género carnavalero en formato de canción de retirada cierra el excelente trabajo, en correspondencia con los nuevos aires de la metrópoli.
Creado hace más de 5 años, Polentaitum viene realizando un profundo trabajo de buceo en las células rítmicas de la negritud porteña negada, que se hallan presentes en el tango aunque, por lo general, camufladas bajo los “yeites” y modos de tocar de los instrumentos armónicos. Aun con escalas distintas de velocidad "la habanera, el tango, la murga porteña y la milonga comparten una misma célula rítmica.
German Pontoriero, su director, deja en claro que no se trata de un trabajo de antropología musical "porque nosotros no pretendemos ser fieles a lo que se tocaba antes sino ser respetuosos de lo que se hacía, tratar de entenderlo y “aggiornarlo” al sonido del Buenos Aires de hoy".
El segundo CD del grupo Polentaitum, Milongas de la Ribera, ha sido declarado de Interés Cultural, por la Secretaría de Cultura de la Nación Argentina.
Este es un trabajo muy singular que nos acerca a la música urbana - de la ciudad de Buenos Aires - en su contexto diario, cotidiano, normal. Un trabajo muy interesante en el que “queriendo y sin querer” todos nos vemos, de alguna manera reflejados, especialmente hablando de la región sur, del continente americano. Lo medular de esta propuesta en tres temas: el Nº 3, “Negra bonita, negra de Buenos Aires”, sencilla y elemental como la gente que describe. Después destaco el track número 9, “Mi Buenos Aires perdido”, que pinta con cierta nostalgia autóctona el interior profundo de los barrios porteños y, finalizo con la pieza Nº 12, “Aquí juega la porteña”, con el desarrollo de la “murga” argentina, tan popular en este país, como desconocida en nuestro continente, donde tiene varias - aunque distintas - hermanas de nombre y forma. (JR)

TAMBIÉN HEMOS RECIBIDO:

Xan Campos Trío / Orixe Cero
Florencia Ruiz / Luz de la noche
René Marie / Black Lace Freudian Slip
Holli Ross / You'll See
Yamandu Costa - Hamilton de Holanda / Live!
Jovino Santos Neto Quinteto / Current
Mario Adnet / More Jobim Jazz

Discos los cuales, estaremos oportunamente revisando y comentando para Uds., en nuestras próximas ediciones.

Estimados amigos de “En Clave de Jazz”:
En nuestro deseo y afán por contribuir, por colaborar a la mejor difusión, a la mayor promoción de todas las actividades y proyectos que se realizan en el género, les solicitamos tener en cuenta lo siguiente:
Actualizamos periódicamente. A los músicos y profesionales, casas discográficas o productores, que deseen hacernos llegar - con la debida anticipación - sus trabajos y noticias, con mucho gusto las recibiremos y, las incluiremos en las secciones correspondientes.
Reseñas y Notas: Se agradece enviar el texto editado en formato y fuentes usuales; evitando en lo posible el uso de redacción en "sólo Mayúsculas" (excluyente) y, las fotos adjuntas, deben venir adaptadas para su uso en la web.
E-mail: jorgerochac@gmail.com
Eventualmente con copia a: uru_ven@yahoo.com
CD’s, Libros, Otros: Si en lugar de noticias son grabaciones, material de difusión etc., por favor hacerlo a la dirección de correo postal aquí indicada. Recibirán -como siempre- la necesaria y adecuada cobertura en la sección de reseñas discográficas o, donde concierna en "En Clave de Jazz" (Web-magazine y también, en la edición Radio).

Dirección: Arquímedes 1162, El Prado, Montevideo C.P. 11.700, Uruguay.

Muchas gracias
Jorge Rocha

jueves, 16 de junio de 2011

GRACIAS, MUCHAS GRACIAS!

Es una satisfacción, y también implica un mayor compromiso. Desde que coloqué un “contador de visitas” y a la fecha, van más de 10.700 (diez mil setecientas) visitas. Eso da un promedio de algo más de 1.200 visitas mensuales…lo que creo que no está nada mal. Asumo la responsabilidad que eso conlleva con mucho gusto. Seguiré trabajando…para, con el apoyo de Uds., y el efecto multiplicador que así se genera, seamos cada vez, muchos más los que aquí nos encontramos!

Jazz de Acá: ACTIVIDAD LOCAL

‘‘El jazz, como muchas otras artes se explica a sí mismo, y sólo la experiencia de su audición permite comprenderlo’’.

LAS ACTIVIDADES PASADAS:
Martirio.
Esta consumada y carismática artista, ha realizado un profundo trabajo de investigación musical, fusionando coplas con jazz; boleros y tangos con flamenco: Resultado de carácter único y espectáculo de calidad indiscutible que ha ayudado a renovar los caminos por los que discurre la música en España, así como a abrir nuevas fronteras musicales hasta ahora desconocidas. Mi primer acercamiento a la propuesta - innovadora - de Martirio, fue por el año 1999, y debo decir que el tiempo, le ha dado no solo la razón, sino una madurez natural que, le sienta muy bien. En sus canciones, Martirio es capaz de hacer crónicas del mundo femenino desde el ingenio, el humor y la ternura, todo ello sustentado en una voz dúctil, poderosa y sensual. Esta faceta artística tiene su correlato en la vida cotidiana, al destacar su constante apoyo a causas y colectivos comprometidos con los problemas de la mujer. El espectáculo “25 años en concierto” nos mostró, como siempre, a una artista sofisticada, segura y con un singular histrionismo en su performance, siempre detrás de sus lentes oscuros - para un logrado conjunto estético muy personal y ecléctico - lentes los que, solo por un momento - sobre el final - graciosamente se quitó, para dejar ver uno rostro limpio, cordial y unos ojos celestes increíbles. Acompañada por dos gigantes, Jesús Lavilla al piano y, Raúl Rodríguez en guitarra española, Martirio recorrió con elegidos temas, sus 25 años en los escenarios. Sucedió el 1º de Junio, en el Teatro Solís de Montevideo. El público, que “casi” plenó el Solís, salió satisfecho e impresionado. De un puntaje de 1 a 10: por la organización, por ella, por los músicos, por las luces…por la música…les doy: 12 (JR)

PROXIMAS OCURRENCIAS (Quién, Dónde, Cuándo?):
El Jazz Tour 2011.
Continúa el programa preparado para este año, manteniendo – el esfuerzo – el perfil de la diversidad y amplitud de criterios dentro o, cuando no, en los aledaños del género, como lo que ya se ha presentado. Chucho Valdes & The Afro Cuban Messengers. "Chucho’s steps” de Chucho Valdés y Afro-Cuban Mesengers obtuvo el galardón de mejor álbum de jazz, en la pasada entrega de los Grammys. 20 de junio, Auditorio Adela Reta, Sodre. (Ver nota en ediciones anteriores). Bobby McFerrin. Una Noche con Bobby McFerrin, el Jazz Tour y el Centro Cultural de Música, adelantando los festejos por sus 70 años, se unen para este evento. Auditorio Nacional Adela Reta, Sodre. 7 de Agosto. En Setiembre. Para el mes de setiembre se espera la visita de músicos que, ya han estado en nuestro país, tales como el guitarrista John Scofield Quartet (8 de Setiembre, Teatro Solís) y el pianista Yaron Herman Trio. 4to. Festival de Jazz Montevideo. Del 1º al 6 de noviembre se realizará la cuarta edición de este importante festival con la participación de reconocidos músicos del exterior y de nuestro país. Richard Galliano. En noviembre el acordeonista franco italiano Richard Galliano, actuará con su septeto, presentando su trabajo, de Bach a Piazzolla. Más información: http://www.jazztour.com.uy/

LA ESPERANZA, ES UN RIESGO QUE TENEMOS QUE CORRER:
Todo el mundo es música.
Serie documental-musical de RTVE (Radio y Televisión Española) dirigida por Patricia Ferreira, dedicada al género llamado internacionalmente "World-music" o, en español, "Músicas del mundo", y a la interacción de este tipo de música con las sociedades en las que nace. Son seis capítulos, dedicados al son cubano, al narcocorrido mexicano, la música garífuna en Honduras, la afroperuana y el chámame argentino. Se habla de música, de la historia de sus intérpretes y de su significado en las sociedades en las que surge: cada música tiene aquí una historia que contar. Todo el mundo es música’ recorre América central y del sur, al ritmo del son en Cuba, de la mano de Elíades Ochoa; del narcocorrido mexicano, con Los Tigres del Norte; de la música garífuna de Honduras y Belice, con Aurelio Martín; del chamamé argentino, con Chango Spasiuk; y de la música afroperuana, una de las más desconocidas de las músicas negras de América, que nos interpreta una de las responsables de su puesta al día: Susana Baca, ganadora de un Grammy. Todos los números musicales han sido grabados, en alta calidad, en escenarios naturales, calles, locales de ensayo, clubes, estudios, conciertos, carnavales, fiestas populares, o en cualquier lugar donde suene música. Y la cámara, nos introduce sin que nos demos cuenta, ya no sólo en sus países, también en sus vidas, haciéndonos convivir con ellos. Y cuando cada capítulo concluye, sabemos más de las culturas a las que pertenecen. Sabemos más de nosotros mismos. Agrego: para vernos en ese espejo (JR)
http://www.rtve.es/noticias/20110327/todo-mundo-musica-expresion-cultural-mas-intima/420016.shtml

En Clave de Jazz-Radio por Magoya 90.5 FM desde Maldonado, Uruguay. En Clave de Jazz-Radio, "El Jazz y, la Nuevas Tendencias", la edición Radio de este Web-magazine, programa creado y conducido por Jorge Rocha, con el apoyo de los comunicadores Walter Álvarez y Carlos Peláez, se transmite, en su 4º año consecutivo, localmente desde Maldonado en Uruguay. Las propuestas, proyectos de una gran cantidad de músicos de las tres Américas (y no solo continentales) nuevos, desconocidos, conocidos, noveles y famosos, todos, reunidos para honrar la música, la diversidad cultural y, ser difundidos y mostrados en un marco de integración y conocimiento. El encuentro es, todos los sábados, de 19:00 a 21:00 horas por Magoya 90.5 FM.

LO DIJO:
Charlie Parker:
“Master your instrument, master the music, and then forget all that shit and just play”. "Perfecciónate en tu instrumento, perfecciona tu música, y luego olvida toda esa “mierda” y simplemente toca".
Anónimo: "Tocar una escala rápidamente de arriba para abajo en un solo, es como un camino: tiene que llevar a algún lado. Pero, desgraciadamente, hay quien se pasa todo el tiempo en la carretera sin saber a dónde quiere ir".

Foto: Logo “Jazz de Acá” (JR)

El candombe de Alberto "Mike" Dogliotti

Alberto Dogliotti nació en Montevideo en 1939, inició sus estudios musicales a los cuatro años de edad. Premiado por dos años consecutivos en el Concurso de Juventudes Musicales de Uruguay obtuvo una beca para estudiar, siendo aún adolescente, en el Conservatorio Nacional de Viena.
Dogliotti, que en aquel momento se ceñía a un repertorio de música culta, aprovechó para hacer giras por varios países de Europa. Ya en los años sesenta el pianista entró en contacto con el jazz a través del Hot Club y la Peña del Jazz: los dos locales uruguayos más importantes que programan este tipo de música.
“Con apenas 17 años realiza su primer viaje a Europa y estudia en el Conservatorio de Viena. A su vez difunde en el viejo continente la música de Fabini y otros autores uruguayos. Su gran cambio de lo clásico a lo popular fue por su vinculación al carnavalero y publicista Carmelo "Lito" Imperio que lo lleva a un programa que tenía en los viejos galpones de Saeta. Ahí conoce a quien sería su gran amigo, el pianista Hebert Escayola que lo ayuda a trabajar profesionalmente en la noche montevideana. Por los años 70 abandona por un tiempo sus continuas giras y es cuando graba algunos discos acompañado por varios amigos que son virtuosos instrumentistas. Son los músicos que conoció cuando tocaba en "La Peña del Jazz" y en el "Hot Club". Talentos como el baterista Galletti, de reciente desaparición, el popular "Bachicha" Lencina, Manolo Guardia, "Pipa" Burgueño, "Finito" Binger, entre otros que lo ayudan en esas primeras grabaciones para el sello Sondor.
Junto a Federico García Vigil, Hugo Jara y Galletti graba el mítico disco "Chicalanga" que tiene el inolvidable tema "Don Pascual". Por 1972 invita a Tito Caballero y a los Hnos. Silva en tamboriles para realizar el disco "Candombe Liso" que tiene surcos como "Cheché", "Ahí va la comparsa" y "Palo y tamboril". (Luis Grene / cualquiercosamenossordo.blogspot.com)
En 1964 fue elegido entre los mejores intérpretes del año y pasó a formar parte del grupo de jazz de Montevideo representando a Uruguay en distintos festivales latinoamericanos. Pero es el nacimiento del movimiento de renovación musical de la música popular uruguaya denominado Candombe el que dota a su música de unas señas de identidad propias. Dogliotti fue hasta 1983, año en que se trasladó a Las Palmas, director artístico de programas musicales televisivos y de diversos hoteles.
El maestro Dogliotti, también conocido como “Mike” o el “Marqués de Montevideo”, desarrolló una importante labor en Gran Canaria enseñando y actuando. Tocó jazz en el Misty Jazz Club de Playa del Inglés y en otros locales de la zona turística del sur de Gran Canaria, participó en el festival Canarias Jazz & Más Heineken’ 99 y realizó numerosos conciertos en el Centro de Iniciativas Culturales de La Caja de Canarias y en varios municipios de esta isla con los músicos Carlos Mompeó y Wolle Aretz.
Dogliotti destacó por sus excelentes dotes técnicas al piano, con un repertorio que supo engarzar los sonidos del jazz clásico con los de la música folclórica y popular latinoamericana y brasileña consiguiendo con todo ello un estilo muy personal.
“El Mike”, falleció el 9 de julio de 2007. Se lo recuerda muy poco. La memoria compañera quiere rendir humilde tributo a quien fuera un hombre de talento y fraterno ser humano. El candombe lo tiene como uno de sus hijos predilectos y el Jazz, lo reconoce como eximio ejecutante.

Conrado Paulino: Brasil con el lenguaje de Jazz

El estilo del guitarrista, arreglador y compositor Conrado Paulino une con originalidad tres vertientes: la primera surge del repertorio musical brasilero, universo donde se encuentra y se funda su base creadora; la segunda se revela en la influencia jazzística, incorporada especialmente en la sofisticada lectura armónica de sus arreglos y en el amplio espacio para la improvisación y, finalmente, la tercer vertiente, vinculada al manejo de técnicas de guitarra clásica en la ejecución de las composiciones. Vale decir, una excelente combinación de repertorio brasilero, lenguaje jazzístico y técnica clásica.
Conrado realiza un serio trabajo de selección, rescate y re-lectura de temas y autores de la MPB (Música Popular Brasilera), e intercala estas producciones con músicas de su autoría, combinando temas consagrados con inéditos. Presenta dicho trabajo en conciertos, actuando como solista de guitarra o con su grupo, el Conrado Paulino Cuarteto, reuniendo investigación, composición, arreglos e interpretación.
Acompañó varios artistas de expresión de la MPB como Rosa Passos, Alaíde Costa, Johnny Alf y Sueli Costa, y, como instrumentista, toco junto con grandes músicos como el Zimbo Trio, Hector Costita, Paulinho Nogueira, Heraldo do Monte y Luiz Chaves, entre otros.
Escribió varios arreglos para la cantante Alaíde Costa, y, entre sus arreglos más recientes, están los del CD “Apanhado” de la cantante Márcia Mah.
Entre 1987 y 1999 fue jefe de cátedra del departamento de Cuerdas del CLAM, la prestigiosa escuela de música del Zimbo Trio. Fue también el editor musical de la edición brasilera de la revista Guitar Player Magazine.
Ex-profesor de diversos músicos que ganaron notoriedad en el escenario artístico - entre ellos Chico César, Nuno Mindelis, Tomati, Camilo Carrara y Fernando Corrêa - Conrado es actualmente colaborador de la revista Acústico, miembro de la IAJE (International Association for Jazz Education) y profesor de la ULM (Universidade Livre de Música do Estado de São Paulo), donde dicta los cursos de Guitarra, Improvisacion y Técnicas de acompañamiento.
El concepto musical de Conrado Paulino Quartet equilibra “swing” brasilero, lectura armónica moderna y amplia visión para la improvisación, resultando en una óptima combinación del repertorio y los ritmos brasileros con el lenguaje jazzístico.

Tomado de: musicfrombrazil.com.br

Caribe y Jazz

El Caribe recorre la geografía del Jazz como río impetuoso y diáfano, desde sus mismos orígenes. Pero los ríos son navegables en ambos sentidos. Si es cierto que El Caribe es Jazz, El Jazz es también Caribe. Parece uno de esos silogismos difíciles de entender a menos que sea explicado en el lenguaje musical. Santo Domingo, como parte del Caribe, no ha sido ajeno a ese doble juego de toma y daca. Aunque entre los dominicanos, ha resultado una relación atracción/rechazo. La atracción es perfectamente entendible: en músicas tan cercanas, es difícil no sentir el embrujo. El rechazo es de orden extra-musical, por lo tanto, no es materia de estas hojas.
La música, los géneros musicales, cuales sean, solo existen desde sus protagonistas. De la relación hombre-música, hombre-instrumento. Si hay un Jazz Dominicano, como bien lo creo, proviene de la simbiosis merengue/jazz de larga data. Y de la presencia de hombres y mujeres que lo han hecho posible. Los ritmos, como cualquier otro accionar humano, responden a necesidades específicas y del momento. Es en la necesidad de reunir el saxofón alto con el acordeón, dentro del merengue, donde se encuentran los embriones de un jazz de factura nacional. El Acordeón nos llega a finales del siglo 19, y el saxofón es integrado al merengue cibaeño, de manera constante, a principio del 20. Se destaca, en esa junta, una figura musical de nombre “jaleo”. El jaleo, sin embargo, ya existía en el Caribe desde mucho antes de que surgiera jazz en Nueva Orleans. Y, aplicado al saxofón alto, es ligeramente anterior a las primeras versiones de jazz. El desarrollo de ambos ha sido concomitante. Aunque el jaleo ya existía en el Caribe, tocado en otros instrumentos (bombardino, acordeón…), es en su manejo en el saxofón alto donde se logra mayor desarrollo, y es, posiblemente este, el mayor aporte dominicano a la música del Caribe…y el jazz. Avelino Vázquez, pionero del saxofón alto en el merengue, inventa y perfecciona la figura del jaleo dentro del merengue: combinación de notas dentro de la armonía tonal, que obliga a rapidez y dominio del instrumento. Ya más luego, en sus años de ser parte de la Orquesta de Luis Alberti y, posterior, a la familiar de los Hermanos Vázquez, es cuando liga, de manera consciente, esta figura al jazz de formato Big-Band que nos llegó con las orquestas de las tropas de ocupación en 1916. Es su sobrino Tavito Vázquez, sin embargo, quien logra llevar esta figura y la interpretación del instrumento a niveles superiores, afianzando una escuela que ha servido de base a prácticamente todos los saxofonistas dominicanos. Su dominio de las escalas naturales o cromáticas, ascendentes o descendentes; sus jaleos insuperables y su soberano gobierno del instrumento, lo sitúan como uno de los grandes maestros del merengue…y del jazz. Naturalmente, hay otras formas del jazz nacional que no tienen que ver con el merengue. Y hay otras figuras señeras del saxofón, de lo cual no hablo ni menciono, solo por asunto de espacio. Pero nadie más que Tavito Vázquez simboliza el enunciado de principio de estas notas: El Caribe es jazz y el Jazz es caribe.
“El saxofón es una extensión de mí mismo” me dijo en vida. Su saxofón alto es, ahora en su muerte, una extensión del alma nuestra...y del Jazz.

Cesar Namnum / Artículo escrito para el Centro León, Abril, 2011
Tomado de: Barco de Jazz

Foto: Tavito Vázquez

Laika Fatien: personal expresión

Nacida en París, hija de padre de Costa de Marfil y madre de Marruecos, Laïka se educó mayormente entre mujeres (madre, abuela y tía) en una familia judía de Marruecos. A través de su madre se introdujo en la cultura sefardí, abierta a diferentes estilos de música mediterránea. A nadie debe de sorprender por tanto que el Jazz -que ha alcanzado la universalidad como lenguaje y como cultura- se convirtiera en el horizonte natural de su curiosa personalidad, con la idea de consolidarse en este estilo.
Su formación (Ariam Ile de France, Cim, IACP), no daría una idea sobre su estilo como cantante: una expresión personal basada en una forma auténtica de vivir el jazz. Por esto tiene un excelente historial de colaboraciones con músicos como Antonio Hart, Roy Hargrove, David Linx...que son en definitiva una escuela de músicos que intentan ser una especie de espejos de sí mismos: Tener una personalidad propia, pero usando el lenguaje establecido por los grandes predecesores -que no solo no son destruidos sino respetados y recuperados con interés-. Billy Holiday, Carmen McRae, Shirley Horn, Nina Simone y Abbey Lincoln son la inspiración de Laïka, no solo modelos a adoptar. Laïka ha sido conocida por sus colaboraciones con la Big Band de Claude Bolling, el grupo Sixun, Julián Lourau, Steve Williams, Antoine Roney, Michael Bowie, David El Malek, Richard Galliano, Toot Thielemans, Robert Glasper, Gregory Hutchinson, Peter Martin, Daryl Hall, Vince Benedetti...
Laïka también se ha subido a otro tipo de escenarios como el del teatro, que se tomó muy en serio estudiando en la E cole du Théâtre de Chaillot con Aziz Kabouch, master clases con Irina Brook en la Cartoucherie, con Philippe Adrien y Jack Garfein de el Actors' Studio. Participó en la comedia musical "A Drum is a Woman", de Orson Welles y Duke Ellington, con Bolling y Jérôme Savary (Palais de Chaillot, 1996) que era una síntesis muy lograda de la música y el teatro.
Desde entonces ha liderado una doble carrera como cantante y actriz: Eva Kaczor's "Oli-Ola", personaje de Oli-Ola en 1999; Jean-Luc Jeener's "Peau d'Ane", en el Théatre du Nord Ouest, protagonista en 1999/2000; Xavier Lacouture's "Variations sur un Thème", personaje del pequeño príncipe en 2000; Antoine Campo's "L'Indien en Smoking", music a de Villa-Lobos, en el Conservatoire de Montreuil, personaje de Yara en 2000; "Los Sobrinos del Capitán Grant", adapt ación de Julio Verne, puesta en escena de Paco Mir en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, personaje de la princesa de Maori e n 2001/2002/2003/2004/2006; "Tectonics Clouds", opera/jazz de José Rivera y Laurent Cugny, escrita por François Rancillac en el Théâtre de la Ville (Paris) y en el Vienne Jazz Festival, papel de Celestina del Sol en 2007.
Como vocalista es líder de su propio quinteto, donde su personal expresión se desarrolla completamente. Cuando la tendencia es el regreso a los clásicos del Jazz, Laïka puede hacerlo con su propia personalidad añadiendo un toque especial, transformado los clásicos en piezas totalmente nuevas.
Su álbum "Misery", publicado en 2008, es un personal homenaje a la figura de Billy Holliday en recuerdo de Thomas Shipp y Abraham Smith.

Fuente: klink.org

La Polillazzera: Africanismo del Jazz (11)

Con mucha frecuencia, en la bibliografía de distintas publicaciones se observan nombres y autores que, además de repetirse y reiterarse como fuente de información en innumerables ediciones, estas obras – debido a la época en que fueron escritas – están prácticamente “desaparecidas” en nuestros días. Cuando por azar o por una eventualidad se tropieza con uno de estos raros ejemplares, la Polilla Jazzera que uno lleva por dentro, sabe que el “alimento” en estos casos consiste en conservar ese material y, dado la importancia del tratamiento procurado al tema desde la perspectiva histórica, la conveniencia de revisitarlo y compartirlo. De eso se trata. Otra mirada, a partir de aquella mirada. (JR)
Continuación…La improvisación, a la cual nos referimos en capítulo aparte, y que constituye un factor de importancia cardinal en el “jazz” y en la música afro-norteamericana en general, tiene también su sitio en el folklore de todo el mundo, y los compositores “cultos” se han servido de ella con generosidad.
Resulta imposible negar, sin embargo, que se halla con mayor asiduidad y en más alto grado en la música de los negros, sean ellos de Africa o de cualquier parte de América, pues el moreno es un improvisador proverbial. Y no solo en materia musical, sino también en el ámbito literario. La tradición oral ha desempeñado siempre un papel vital en el estilo y la dimensión de sus expresiones artísticas.
Es indudable que el “jazz”, como el arte sonoro folklórico, ha nacido al margen de la música escrita. Ha germinado espontáneamente de la ejecución. (…)
Entre los principales elementos de que se sirve el género musical que nos ocupa, y cuyas fuentes exclusivamente negras no admiten réplica, hay que mentar la “entonación hot”, particularmente característica de los “blues”, cuyo timbre sugiere de inmediato el de las canciones del Africa Occidental.
La entonación “hot” o cálida proviene no solo del empleo de la típica “escala de los blues”, sino también de la característica “voz negra” de los cantantes folklóricos afro-americanos, y se encuentra tanto en la música vocal como en la instrumental, especialmente en la que emplea instrumentos de bronce como la trompeta o corneta y el trombón.
El timbre peculiar que obtienen las orquestas de “jazz” se logra asimismo con una formación instrumental que no tiene precedentes en la música popular o culta de origen europeo, y que ha ejercido una profunda gravitación en los compositores “serios”.
Mencionemos también la polirritmia, considerada por el compositor Aarón Copland como la verdadera contribución del “jazz” a la historia de la música. Esta característica, que asimismo se encuentra en la música negra de Cuba, Haití, Brasil, Trinidad y otras partes de América, no es, por cierto, una invención del arte sincopado de Buddy Bolden, sino que constituye una herencia africana.
John Redfield, ex profesor de la Universidad de Columbia, recuerda que los tamboreros del Dahomey, llevados a los Estados Unidos sin haber tenido contacto alguno con la música occidental, para actuar en la Feria Mundial de Chicago, en 1893, se servían de efectos de polirritmia con habilidad singular.
Los exploradores a través del “continente trágico y pintoresco” nos informan asimismo que los nativos son tan expertos en el empleo de las superposiciones rítmicas, que pueden danzar siguiendo un ritmo con las manos, otro con las piernas y un tercero con la cabeza.
Y ya que aludimos al ritmo del “jazz”, su elemento considerado más “negro” digamos que el “charleston rhythm” o “tangana rhythm” - observado en Cuba, Brasil, las Guayanas, Barbados, las Bahamas y otras regiones de América - es uno de los ritos más meramente africanos filtrados al “jazz”. (Continúa)

Tomado de: “Estética del Jazz” de Néstor R. Ortiz Oderigo / Ricordi Americana, Buenos Aires, Argentina, 1951
Foto: Dahomey, hoy República Popular de Benin

Christian Scott: en busca del nuevo jazz

Christian Scott es un músico de 26 años que ya ha tocado con grandes como el bajista Marcus Miller o Prince. Su moderna concepción al jazz le acerca a algunos estilistas de finales de los 60, como Miles Davis, Coltrane o Mingus; pero también Jimi Hendrix o Pat Metheny. Y no sólo eso, los especialistas se rinden a su modo de vestir.
En el año 2006 empezó a dar guerra gracias a Rewind That, que en poco tiempo recibió múltiples alabanzas de la prensa especializada (“podría decirse que es el más destacado estreno que ha visto el género en la última década”, dijo la revista Billboard), además de una nominación al Grammy. Se veía en él a otro renovador de la música jazz no falto de ese descaro que muestran muchos intérpretes de nuevo cuño. De hecho fue bautizado por el Jazz Times como el “dios del jazz de estilo joven”.
Después vendría Anthem, un disco más dramático pero también valorado, y en el 2008 un disco en directo Live at Newport, inspirado en el efecto que tuvo el huracán Katrina en su ciudad de origen. Precisamente como el fenómeno meteorológico se llama el modelo de trompeta que la casa Edward Instruments le fabricó en exclusiva, con una forma especial que le ayuda a realizar su particular técnica de soplado. Ésta se basa en la manipulación de la temperatura del aire que insufla y de su articulación, lo que da un sonido parecido al susurro humano.
Su nuevo disco, Yesterday You Said Tomorrow, una colección de diez temas que incluye una versión de The Eraser, de Tom Yorke. El álbum se grabó en el renombrado Van Gelder Studio en Englewood Cliffs (Nueva Jersey), donde el legendario Rudy Van Gelder estuvo involucrado en todo el proceso. Van Gelder, que está reconocido como uno de los más grandes ingenieros de sonido de la historia del jazz por sus trabajos con John Coltrane, Miles Davis y Herbie Hancock, entre otros, afirma del nuevo álbum: “Esta es una de las mejores cosas que he hecho en mucho, mucho tiempo”.
Por su parte, el propio Scott afirma acerca de su nuevo trabajo: “Quería crear un telón de fondo musical que hiciera referencia a todo lo que me gustaba de la música de los años sesenta –el segundo quinteto de Miles Davis, el cuarteto de Coltrane, la banda de Mingus– unido a la música de gente como Bob Dylan y Jimi Hendrix. La música de esa época simplemente tenía más profundidad, ya se tratara de jazz, de rock o de lo que fuera. El clima político y social en la época estaba mucho más cargado y había unos cuantos músicos que no tenían miedo de hacer referencia a ese clima en su trabajo. Los que hicieron eso –y al mismo tiempo cautivaron a las personas de un modo que dejaba constancia de su propia humanidad– fueron los que acabaron durando más tiempo”.

Fuente: M.J.S. Mayo / elconfidencial.com

NOVEDADES y SUGERENCIAS 1

Silvia Pérez Cruz y Javier Colina Trío
En la imaginación
Producciones ContraBaix
2011
Javier Colina tuvo la oportunidad de escuchar a Silvia ya hace unos años en una visita a Cataluña, del Colina Miralta Sambeat CMS Trio. Ese día Javier empezó a imaginar un repertorio para acompañar la delicada y preciosa voz de Silvia Pérez Cruz. La admiración y respeto por Javier Colina por parte de Silvia viene de muy largo, les une la pasión por las músicas, ritmos y canciones cubanas y latinas en parte del lenguaje jazzístico.
Han mantenido el contacto durante todo este tiempo, incluso han podido compartir alguna colaboración en el escenario y en un disco. Y ya hace un tiempo que persiguen poder sacar adelante un proyecto juntos con el material que les une, clásicos de la canción cubana, música de ritmos latinos, con letras llenas de sentimientos, muchas de ellas oscuras, desgarradas, de amor y de desamor. Por fin sus agendas, implicadas en muchos otros proyectos, han permitido que el proyecto vea la luz, ya partir de ahora podremos disfrutar de esta gran propuesta.
Silvia Pérez Cruz, voz; Javier Colina, contrabajo; Marc Miralta, batería; Albert Sanz, piano y la colaboración del gran saxofonista Perico Sambeat.
Hay que decirlo. Cuando se juntan dos sensibilidades, una con su voz, la otra con su magnífico decir al contrabajo y, éstas, se unen a un seleccionado repertorio donde se pueden lucir a gusto por los matices, por el fraseo de Silvia, por la experiencia y la solvencia de Javier en géneros de las músicas de ida y vuelta, no puede sino resultar en una propuesta de altísima calidad y emotividad interpretativa y musical, donde por si acaso, está el invalorable aporte de Marc Miralta, Sambeat y Albert Sanz…viejos conocidos que, con apenas una mirada, dan el giro, el color necesario y el clima requerido. Todos son uno y, a la vez, cada uno sobresale pero, en absoluto interfieren y, por el contrario hacen de cada arreglo de Colina, una revisión muy personal, de clásicos donde nada falta ni sobra. Este es un disco de esos que, uno debe tener y tener siempre a la mano…suave, exquisito, delicado…un placer.
Pues bien, ahora voy a resumir todo lo anterior en solo 3 temas - de los 10 que propone el CD - (nada sencillo…) y señalo el primer surco, “Debí llorar”, donde podemos intuir la excelencia de todo lo que viene, con la voz de Silvia, aterciopelada, sentida y, el soberbio solo de Colina en el contrabajo. Sin dudar destaco el track Nº 4, “Belen”, en una versión y arreglo impecable y lucido. Termino con la pieza que lleva el Nº 9 “Si te contara”, intimista y veraz el fraseo de Silvia, arropada por el perfecto timing y ritmo de sus compañeros, que contribuyen con sus solos, a un todo irreprochable. (JR)

Referencias: produccionscontrabaix.com

NOVEDADES y SUGERENCIAS 2

André Vasconcellos
2 (Dos)
Adventure-music Records
2011
André Vasconcellos, quien nos inspira con su armonía y su talento, es hijo de un músico, y está tocando profesionalmente desde los 14 años. Hace seis años se trasladó de Brasilia para Río de Janeiro, por invitación de Djavan. Desde entonces ha estado trabajando en el mercado nacional, destacando su participación en los álbumes y giras "Libre de errores", "Djavan en vivo" y "DVD en vivo" del propio Djavan, y por su trabajo junto a grandes nombres de la música como: Simone, Jorge, Orlando Moraes, Rosa Passos, Leo Gandelman, Montarroyos Marcio, Hamiltom de Holanda, entre otros.
Personalmente, tomo contacto con su trabajo, a partir de su colaboración y participación en las grabaciones de Hamilton de Holanda. Su profesionalismo y calidad interpretativa se pone de manifiesto por la importancia de los artistas que requieren de su arte para acompañarlos en sus espectáculos en vivo o, para grabar.
En este trabajo, 2 (Dos) que marca su debut como solista o líder, Vasconcellos propone un repertorio de temas de su propia autoría (siete de los ocho temas) y se hace acompañar y secundar por conocidos compañeros de ruta, todos con un impresionante background de trabajo y solvencia. Tal es el caso de Allen Pontes en batería, Josue López en el saxo tenor, Marco Vasconcellos en guitarra, David Feidman al piano, Renato Fonseca, también en el piano y, la participación especial de Torcuato Mariano en guitarra.
En 2 (Dos) André, acompañado por esta banda de seis hombres que apoyan su ritmo de inflexiones de jazz con máxima eficacia, ofrece ocho interpretaciones que destacan su capacidad para trascender el género, especialmente la fusión del jazz, el hip-hop o el Chili con influencias brasileñas dándoles formas y colores únicos con su talento.
Para sintetizar la propuesta de Vasconcellos, de su CD, en 3 temas, me inclino por indicar el track Nº 1 “Signal of rain”, con su aire melancólico y reflexivo. Aparece luego la pista Nº 5 “Bullfigth”, donde hombre y bajo, compendian el sentido de ser uno y dos a la vez frente al mundo. Finalizo con el corte Nº 8 “Spiral”, de similares tesituras pero, con un acercamiento a la rítmica del Chili visto desde el Jazz que termina resultando, por como lo resuelven, muy gratificante. (JR)

NOVEDADES y SUGERENCIAS 3

Agustín Strizzi Grupo
Will
Clinical Archives
2011
La palabra Will, comprende en toda su extensión el espíritu de este disco.
Significados de Will:
1- Conjugación del verbo “Wollen” (Alemán) que significa querer. El Presente Indicativo del verbo es “Ich will”, “Yo quiero”.
2- En inglés, al agregar will, convertimos en futuro al verbo que le sigue.
3- Will se utiliza también para hablar sobre la determinación o la voluntad.
Este disco trata sobre la voluntad musical de una persona. Una búsqueda por los senderos de uno mismo...donde, curiosamente, nunca se encuentra solo.
Este disco es posible - nos cuenta Agustín - gracias al “Willpower” de cada uno de estos grandes músicos, y mejores amigos:
Pablo Etcheverry - Guitarra de Nylon (234567) y Eléctrica (1)
Pablo Elorza - Contrabajo (34678), Bajo (1) y Fretless (2)
Santiago Kurchan - Flauta Traversa (1246) y Saxo Soprano (5)
Javier Zacharías - Saxo Tenor (147)
Agustina Kuntze - Flauta Traversa (358)
Mariana Rivaya - Viola (358)
Tomas Pereyra Lucena - Cello (358)
Alejándose un poco de sus anteriores trabajos y producciones, particularmente las de Gepel, Strizzi parece mirar desde otra perspectiva, desde otro punto de vista, el universo musical que se despliega en su cabeza, en su entorno.
Claro está que, cuando uno se aleja de un punto, se acerca a otros y, se pierde de vista igualmente de terceros. No está mal, experimentar con otras opciones, especialmente si son posibles y viables. En eso consiste la búsqueda. En ese cerrar puertas es que se abren otras.
Como quiera que sea, felizmente en la nueva propuesta de Agustín, ahora con su grupo, coqueteando con sonidos más reconocibles en el llamado, nu-jazz o, particularmente en el free-jazz, no deja de tener ese saborcito local, de barrio…tango, candombe y tradición…a su manera expuestos claro está. Interesante como importante el camino que aborda Agustín Strizzi…vamos a ver a donde lo lleva, a donde se dirige.
Abrevio en 3 temas, la oferta de Will. De entrada, por lo significativo del título además, incluyo el track Nº 1 “El dueño de las mentiras”, parafraseando a tantos que se sienten amos de la verdad. Todo es relativo. Luego me inclino por el corte Nº 5 “Quedes”, con una interesante policromía rítmica y sonora y, concluyo con la pista 7 “Xac”, Variaciones y vericuetos sonoros -fugas - con aires, apenas, evocación de las raíces. (JR)

TAMBIÉN HEMOS RECIBIDO:

Claire Daly Quintet / Mary Joyce Project / Nothing to lose
Polentaitum / Milongas de la ribera
Aquiles Báez Trío / A mis hermanos
Unidad Orquestal Mínima / Canción de amor
Discos los cuales, estaremos oportunamente revisando y comentando para Uds., en nuestras próximas ediciones.

Estimados amigos de “En Clave de Jazz”:
En nuestro deseo y afán por contribuir, por colaborar a la mejor difusión, a la mayor promoción de todas las actividades y proyectos que se realizan en el género, les solicitamos tener en cuenta lo siguiente:
Actualizamos periódicamente. A los músicos y profesionales, casas discográficas o productores, que deseen hacernos llegar - con la debida anticipación - sus trabajos y noticias, con mucho gusto las recibiremos y, las incluiremos en las secciones correspondientes.
Reseñas y Notas: Se agradece enviar el texto editado en formato y fuentes usuales; evitando en lo posible el uso de redacción en "sólo Mayúsculas" (excluyente) y, las fotos adjuntas, deben venir adaptadas para su uso en la web. E-mail: jorgerochac@gmail.com
Eventualmente con copia a: uru_ven@yahoo.com
CD’s, Libros, Otros: Si en lugar de noticias son grabaciones, material de difusión etc., por favor hacerlo a la dirección de correo postal aquí indicada. Recibirán -como siempre- la necesaria y adecuada cobertura en la sección de reseñas discográficas o, donde concierna en "En Clave de Jazz" (Web-magazine y también, en la edición Radio).
Dirección: Avenida Del Libertador 1708, Apto. 1304, Montevideo 11800, Uruguay.

Muchas gracias
Jorge Rocha

lunes, 9 de mayo de 2011

Jazz de Acá: ACTIVIDAD LOCAL

‘‘El jazz, como muchas otras artes se explica a sí mismo, y sólo la experiencia de su audición permite comprenderlo’’.

LAS ACTIVIDADES PASADAS:
Orquesta de Jazz de Bretagne. Todos los estilos de jazz, de ayer y de hoy, a veces atrevido pero, sin renunciar a las virtudes del swing. Así de escueta era la información que conocíamos a través de la mayoría de los medios. Así de indiferente a estas importantes manifestaciones músico-culturales (que no siempre es posible tener la posibilidad de mostrar a toda la gente, a toda la comunidad) es la actitud de quienes tienen la responsabilidad de informar, de difundir, de promover. La producción del J.T., tuvo la feliz idea de, horas antes del concierto, presentar una avant premiere de la orquesta, al aire libre en plena Plaza Independencia y así el público común pudo conocer en vivo, en directo y, muy brevemente por un canal de TV, de que se trataba esta propuesta. En la noche y, a pocos metros de donde esto sucedía, tuvo lugar la presentación estelar, de lo que un gran segmento de población no tuvo el conocimiento suficiente, ni el incentivo o, motivación para concurrir. Sucedió el 25 de abril, en el Teatro Solís de Montevideo. Club de Latin Jazz: "invitados a retirarse". El cuarteto de Jazz Latino de Juan Prada (piano) con Cristian López (bajo) Martín Cruz (batería) Sergio Tulbovitz (percusión) realizaban encuentros, los domingos sobre las 21:00 hs, en la esquina de Maldonado y Gutiérrez Ruiz. Requerimientos por parte del dueño del lugar los han obligado a tomar la decisión de interrumpir las actividades...."pueden tocar con el piano y el bajo desconectados y la batería con escobas, recibí una llamada de un vecino quejándose del volumen"...Pueden imaginar semejante condición? Después de intentar explicar varias veces que esto era imposible, dadas las características del género, no se los logró entender y enérgicamente se les comunicó que, de no ser así, no podrían tocar más.

PROXIMAS OCURRENCIAS (Quién, Dónde, Cuándo?):
El Jazz Tour 2011. Continúa el programa preparado para este año, manteniendo – el esfuerzo – el perfil de la diversidad y amplitud de criterios dentro o, cuando no, en los aledaños del género, como las que ya se han presentado. Lo que sigue, parece ser el “plato principal” y luego obviamente tendremos el postre. Martirio. María Isabel Quiñones Gutiérrez conocida artísticamente como Martirio. Siempre con un toque de flamenco fusión que le ha permitido descubrir que "la copla casa mejor que nada con el jazz". 1 de junio, Teatro Solís de Montevideo. (Ver nota en edición anterior) Chucho Valdes & The Afro Cuban Messengers. "Chucho’s steps” de Chucho Valdés y Afro-Cuban Mesengers obtuvo el galardón de mejor álbum de jazz, en la pasada entrega de los Grammys. 20 de junio, Auditorio Adela Reta, Sodre. (Ver nota en edición anterior).

LA ESPERANZA, ES UN RIESGO QUE TENEMOS QUE CORRER:
La sociedad de las informaciones, o la sociedad de los conocimientos (2).
Dice Edgar Morín, entrevistado por Enric Saperas: “Estamos ante una poli-cultura. Internet permite revalorar el papel del individuo en el proceso cultural. Le permite buscar todo tipo de informaciones, de comunicaciones y de integrar esta tecnología de comunicaciones en su vida y establecer una nueva forma de relacionarse y de discutir o debatir cualquier cuestión. Éste me parece un elemento muy importante y positivo.
El problema es la capacidad de seleccionar, de una manera parecida al correo común, que está lleno de cosas inútiles que hay que descartar, pero éste es un problema de civilización que va más allá de Internet y que está provocado por el hecho de que generamos demasiadas cosas con poco sentido, inútiles y superfluas que nos distraen de las pocas cosas importantes y relevantes que merecen nuestra atención y nuestro esfuerzo. Este problema de civilización se manifiesta por la saturación. Tenemos que saber elegir, y la posibilidad y la capacidad de saber nos lleva a la libertad.”. (JR)

En Clave de Jazz-Radio por Magoya 90.5 FM desde Maldonado, Uruguay. En Clave de Jazz-Radio, "El Jazz y, la Nuevas Tendencias", la edición Radio de este Web-magazine, programa creado y conducido por Jorge Rocha, con el apoyo de los comunicadores Walter Álvarez y Carlos Peláez, se transmite, en su 4º año consecutivo, localmente desde Maldonado en Uruguay. Las propuestas, proyectos de una gran cantidad de músicos de las tres Américas (y no solo continentales) nuevos, desconocidos, conocidos, noveles y famosos, todos, reunidos para honrar la música, la diversidad cultural y, ser difundidos y mostrados en un marco de integración y conocimiento. El encuentro es, todos los sábados, de 19:00 a 21:00 horas por Magoya 90.5 FM.

LO DIJO:
Charlie Parker:
“Master your instrument, master the music, and then forget all that shit and just play”. "Perfecciónate en tu instrumento, perfecciona tu música, y luego olvida toda esa “mierda” y simplemente toca".
Anónimo: "Tocar una escala rápidamente de arriba para abajo en un solo, es como un camino: tiene que llevar a algún lado. Pero, desgraciadamente, hay quien se pasa todo el tiempo en la carretera sin saber a dónde quiere ir".

Foto: Logo “Jazz de Acá” (JR)

EN CLAVE DE JAZZ-Radio

En el séptimo aniversario. En Clave de Jazz-Radio, "El Jazz y, la Nuevas Tendencias" – la edición Radio de este Web-magazine – se transmite, desde República Dominicana, para toda la isla y áreas del Caribe, asimismo, a todo el mundo por Internet. Un recorrido por la diversidad de las músicas americanas folklóricas y tradicionales, expresiones locales, regionales, el sincretismo musical. Sus influencias como su fusión y mezcla, con la libertad que provee el manejo de los elementos y conceptos del jazz contemporáneo. Creado y conducido por Jorge Rocha, cuenta con la producción de Alexis Méndez en Santo Domingo. Finalizando ya su 6º año, va todos los domingos: de 12:00 m.; a 2:00 pm (hora de RD, -4:00 GTM) por 96.1 Quisqueya FM y, en la Red: http://www.compasillo.com/ (Clic en: Audio)
y también en: http://www.certvdominicana.com/

ESCUCHAR EL PROGRAMA AQUÍ:
A la derecha de su pantalla, está a la disposición, una edición actual -aunque por obvias razones, de archivo - de EN CLAVE DE JAZZ-Radio, "El Jazz y, las Nuevas Tendencias", en su versión Internacional. Periódicamente incluimos para Uds., nuevas emisiones.

DISPONIBLE: Programa 133.

Música Maestro. Este espacio, dedicado a la difusión de la música caribeña, entra en su décimo primer año de transmisión ininterrumpida. El espacio ha logrado consolidarse, no solo como programa de radio, sino como proyecto de difusión y estudio de las diferentes músicas del Caribe. El programa Música Maestro, se transmite todos los domingos de 3:00 a 5:00 (hora dominicana) por Quisqueya FM (96.1) Escúchalo, busca http://www.compasillo.com/ entra en: Audio. También en la Red por: http://www.certvdominicana.com/ Música Maestro es producido y conducido por José Federico, Julio Virdes y Alexis Méndez. Recuerda que Música Maestro es asunto del Caribe. http://musicamaestrord.blogspot.com/

Lisa Ono: Tan oriental como brasileña

Lisa Ono es una popular cantante japonesa de bossa nova. Nació en São Paulo (Brasil) en 1962, pero a los 10 años se trasladó con su familia a Tokio, donde su padre abrió un restaurante de comida brasileña.
A partir de entonces pasó la mitad de cada año en Japón y la otra mitad en Río de Janeiro.
Para las personas que no están familiarizados con Lisa Ono, su uso de la bossa nova puede sonar anticuada como Arthur Lyman, Martin Denny. La música de Brasil ha crecido en popularidad durante los últimos diez años, especialmente en el jazz, y Ono ha formado parte de este crecimiento.
Lisa Ono es una fantástica cantante, desgraciadamente desconocida para muchos. Incluso para ese país que es un continente en sí mismo. Brasil. En algunos momentos, Lisa se esfuerza en ser onírica. Otras, totalmente ecléctica. Muchas veces marcial.
Lisa Ono, que se ha estrenado en Hong Kong gracias a su participación en la cita local de las artes, describió que se sentía “muy feliz de poder presentar en Asia una música muy querida” para ella. Aunque Ono cambió a los diez años Brasil por la tierra de sus padres, todos los años regresa al país que la vio nacer, donde suele grabar sus trabajos.
“Me siento brasileña en el momento que vuelvo a Brasil“, describió la artista, quien, además de dedicarse en cuerpo y alma al repertorio brasileño de samba y bossa nova, también ha probado con temas procedentes de Oriente medio y de Hawai, así como con otros ritmos latinos.
“El jazz tiene mucho repertorio, mucha música interesante para mezclar con bossa nova, por lo que aproveché para realizar dos álbumes”, describió la artista. Contó haber buscado el “jazz americano tradicional” entre el repertorio de Nat King Cole, Frank Sinatra y Ella Fitzgerald.
“El jazz estuvo influenciado por la bossa nova y la bossa nova, para mí, estuvo muy influenciada por el jazz. Muchos músicos de jazz tocan músicas de Tom Jobim y Tom Jobim probablemente también estuvo influenciado por la música americana a través del cine. Estas dos músicas es como si fueran parientes”, indicó Ono.

Referencias:
Agencia EFE
es.paperblog.com

Enrique “Mono” Villegas: Pianista

A veces la gente me pide que cuente mi biografía. Yo siempre respondo: mi biografía termina a los siete años. A esa edad yo aprendí a tocar el piano. Y tocar el piano fue lo único que hice el resto de mi vida". Enrique Villegas fundó alrededor de su figura una mitología poderosa. Además del piano, sus armas fueron la agudeza conceptual, el talento para la ironía y una forma de vida por lo menos pintoresca.
A los 7 años recibió la primera lección de piano. Dos semanas más tarde tocaba Mozart correctamente e iba al Conservatorio Williams. "No me gustaba estudiar. Igual tuve que ir al colegio. Iba al Nacional Mariano Acosta, pero en cuarto año quedé libre por la cantidad de faltas. Me hacía la rabona pero no para ir al bar a jugar al billar. Me escapaba para volver al conservatorio". Trabó amistad con Macedonio Fernández, con quien compartía el placer de la charla metafísica, la lectura y la holgazanería.
En 1935 ganó su primer dinero con la música tocando con Eduardo Armani en el Alvear Palace Hotel. Antes había hecho en el Odeón el Concierto en Sol de Maurice Ravel. Después se empleó como músico de Radio El Mundo. Lo echaron cuando, anticipándose de alguna manera a una demasiado famosa frase de John Lennon, declaró que la muerte de Ravel era más importante que la muerte del Papa. Se puso a escuchar y a tocar obsesivamente jazz. En 1955, invitado por el sello Columbia, se radicó en los Estados Unidos. Se quedó ocho años. Grabó con el contrabajista Milton Hilton y el baterista Cozy Cole y finalmente huyó despavorido de la compañía cuando le pidieron que grabara un disco de boleros. Quedó varado en Manhattan, pero no se hizo demasiado problema. Descubrió lo caro que podía ser Nueva York y se la pasaba yendo al cine, cenando café con leche con pan con manteca y escuchando jazz. "Sufrí bastante en Nueva York —contaba—. Pero con el tiempo la aprendí a querer. Conocí a todos los genios: Duke Ellington, Cole Porter, Count Basie, Louis Armstrong, Coleman Hawkins. Y me di cuenta de que, aún en los Estados Unidos, el jazz no es popular ni mucho menos".
"En Buenos Aires comprobó que los cines eran exactamente iguales a los de Nueva York, pero con entrada más barata. Comprobó también que su fama había crecido, extrañamente. "Ahora los muchachos creen que soy Beethoven", se reía. Lo rodeaban músicos jóvenes, encandilados por su aura. Su departamento era el eje de reuniones en las que se filosofaba, se bebía y se tocaba hasta altas horas. Villegas no fumaba ni bebía. Era un anfitrión encantador pese a que, dicen, cuando estaba corto de dinero cobraba las bebidas que ofrecía. En 1966 abrió un boliche en Viamonte entre Talcahuano y Uruguay, Villegas y sus amigos. Tocaba, puntualmente, entre la una y media y las tres de la mañana. Lo clausuraron al poco tiempo por ruidos molestos."El jazz argentino no existe —comentaba—. Hay músicos argentinos que hacen jazz. Es así. Por otra parte, yo no me considero pianista de jazz. Soy pianista a secas. El jazz es improvisación total: en cuanto se escribe, deja de ser jazz. Es lo que hizo Picasso con Las meninas de Diego Velázquez: partió de un tema para expresarse libremente. Eso es el jazz". Se quejaba de que no había buenos pianos en la Argentina. Cuando tenía que dar un concierto en malas condiciones, charlaba la mayor parte del tiempo y apenas tocaba un par de piezas. Su obsesión con el tema era tal que, aún hoy, algunos músicos repiten Al gran pueblo argentino: ¡pianos!, frase acuñada por Villegas que, incluso, fue el título de un disco que registró un concierto de 1964 con el contrabajista Jorge López Ruiz y y el baterista Eduardo Casalla. También era intolerante con los públicos bulliciosos y con el mal sonido. Sabiamente, se mostraba cauto y sarcástico con su propia fama. "Yo no me hice famoso con la música; me hice famoso con los reportajes. Camino por Corrientes y todos me saludan ¡chau Mono! y se comentan entre sí: ese que va ahí es el mejor pianista de la Argentina. Y seguro nunca me escucharon tocar", decía sin amargura. Los últimos años los pasó tocando en La Peluquería de San Telmo con un orgullo casi secreto: "Estoy llegando al fin y jamás me prostituí con la música". Era agnóstico pero tenía gran curiosidad con la muerte. "De alguna manera, la espero", decía. Llegó hace veinte años, mansamente. Desde entonces, como escribió alguien por ahí, "descansa en jazz".

Tomado de: romanticwarrior-jazz.blogspot.com